.jpg)
El demonio
FA 7131
domingo, 6 de octubre de 2013
Kichiku (Yoshitaro Nomura, 1978)
De la guerre (Bertrand Bonello, 2008)
.jpg)
De la guerra
Narra los contratiempos que sufre un cineasta, al que da
vida Mathieu Almaric, que tras pasar una noche encerrado en un ataúd decide
reconsiderar su vida, y seguir a un desconocido a El Reino, un lugar aislado
del mundo dominado por el personaje de Asia Argento, y regido por una sola
consigna “Alcanzar el placer es una guerra”. (FILMAFFINITY)
FA 7123
De grønne slagtere (Anders Thomas Jensen, 2003)
.jpg)
Los carniceros verdes
Bjarne y Svend son compañeros. Svend es ambicioso pero tiene
un gran complejo de inferioridad, al tiempo que Bjarne apenas le importa nada
que no sea Astrid, su novia. Los dos juntos consiguen abrir una carnicería
propia, y así escapar de la tiranía de su antiguo jefe, carnicero también. Pero
el negocio no va bien... hasta que suceden una serie de extrañas coincidencias.
(FILMAFFINITY)
FA 7122
Cerný Petr (Milos Forman, 1964)
.jpg)
Pedro, el negro
Un tímido adolescente llamado Petr tendrá que enfrentarse al
a su primer trabajo y a su primer amor, la bella Pavla, dos elementos que le
permitirán madurar. (FILMAFFINITY)
FA 7119
Lásky jedné plavovlásky (Milos Forman, 1965)
.jpg)
Los amores de una rubia
Unas jóvenes obreras viven en una pensión de Zruc, entre
ellas Andula. La escasez de hombres en la pequeña ciudad preocupa a los
funcionarios de la fábrica de zapatos, ya que las chicas están decididas a irse
de Zruc, precisamente por esta razón. Para evitarlo, utilizan sus influencias
para conseguir que se instale en la ciudad una guarnición militar. Sin embargo,
para desilusión de las chicas, los soldados son todos veteranos. (FILMAFFINITY)
1966: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa
1966: Globos de oro: Nominada Mejor película de habla no inglesa
1966: Globos de oro: Nominada Mejor película de habla no inglesa
FA 7132
Breaking the Waves (Lars von Trier, 1996)
.jpg)
Rompiendo las olas
A principios de los años 70, Bess (Watson), una ingenua
joven de un pueblo costero de Escocia, se enamora de Jan (Stellan Skarsgård),
un hombre mundano que trabaja en una plataforma petrolífera. A pesar de la
oposición de la rígida comunidad puritana a la que pertenece, Bess y Jan se
casan. Tras la boda, él vuelve a su trabajo, y ella cuenta los días esperando
su vuelta. Bess, una creyente devota, cree que su amor está bendecido por el
cielo; pero un día sucede un terrible accidente. Primera película de la trilogía
"Corazón dorado" de Lars Von Trier.(FILMAFFINITY)
1996: Nominada al Oscar: Mejor actriz (Emily Watson)
1996: Globo de Oro: 2 nominaciones: mejor película drama y actriz drama (Watson)
1996: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado (Lars Von Trier)
1996: Círculo de críticos de Nueva York: 3 premios: mejor actriz, director y fotografía
1996: Nominada Premios BAFTA: Mejor actriz (Emily Watson)
1996: Premios Cesar: Mejor película extranjera
1996: Premios Goya: Nominada a la mejor película europea
1996: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera
1996: 3 Premios del Cine Europeo: Mejor película, actriz (Emily Watson), Premio FIPRESCI
1996: Globo de Oro: 2 nominaciones: mejor película drama y actriz drama (Watson)
1996: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado (Lars Von Trier)
1996: Círculo de críticos de Nueva York: 3 premios: mejor actriz, director y fotografía
1996: Nominada Premios BAFTA: Mejor actriz (Emily Watson)
1996: Premios Cesar: Mejor película extranjera
1996: Premios Goya: Nominada a la mejor película europea
1996: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera
1996: 3 Premios del Cine Europeo: Mejor película, actriz (Emily Watson), Premio FIPRESCI
FA 7117
Archangel (Guy Maddin, 1990)
.jpg)
Un combatiente de la I Guerra Mundial ha perdido dos cosas
en la batalla: a su prometida Iris, y una de sus dos piernas, y se dispone a
desembarcar en el puerto ruso de Archangel, una apartada ciudad a la que aún no
ha llegado la noticia de que la guerra ha terminado. (FILMAFFINITY)
...La producción quedaría en manos de Greg Klymkiw, amigo
del círculo cercano (Winnipeg) al director, quien al parecer manejó con
diligencia y riguroso ahorro el presupuesto. Sin embargo, su contratación bien
pudo suponer la marcha de una de las personas hasta entonces más unidas a
Maddin en la faceta creativa, John Harvie. Éste no sintonizaba con Klymkiw y a
pesar de ser la fuente y punto de partida de la historia a narrar, desaparece
del proyecto. El guión será escrito por el mismo Guy Maddin y por su gurú
George Toles, quedando John Harvie Boles sólo como nombre de un personaje, el
protagonista, cuando estaba previsto que interpretara también a dicho personaje
además de ser coguionista.
Dentro del departamento de arte Maddin colaboró con Jeff Solylo,compañero de fatigas con el que comparte aficiones y de quien recibe ayuda puntual para superar malos momentos. Solylo le proporciona ese apoyo, digamos anímico, al tiempo que le sirve de escape y entretenimiento al corresponderle en su fascinación por cierto tipo de objetos como los discos fonográficos (vinilos), las viejas grabaciones sonoras y los materiales de archivo; juntos fantaseaban con un show radiofónico propio titulado “S is for Scratchy”. Otro de los colaboradores en el departamento era Michael Powell, que no dejaba de sorprender al equipo con sus creaciones para los decorados. Cuando todos desaparecían del rodaje él entraba en acción, era a la mañana siguiente cuando la expectación del grupo al llegar a plató aumentaba para ver con qué les había sorprendido en esa ocasión Michael, y juzgando el resultado final de su labor en la película la sorpresa agradable debió ser el sentimiento más frecuente.
La línea argumental de partida era una mezcolanza entre hechos históricos: la Revolución Bolchevique de 1917, y ficción: las peripecias de los personajes de la comedia vodevilesca de 1933, International House. Todo pasado por el tamiz surreal de Maddin, que localizará la acción en una zona remota del norte de Rusia donde el tiempo parece haberse detenido ejerciendo sobre sus habitantes un extraño poder hipnótico. Archangel será la puerta hacia un viaje en bucle, un eterno retorno que imposibilita cualquier intento de evasión. Agobia y perturba tanto como la Anathan de Sternberg pero intercambiando los términos de ésta; del calor y de la jungla pasamos al frío y a la estepa. Ambos lugares, fantasmales, recreados por completo en decorados.
Para su desarrollo Maddin tenía pensados una serie de recursos puramente narrativos: intertítulos + mímica + diálogos + voz en off. Buscaba, más allá del contenido visual que veremos en un instante, la referencia constante de la transición del mudo al sonoro, los años del goat-glanding y de los primeros part-talkies. Como máximas expresiones de aquel momento, golpeando en la cabeza del director, siempre estaban presentes L’Age d’Or de Buñuel y los filmes de Josef von Sternberg. Sin embargo, la narración de Maddin estará por completo alejada de la sencillez de algunos de estos modelos más “clásicos”, desviándose decididamente por la vía surreal (más cercana a Buñuel por lo tanto) que a pesar de contar con una estructura de nuevo circular, no ayuda a la comprensión inmediata de todos y cada uno de los sucesos contados. La amnesia reinante provocará tanto la desorientación como una serie de reacciones que impulsan sin remedio a salir de situación. Esta ausencia de memoria y la dificultad para establecer identificaciones primarias y empatía, supone uno de los motivos fundamentales de la historia que encuentra correspondencia en el desasosiego, la confusión y el despiste de cualquier público en espera de una narración convencional: “El tema de la amnesia traspasa la pantalla y se instala entre el público como si fuera un opiáceo”.
El montaje, realizado por el mismo Maddin, no le sirve para “reinventar” o reordenar, supone un ensamblaje más o menos convencional que no ayuda en la fluidez narrativa y que en cierta manera se alejará en corte y velocidad de sus modelos antiguos; si bien aquí lo hará de manera menos acusada que en obras posteriores y no digamos en los cortometrajes. En este terreno Maddin se pone del lado de los old technology days, aquellos de los métodos lineales tradicionales, con sus steenbecks, con gran despliegue físico humano, con la materialidad del soporte presente y con el despertar sensorial, táctil sobre todo, que ello implicaba. Sin apostarse en la radicalidad romántica (que la tiene) o retrógrada, simplemente declara su satisfacción y su placer hacia ese tipo de sensaciones, de las que se encuentra más cercano que de las producidas por los sistemas no lineales y off-line actuales.
El aspecto visual, seña de identidad innegociable para el director, se construiría también sobre referencias muy concretas, siempre dentro un conjunto de filias y obsesiones más o menos constantes. Varias fuentes son explicitadas por él mismo: von Sternberg inspira, además la estructura de los primitivos talkies, todo el imaginario militar-decadente y exótico, llenos de oficiales y rituales que se balancean entre la tradición y el ridículo. Maddin quería ese look añejo, ya insinuado en The Dead Father y Gimli Saga, pero con la intención de ir más allá, sobrepasando el simple acto de emulación que conllevaba. Tras comprobar el lustre de los primeros rushes de la película, recurrirá a La Cerillerita de Jean Renoir (La Petite marchande d’allumettes) como modelo a seguir en la búsqueda de una textura apropiada. Otro lugar inevitable para aproximarse a una imagen de factura auténtica estaba en el abundante material de archivo de la Primera Guerra Mundial, todo aquel doloroso y crudo footage que paradójicamente estaba lleno de magnetismo estético con sus trincheras, el barro, las explosiones, los rostros decrépitos y sucios… un material demasiado valioso a todos los niveles como para obviarlo e igual de inevitable que la parada en el cine soviético de los años 20. El resultado final le valdrá el halago de Stephen H. Burum, no precisamente un cualquiera en el oficio de la fotografía cinematográfica. Luces y muselinas, rostros desequilibrados en primeros planos opresivos y siluetas recortadas, los haluros de plata devienen protagonistas materiales, son un personaje más...(Articulo completo sobre la pelicula:http://www.kinodelirio.com/dossier/cineastas/guy-maddin-archangel-1990/)
Dentro del departamento de arte Maddin colaboró con Jeff Solylo,compañero de fatigas con el que comparte aficiones y de quien recibe ayuda puntual para superar malos momentos. Solylo le proporciona ese apoyo, digamos anímico, al tiempo que le sirve de escape y entretenimiento al corresponderle en su fascinación por cierto tipo de objetos como los discos fonográficos (vinilos), las viejas grabaciones sonoras y los materiales de archivo; juntos fantaseaban con un show radiofónico propio titulado “S is for Scratchy”. Otro de los colaboradores en el departamento era Michael Powell, que no dejaba de sorprender al equipo con sus creaciones para los decorados. Cuando todos desaparecían del rodaje él entraba en acción, era a la mañana siguiente cuando la expectación del grupo al llegar a plató aumentaba para ver con qué les había sorprendido en esa ocasión Michael, y juzgando el resultado final de su labor en la película la sorpresa agradable debió ser el sentimiento más frecuente.
La línea argumental de partida era una mezcolanza entre hechos históricos: la Revolución Bolchevique de 1917, y ficción: las peripecias de los personajes de la comedia vodevilesca de 1933, International House. Todo pasado por el tamiz surreal de Maddin, que localizará la acción en una zona remota del norte de Rusia donde el tiempo parece haberse detenido ejerciendo sobre sus habitantes un extraño poder hipnótico. Archangel será la puerta hacia un viaje en bucle, un eterno retorno que imposibilita cualquier intento de evasión. Agobia y perturba tanto como la Anathan de Sternberg pero intercambiando los términos de ésta; del calor y de la jungla pasamos al frío y a la estepa. Ambos lugares, fantasmales, recreados por completo en decorados.
Para su desarrollo Maddin tenía pensados una serie de recursos puramente narrativos: intertítulos + mímica + diálogos + voz en off. Buscaba, más allá del contenido visual que veremos en un instante, la referencia constante de la transición del mudo al sonoro, los años del goat-glanding y de los primeros part-talkies. Como máximas expresiones de aquel momento, golpeando en la cabeza del director, siempre estaban presentes L’Age d’Or de Buñuel y los filmes de Josef von Sternberg. Sin embargo, la narración de Maddin estará por completo alejada de la sencillez de algunos de estos modelos más “clásicos”, desviándose decididamente por la vía surreal (más cercana a Buñuel por lo tanto) que a pesar de contar con una estructura de nuevo circular, no ayuda a la comprensión inmediata de todos y cada uno de los sucesos contados. La amnesia reinante provocará tanto la desorientación como una serie de reacciones que impulsan sin remedio a salir de situación. Esta ausencia de memoria y la dificultad para establecer identificaciones primarias y empatía, supone uno de los motivos fundamentales de la historia que encuentra correspondencia en el desasosiego, la confusión y el despiste de cualquier público en espera de una narración convencional: “El tema de la amnesia traspasa la pantalla y se instala entre el público como si fuera un opiáceo”.
El montaje, realizado por el mismo Maddin, no le sirve para “reinventar” o reordenar, supone un ensamblaje más o menos convencional que no ayuda en la fluidez narrativa y que en cierta manera se alejará en corte y velocidad de sus modelos antiguos; si bien aquí lo hará de manera menos acusada que en obras posteriores y no digamos en los cortometrajes. En este terreno Maddin se pone del lado de los old technology days, aquellos de los métodos lineales tradicionales, con sus steenbecks, con gran despliegue físico humano, con la materialidad del soporte presente y con el despertar sensorial, táctil sobre todo, que ello implicaba. Sin apostarse en la radicalidad romántica (que la tiene) o retrógrada, simplemente declara su satisfacción y su placer hacia ese tipo de sensaciones, de las que se encuentra más cercano que de las producidas por los sistemas no lineales y off-line actuales.
El aspecto visual, seña de identidad innegociable para el director, se construiría también sobre referencias muy concretas, siempre dentro un conjunto de filias y obsesiones más o menos constantes. Varias fuentes son explicitadas por él mismo: von Sternberg inspira, además la estructura de los primitivos talkies, todo el imaginario militar-decadente y exótico, llenos de oficiales y rituales que se balancean entre la tradición y el ridículo. Maddin quería ese look añejo, ya insinuado en The Dead Father y Gimli Saga, pero con la intención de ir más allá, sobrepasando el simple acto de emulación que conllevaba. Tras comprobar el lustre de los primeros rushes de la película, recurrirá a La Cerillerita de Jean Renoir (La Petite marchande d’allumettes) como modelo a seguir en la búsqueda de una textura apropiada. Otro lugar inevitable para aproximarse a una imagen de factura auténtica estaba en el abundante material de archivo de la Primera Guerra Mundial, todo aquel doloroso y crudo footage que paradójicamente estaba lleno de magnetismo estético con sus trincheras, el barro, las explosiones, los rostros decrépitos y sucios… un material demasiado valioso a todos los niveles como para obviarlo e igual de inevitable que la parada en el cine soviético de los años 20. El resultado final le valdrá el halago de Stephen H. Burum, no precisamente un cualquiera en el oficio de la fotografía cinematográfica. Luces y muselinas, rostros desequilibrados en primeros planos opresivos y siluetas recortadas, los haluros de plata devienen protagonistas materiales, son un personaje más...(Articulo completo sobre la pelicula:http://www.kinodelirio.com/dossier/cineastas/guy-maddin-archangel-1990/)
FA 7115
My Dad Is 100 Years Old (Guy Maddin, 2005)
.jpg)
Mi padre cumple 100 años
“My father is 100 years old” es el cortometraje que Maddin
realizará junto a Isabella Rossellini para conmemorar el centenario del
nacimiento del director italiano, padre de la actriz. El resultado final es
bastante convencional, pero no deja de ser estimulante comprobar cómo Maddin
cede terreno y parece apartarse buscando el menor protagonismo posible en la
pieza. Acto que puede responder a una actitud ética y de respeto, hasta loable,
pero que a nuestro juicio termina por afectar a un filme donde su figura, en
lugar de acomodarse a un segundo plano, casi termina por difuminarse a la
manera de la propia niebla y humo de los decorados. El protagonismo de Isabella,
legítimo y puede que hasta necesario, termina por bloquear la película. El
guión que escribe la protagonista de “The saddest music in the World” y la
multiplicación de su persona para representar todos los papeles excepto el de
su padre, simbolizado por un enorme vientre masculino sobre el que ella se
tumba recordando su niñez, no terminan de tener la profundidad necesaria, no ya
para un filme convencional sino para lo que se pretende sea un homenaje.
La envoltura visual del conjunto apenas queda marcada por un cuantos tics maddianos: niebla, siluetas, sobreimpresiones y proyecciones oníricas, degradación del material fílmico, intertítulos y créditos con reminiscencias silentes, etc. Tampoco logra imponerse lo que la misma Isabella demanda durante un momento del metraje, esto es, la sencillez plástica y narrativa tan querida por su padre, llegando a recriminar a una cámara elevada para que descienda, deje de moverse y enfoque como lo haría su padre: con el motivo centrado y a la altura de los ojos. Petición curiosa ésta, cuando uno de los mayores logros plásticos de su progenitor fue proponer en sus encuadres “una ruptura del centro de gravedad de la imagen, oponiéndose a las ideas de centralidad y reencuadre impuestas por el cine clásico, para poder devolver a la imagen su poder de representación de la gravedad” (http://www.kinodelirio.com/dossier/cineastas/guy-maddin-cortometrajes-para-un-nuevo-siglo/)
La envoltura visual del conjunto apenas queda marcada por un cuantos tics maddianos: niebla, siluetas, sobreimpresiones y proyecciones oníricas, degradación del material fílmico, intertítulos y créditos con reminiscencias silentes, etc. Tampoco logra imponerse lo que la misma Isabella demanda durante un momento del metraje, esto es, la sencillez plástica y narrativa tan querida por su padre, llegando a recriminar a una cámara elevada para que descienda, deje de moverse y enfoque como lo haría su padre: con el motivo centrado y a la altura de los ojos. Petición curiosa ésta, cuando uno de los mayores logros plásticos de su progenitor fue proponer en sus encuadres “una ruptura del centro de gravedad de la imagen, oponiéndose a las ideas de centralidad y reencuadre impuestas por el cine clásico, para poder devolver a la imagen su poder de representación de la gravedad” (http://www.kinodelirio.com/dossier/cineastas/guy-maddin-cortometrajes-para-un-nuevo-siglo/)
FA 7115
My Winnipeg (Guy Maddin, 2007)
.jpg)
Éste pseudo-documental surrealista es un homenaje de Guy
Maddin a su ciudad natal: Winnipeg (Manitoba). (FILMAFFINITY)
FA 7143
Les tricheurs (Marcel Carné, 1958)
.jpg)
Los tramposos
Un grupo de estudiantes viven sumidos en la apatía, los
sueños irrealizables y la indiferencia por todo lo que los rodea. Bob y Mic se
conocen en una fiesta y simpatizan inmediatamente, pero mientras que Bob parece
un chico responsable, la única ilusión de la atractiva Mic es tener un coche
lujoso. Cuando ella queda embarazada sin saber quién es el padre, Bob no está
dispuesto a aceptar la responsabilidad que implican el matrimonio y la
paternidad. Algún tiempo después, vuelven a encontrarse, pero la situación de
ambos ha cambiado bastante. (FILMAFFINITY)
FA 7136
Il tuo vizio è una stanza chiusa e solo io ne ho la chiave (Sergio Martino, 1972)
.jpg)
Vicios prohibidos
Oliviero Rouvigny, ex-profesor de la academia Tasso y
escritor que ha perdido la inspiración, está casado con Irene, mujer cerrada
que le acusa de ser aficionado al alcohol y de tener devaneos, si bien tampoco
él la trata con miramientos. En verdad, Oliviero mantiene relaciones secretas
con su ex-alumna Fausta, empleada de una libreria, la cual aparece asesinada.
Este asesinato y otros que ocurren, envuelven a Oliviero en una rueda de
sospechas... (FILMAFFINITY)
FA 7137
Déjà mort (Olivier Dahan, 1998)
.jpg)
Juventud francesa a la deriva, drogas, pornografía y un gran
vacío existencial. (FILMAFFINITY)
FA 7124
Sogobi (James Benning, 2001)
.jpg)
Dividida en 35 planos (de 2 minutos y medio cada uno),
"Sogobi" nos muestra diversas zonas silvestres californianas. Segunda
parte de la llamada "trilogía de California". (FILMAFFINITY)
FA 7148
2.jpg)
Amai yoru no hate (Yoshishige Yoshida, 1961)
.jpg)
Amargo final de una noche dulce
Yokkaichi, una ciudad de gran crecimiento industrial. Jiro
Tezuka, trabajador de una gran empresa, conoce a Harumi en un café de
carretera. Decide ponerla a trabajar en la cafetería Sawa, cuyo jefe, Sawako,
es la hija del director de la compañía en la que trabaja. Mientras, también
conoce a Masae, viuda del director de la fundación Oka... (FILMAFFINITY)
Declaró Yoshida: "Rojo y Negro de Stendhal me
inspiraron para el guión. Morir para ser libre; un romanticismo que hoy nadie
es capaz de asumir. Quería que este film fuese con una determinada velocidad,
como si se tratase de una descomposición que no terminara en la catársis
habitual" (FILMAFFINITY)
FA 7114
Bill Viola: The Eye of the Heart (Mark Kidel, 2003)
.jpg)
Documental realizado por Mark Kidel para BBC y el canal Arte
France sobre la vida y trabajos de Bill Viola, pionero del Video-Art.
FA 7116
sábado, 5 de octubre de 2013
Un jeu brutal (Jean-Claude Brisseau, 1983)
.jpg)
Un juego brutal
Un biólogo, célebre y perturbado, comete varios homicidios
de niñas, tratando inconscientemente de salvar a su hija parapléjica, que niega
su condición de incapacitada. (FILMAFFINITY)
FA 7111
Tühirand (Veiko Õunpuu, 2006)
.jpg)
Vacío
FA 7110
Vermischte Nachrichten (Alexander Kluge, 1986)
.jpg)
Miscelánea de noticias
"Vermischte Nachrichten" une viñetas de eventos
tomados de titulares de periódicos. Se muestra cómo reaccionan los alemanes
frente a temáticas como la Segunda Guerra Mundial, las minorías y la
ancianidad. Una subtrama muestra un encuentro entre el ex Canciller de Alemania
Occidental Helmut Schmidt y el líder de Alemania Oriental Erich Honecker.
(FILMAFFINITY)
FA 7112
Die Macht der Gefühle (Alexander Kluge, 1983)
.jpg)
El poder de los sentimientos
La emoción y los sentimientos no deben ser confundidos con
el sentimentalismo. La emoción es antiquísima y mucho más poderosa que
cualquier expresión artística. El filme observa a jóvenes parejas enfrentándose
a dificultades mientras intentan trasladar sus experiencias amorosas hacia
tomas de decisiones claras. Una película llena de ideas, detalles y
asociaciones, escenas de ficción, imágenes documentales, materiales de archivo
y música de ópera. (FILMAFFINITY)
FA 7108
The St. Valentine's Day Massacre (Roger Corman, 1967)
.jpg)
La matanza del día de San Valentín / La masacre de Chicago
1929
El 14 de febrero de 1929, día de San Valentín, fue la fecha
en la que Al Capone se proclamó jefe supremo del crimen organizado de Chicago.
Sus secuaces, vestidos de policías, asesinaron en un garaje a los principales
miembros de la banda de su rival, pero esta acción traería terribles
consecuencias para todos. (FILMAFFINITY)
Película realizada por Roger Corman, se basa en los hechos
que precedieron, rodearon y diron lugar a la matanza de 7 sicarios del gángster
irlandés Bugs Moran, ocurrida el 14-II-1929. Se rodó en 5 semanas en Desilu
Studios (California), con un presupuesto de 1 M dólares, el más elevado de la
carrera del director, que renunció a varios decorados y reutilizó alguno de una
película anterior, con lo que ahorró unos 200.000 dólares. Se estrenó el
30-VI-1967.
La acción, que tiene lugar en Chicago el día de San Valentín de 1929, comienza con el descubrimiento de los cadáveres por una vecina del lugar. Mediante "flashbacks" se evocan pasajes anteriores. A partir de las hipótesis mejor fundadas, la película atribuye la responsablidad de la matanza a Al Capone (Jason Robards) y la autoría material a su colaborador Jack "Machine Gun" McGun (Clint Ritchie). Los hechos tuvieron lugar en un almacén, donde varios miembros de la banda de Bugs Moran (Ralph Meeker), oponente de Capone, esperaban un cargamento de whisky. Moran, objetivo central del atentado, llegó tarde a la cita, por lo que salvó la vida, pese a las heridas de bala que recibió de los criminales en su huída. La matanza convirtió a Capone en el jefe más poderoso del crimen organizado de Chicago. Tres miembros del grupo asesino fueron ejecutados posteriormente, posiblemente "por razones de seguridad".
La película, rodada con la celeridad propia de Corman y con su afición al uso de presupuestos reducidos, contiene escenas de gran violencia, como el ametrallamiento del restaurante del hotel en el que reside Capone, el asesinato a sangre fría del gángster Dion O'Banion (John Ager) en la floristería de su propiedad y la matanza que da título al film. La reconstrucción de los hechos presuntos pone de manifiesto la crueldad del crimen organizado, las luchas intestinas entre bandas rivales, la codicia que las anima, la corrupción pública y las dimensiones impensables del negocio de las bandas criminales. Se incluye una escena de violencia de género, que sufre Myrtle (Jean Hale), de humor patético. "Scarface" (1932) se refiere a los hechos del 14-II-1929, que visualiza mediante sombras angustiosas, y al asesinato de O'Banion en la floristería.
La música refuerza el ambiente de época del relato con melodías de conjuntos de metal. La fotografía, de Milton Krasner ("La tentación vive arriba", 1955), de magnífica factura, observa la acción desde ángulos de gran efectismo, resalta el realismo de la acción y muestra el desagarro de una violencia arrolladora. El guión relata los hechos con pretensiones documentales explícitas. La interpretación de Jason Robards es memorable. Intervienen brevemente Bruce Dern y un jovencísimo Jack Nicholson. La dirección luce concisión, eficacia y minuciosidad narrativa.
La película relata los hechos que presumiblemente rodearon uno de los episodios más sangrientos de la vida del legendario gángster Alfonso Capone (1899-1947). (Miquel, FilmAffinity)
La acción, que tiene lugar en Chicago el día de San Valentín de 1929, comienza con el descubrimiento de los cadáveres por una vecina del lugar. Mediante "flashbacks" se evocan pasajes anteriores. A partir de las hipótesis mejor fundadas, la película atribuye la responsablidad de la matanza a Al Capone (Jason Robards) y la autoría material a su colaborador Jack "Machine Gun" McGun (Clint Ritchie). Los hechos tuvieron lugar en un almacén, donde varios miembros de la banda de Bugs Moran (Ralph Meeker), oponente de Capone, esperaban un cargamento de whisky. Moran, objetivo central del atentado, llegó tarde a la cita, por lo que salvó la vida, pese a las heridas de bala que recibió de los criminales en su huída. La matanza convirtió a Capone en el jefe más poderoso del crimen organizado de Chicago. Tres miembros del grupo asesino fueron ejecutados posteriormente, posiblemente "por razones de seguridad".
La película, rodada con la celeridad propia de Corman y con su afición al uso de presupuestos reducidos, contiene escenas de gran violencia, como el ametrallamiento del restaurante del hotel en el que reside Capone, el asesinato a sangre fría del gángster Dion O'Banion (John Ager) en la floristería de su propiedad y la matanza que da título al film. La reconstrucción de los hechos presuntos pone de manifiesto la crueldad del crimen organizado, las luchas intestinas entre bandas rivales, la codicia que las anima, la corrupción pública y las dimensiones impensables del negocio de las bandas criminales. Se incluye una escena de violencia de género, que sufre Myrtle (Jean Hale), de humor patético. "Scarface" (1932) se refiere a los hechos del 14-II-1929, que visualiza mediante sombras angustiosas, y al asesinato de O'Banion en la floristería.
La música refuerza el ambiente de época del relato con melodías de conjuntos de metal. La fotografía, de Milton Krasner ("La tentación vive arriba", 1955), de magnífica factura, observa la acción desde ángulos de gran efectismo, resalta el realismo de la acción y muestra el desagarro de una violencia arrolladora. El guión relata los hechos con pretensiones documentales explícitas. La interpretación de Jason Robards es memorable. Intervienen brevemente Bruce Dern y un jovencísimo Jack Nicholson. La dirección luce concisión, eficacia y minuciosidad narrativa.
La película relata los hechos que presumiblemente rodearon uno de los episodios más sangrientos de la vida del legendario gángster Alfonso Capone (1899-1947). (Miquel, FilmAffinity)
FA 7101
Le grand blond avec une chaussure noire (Yves Robert, 1972)
.jpg)
El gran rubio con un zapato negro
La ambición de un alto mando de los servicios secretos
franceses desemboca en una serie de trampas, golpes bajos y operaciones
secretas. Simpática y trepidante parodia del cine de espionaje e intriga.
(FILMAFFINITY)
1973: Festival de Berlín: Oso de Plata
FA 7087
Akahige (Akira Kurosawa, 1965)
.jpg)
Barbarroja
1965: Festival de Venecia: Premio OCIC. Copa Volpi (Toshirô
Mifune). Nominada al León de Oro
1965: Globos de Oro: Nominada a la mejor película extranjera
1967: Festival de Valladolid: Espíga de Oro
1965: Globos de Oro: Nominada a la mejor película extranjera
1967: Festival de Valladolid: Espíga de Oro
Akahige pertenece a ese selecto grupo de películas insuperables en las que el talento de Kurosawa, todas sus virtudes y señas de identidad afloraban a plenitud logrando la obra de arte. Y en cierto modo este film tiene un tono de despedida. Del blanco y negro y de su actor preferido, Toshiro Mifume. Tras 17 películas juntos, "el emperador y el lobo" dieron por finalizada su colaboración dejando tras de si una de las relaciones mas estrechas y satisfactorias que ha dado la historia del cine. Y como no podía ser menos, ambos lo hacen a lo grande, alcanzando de nuevo las cotas mas altas de su talento en este bellísimo film, que a pesar de la dureza de los temas tratados, no pierde un tono ligeramente optimista que no se prodiga mucho en la carrera del director y que a partir de esta película prácticamente desaparecerá de su cine. Una vez mas Kurosawa nos regala una historia sobre el aprendizaje, sobre la responsabilidad profesional y sobre el ser humano en general. Kurosawa realiza un rico y extenso retrato de personajes que logra que las tres horas que dura la película sea uno de los mayores placeres que el cine puede dar. Las diferentes histórias contadas son simplemente magistrales. El flashback de Matahachi es sin duda uno de los cortometrajes mas portentosos de la historia del cine, un prodigio de condensación, de puesta en escena, de emoción y capacidad de sorpresa. Pero lejos de ser un conjunto inconexo de pequeñas joyas, todo forma parte de un bloque compacto que tiene como principal objetivo mostrarnos el proceso de aprendizaje del protagonista eliminando todo elemento innecesario a pesar de su aparente dispersidad. De esta manera el esplendido guión pone la base para que Kurosawa pueda trabajar en la puesta en escena para el texto se convierta en magia cinematográfica. Y el director lo consigue a un grado casi insultante para el cine actual. Toda la primera parte del aprendizaje, en el que Yasumoto se mantiene aislado voluntariamente del mundo de Barbarroja y la clinica, Kurosawa se vale de separaciones visuales que le aíslan igualmente en el plano a personaje. Cualquier cosa es eficaz, una rama, una valla, una mesa (genial la de la mesa) o una vela. Pero el film esta lleno de metáforas y referencias que enriquecen la lectura de esta en cada visionado. Del mismo modo, como es habitual en el director, se vale constantemente de la insinuación mas que de la plasmación directa de las cosas, con lo que gana notablemente en poder de sugerencia, calando mas hondo en el espectador. Pero ante todo, mas allá de una perfección técnica irreprochable, encontramos una de las películas emocionalmente mas impactantes del director, que logra no solo una complicidad absoluta con el espectador, sino dejar una sensación de haber visto un film genuinamente entrañable e inolvidable. Una de las grandes obras maestras de la historia del cine. (jairechu, FilmAffinity)
FA 7063
Elle veut le chaos (Denis Côté, 2008)
.jpg)
En un tramo de carretera secundaria en un pueblo totalmente
aislado, un ex mafioso (Normand Levesque) y su nuera rebelde, Coralie (Eva
Duranceau), buscan una solución para sus vidas sin salida y sus crónicos
problemas financieros. Desesperado y profundamente afectado por la reciente muerte
de la mujer que actuó como esposa y madre, la pareja espera encontrar la
tranquilidad para él y para ella la libertad. (FILMAFFINITY)
FA 7074
Tsuioku no dansu (Naomi Kawase, 2002)
.jpg)
Carta de una flor de cerezo amarillo
Kawase filma a petición de su protagonista, Kazuo Nishii, los
últimos días de éste, que se enfrenta a la muerte, postrado la mayor parte del
tiempo en una cama. Mantiene una conversación el él, habla de sus miedos, de su
vida, un poco de todo... (FILMAFFINITY)
FA 7103
Claire Dolan (Lodge Kerrigan, 1998)
.jpg)
Duro retrato de una inmigrante irlandesa que se prostituye
en Nueva York. (FILMAFFINITY)
1998: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor
película)
FA 7070
Luch smerti (Lev Kuleshov, 1925)
.jpg)
El rayo de la muerte
Un grupo de fascistas se dedican a desbaratar las ansias del
proletariado, que se subleva continuamente. Cuando un inventor crea el
"rayo de la muerte", que hace explosionar a distancia cualquier
contenedor con combustible, ambos grupos intentarán hacerse con él.
(FILMAFFINITY)
La segunda película realizada por el colectivo de Kuleshov.
Como Kuleshov escribe en sus memorias, la dirección de la película fue un
trabajo colectivo, seis personas de la tripulación fueron los directores y
todos hicieron varios trabajos. Esta película fue planeada en detalle y basada
en los principios del director. La historia tiene lugar en un país capitalista
occidental y la URSS. Ingeniero Podobed tiene que entregar su invento de la
máquina-rayo de la muerte, para ayudar a los trabajadores esclavizados
occidentales de una fábrica de helio para llevar a cabo un levantamiento
revolucionario. La película tiene un corte rápido, enérgico estilo de cámara,
aspecto visual expresionista. Hay muchas peleas, persecuciones y escenas de acrobacia.
El público recibió esta película con poco entusiasmo y los críticos culparon a
Kuleshov por tanto formalismo. El comienzo y final de los carretes de la
película han desaparecido. (sarvakarma, Patio de Butacas)
FA 7084
Clean, Shaven (Lodge Kerrigan, 1993)
.jpg)
Peter Winter, un hombre recluido en un hospital psiquiátrico
es atormentado por imágenes y sonidos de su pasado. Cuando por fin está fuera
(no sabemos cómo ni por qué), emprende una búsqueda desesperada de su hija. En
el camino cometerá actos de violencia irracional contra seres indefensos y
contra sí mismo. (FILMAFFINITY)
FA 7071
Le vieux fusil (Robert Enrico, 1975)
.jpg)
El viejo fusil
Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), en la Francia
ocupada por las tropas alemanas, un viejo médico (Philippe Noiret) pierde a su
mujer y a su hija por culpa de los nazis. Jura entonces vengarse de los
responsables de su desgracia. (FILMAFFINITY)
FA 7082
Honô to onna (Yoshishige Yoshida, 1967)
.jpg)
Flame and Women / Impasse
Honô to onna (llamada en Occidente Impasse, olvidándose de
la traducción literal, la mucho más poética Flame and Women, error redimido con
el posterior título francés La Femme et la Flamme) fue realizada el mismo año
que The Affair, la película más conocida de Yoshida. En esta ocasión, el
director habla de la incapacidad de una mujer para encontrar satisfacción en su
tradicionar estructura familiar. La protagonista, Ritsuko, esta casada con
Shingo, un diseñador de motores. Shingo es incapaz de ayudar a Ritsuko a
concebir un hijo, por lo que esta decide practicarse una inseminación
artificial. El nacimiento de un hijo, Takashi, no mejora las relaciones matrimoniales.
Cuando Sakaguchi, el doctor que le practicó la inseminación artificial,
atraviesa por problemas con su mujer Shina, le dice a Ritsujo que él es el
donante de esperma, lo que hace que esta se enamore apasionadamente de él.
Finalmente, aparecen nuevas complicaciones: Shina rapta a Takashi y trata de
seducir a Shingo. La incapacidad de Ritsujo para sentir atracción erótica hacia
su marido es mostrada a través de la esterilidad, que es una metáfora de la
mujer moderna, alienada mediante los roles de dulce y pacífica esposa y madre
devota. (FILMAFFINITY)
FA 7078
Romanzo popolare (Mario Monicelli, 1974)
Apasionada
Un hombre de 50 años, Giulio (Tognazzi), y su ahijada de 17,
Vincenzina (Muti), están perdidamente enamorados el uno del otro y deciden
casarse. A la vuelta de un viaje, Giulio encuentra a un amigo suyo con
Vincenzina en el dormitorio y decide echarla de casa. Los años pasan y Giulio
intenta reanudar el romance con la joven. (FILMAFFINITY)
FA 7089
Les plus belles escroqueries du monde (VV. DD., 1964)
.jpg)
Las mejores estafas del mundo
Film por episodios que reúne a directores tan distintos como
los franceses Claude Chabrol y Jean-Luc Godard, el italiano Ugo Gregoretti, el
japonés Hiromichi Horikawa y el franco-polaco Roman Polanski. Cada uno de ellos
relata una estafa supuestamente célebre y real. (FILMAFFINITY)
1.- Les 5 bienfaiteurs de Hiromichi Horikawa: Una
japonesa trata de que un viejo le regale un collar.
2.- La rivière de diamants de Roman Polanski: Una francesa seduce a un alemán para robarle una joya.
3.- La feuille de route de Ugo Gregoretti: Una prostituta se casa con un viejo para legalizar su situación.
4.- L'homme qui vendit la Tour Eiffel de Claude Chabrol : Un alemán es víctima de un timo.
5.- Le grand escroc de Jean-Luc Godard: Una periodista americana encuentra a un estafador por filantropía.
2.- La rivière de diamants de Roman Polanski: Una francesa seduce a un alemán para robarle una joya.
3.- La feuille de route de Ugo Gregoretti: Una prostituta se casa con un viejo para legalizar su situación.
4.- L'homme qui vendit la Tour Eiffel de Claude Chabrol : Un alemán es víctima de un timo.
5.- Le grand escroc de Jean-Luc Godard: Una periodista americana encuentra a un estafador por filantropía.
FA 7083
The Colditz Story (Guy Hamilton, 1955)
.jpg)
La fuga de Colditz
Obra inspirada en los libros de Pat Reid. La película
retrata la vida en un campo de prisioneros y los intentos de huida. Tiene como
protagonistas a John Mills como Pat Reid, Bryan Forbes como Jimmy Winslow e Ian
Carmichael como Robin Cartwright. Estuvo nominada al BAFTA de 1956.
(FILMAFFINITY)
FA 7096
Guardie e ladri (Steno & Mario Monicelli, 1951)
.jpg)
Guardias y ladrones
Espósito es un ladronzuelo que tima a los turistas en Roma,
pero tiene la mala fortuna de volver a coincidir con una de sus víctimas. Se
inicia entonces una larguísima persecución por parte del policía Bottoni, que
al fin logra detenerle. Pero en un descuido, Espósito logra huir. Los
superiores de Bottoni le comunican que, si no logra capturar al timador, se
quedará sin trabajo. Así que Bottoni, para atraparlo, llegará a introducirse en
su círculo familiar. (FILMAFFINITY)
1951: Festival de Cannes: Mejor guión (Pietro Tellini)
FA 7077
La noire de... (Ousmane Sembene, 1966)
.jpg)
Black Girl
FA 7081
Il cappotto (Alberto Lattuada, 1952)
.jpg)
El alcalde, el escribano y su abrigo
De Carmine es un gris escribano que trabaja en el
ayuntamiento. Sus compañeros se ríen de él, es torpe, el alcalde le trata a la
baqueta y además su abrigo es un harapo con un agujero enorme. Con sus ahorros
de años decide hacerse un abrigo nuevo que le transforma el carácter, gana
popularidad y se atreve a ir a la fiesta de Nochevieja a casa del secretario
general y bailar en ella con Caterina, la amante del alcalde. Pero al salir, se
lo roban... (FILMAFFINITY)
(Historia: Nikolai Gogol)
FA 7079
Willenbrock (Andreas Dresen, 2005)
.jpg)
Bernd Willenbrock es un vendedor de coches en Magdeburg,
Alemania Oriental, un pequeño empresario, pero no obstante exitoso y con buena
reputación, que ha hecho su camino en la sociedad post-comunista. Una mujer
simpática, una bonita casa, un coche rápido y una casa en el campo, estos son
los atributos de éxito material que cuentan para Willenbrock. Entonces, las
cosas poco a poco comienzan a moverse en una dirección diferente: a pesar de
que ama a su esposa, Willenbrock se siente atraído por una joven estudiante que
lo mantiene a distancia. Para hacerle un favor, le da a su padre, el trabajo de
un vigilante nocturno. Pero una noche, el vigilante se cruelmente golpeado por
ladrones. Y un poco más tarde, los ladrones vienen a la casa de Willenbrock por
la noche. Aquí es donde la ilusión de una vida tranquila, segura y satisfecho de
sí mismo llega a su fin. (FILMAFFINITY)
FA 7105
Nan guo zai jian, nan guo (Hou Hsiao-Hsien, 1996)
.jpg)
Adiós, sur, adiós
Son tres los protagonistas sobre los que se desarrolla la
película, tres desheredados que forman parte de un grupo de delincuentes: dos
chicos, Gao y Flatty, y la chica, Pretzel. No hay trama alguna, el film deviene
en una serie de set-pieces, sin conexión dramática, rodadas en general mediante
el uso de planos-secuencia (muy habitual en el cine de Hou). Sus protagonistas
podrían igualmente visitar al jefe de turno, comerciar con cerdos o irse de
copas... (FILMAFFINITY)
1996: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor
película)
FA 7086
Amori di mezzo secolo (VV. DD., 1954)
.jpg)
DIRECCIÓN : Mario Chiari, Pietro Germi, Glauco Pellegrini,
Antonio Pietrangeli, Roberto Rossellini
Película dividida en cinco episodios. "El amor romántico (1900") narra la historia de un joven pianista, que tiene que dejar a su amada para realizar una gira de conciertos. Durante su ausencia, la tía de la joven trata de encontrar un partido mejor para su sobrina. "Guerra (1915-1918)". La intervención de Italia en la I Guerra Mundial separa a una pareja de recién casados cuando esperan la llegada de su primer hijo. "Dopoguerra (1920)". Un militante fascista de provincias llega a la capital para participar con los "camisas negras" de Mussolini en la Marcha sobre Roma (1922). Durante el recorrido tendrá un encuentro inesperado. "Napoli, 1943". Una hermosa historia de amor surge en un refugio napolitano, en el que la población se protege de los bombardeos. "Girandola, 1910". Historia bufa que narra las vicisitudes de un médico que recurre a sus malas artes para ayudar a sus clientes en problemas amorosos. (FILMAFFINITY)
FA 7064
De bruit et de fureur (Jean-Claude Brisseau, 1988)
.jpg)
Ruido y furia
Desde el fallecimiento de su abuela, Bruno pasa la mayor
parte de su tiempo en soledad, inmerso en su propio mundo imaginario, hasta que
un día conoce a Jean-Roger, un chico de su edad que proviene de una familia
conflictiva. En la escuela una profesora dará clases extra a Bruno con tal de
alejarle de la mala influencia que Jean-Roger ejerce sobre él, lo cual
alimentará la actitud agresiva del segundo, que tiene miedo de quedarse sin su
único amigo. (FILMAFFINITY)
1988: Cannes: Premio especial de la juventud
FA 7072
The Boy Who Cried Bitch (Juan José Campanella, 1991)
.jpg)
El niño que gritó puta
Dan Love es un niño de conducta agresiva que vive con su
madre y con sus dos hermanos. Los tres muchachos hacen la vida imposible a la
madre, con un extremo maltrato psicológico por parte de Dan. Después de una
serie de sucesos, acaban ingresándolo en un centro psiquiátrico. (FILMAFFINITY)
Seminci de Valladolid: Mejor actor (Harley Cross)
FA 7095
Casting a Glance (James Benning, 2007)
.jpg)
La película es un homenaje al artista americano Robert Smithson.
"Entre el 15 de mayo de 2005 y el 14 de enero de 2007, viajé 16 veces al
«Spiral Jetty». Creado en 1970, el «Jetty» es un malecón en forma de espiral de
450 metros de largo que llega hasta el lago Great Salt de Utah, construido con
rocas, tierra, sal y algas rojas. El film resultante traza el mapa de los 37
años de historia del «Jetty» a través de la observación y la escucha de la
repetición de sus cambios. Comprendí que el «Jetty» es un barómetro para una
gran variedad de ciclos. Desde la mañana hasta la noche, su apariencia
equívoca, cambiante (radical o sutil) puede ser el resultado de una combinación
meteorológica pasajera o simplemente de las alteraciones en el ángulo del sol.
Las variaciones estacionales y de nivel del agua modifican el crecimiento de
los cristales de sal, la cantidad de algas en el agua y la presencia de vida
salvaje. El agua puede verse azul, roja, púrpura, marrón o dorada. Los sonidos
pueden provenir de un avión de la marina, de la vida salvaje, el agua que corre
o salpica, la radio del auto de un visitante, tormentas que convergen, o puede
haber un silencio tan profundo que permita escuchar la sangre correr por las
propias venas." (James Benning) (FILMAFFINITY)
FA 7069
La guerra santa (Carlos Enrique Taboada, 1979)
Narra a través del humilde alfarero Celso uno de los
acontecimientos más dramáticos de la historia de México en el siglo XX, en el
que el gobierno federal y creyentes católicos, fundamentalmente de la zona del
bajío, Colima y en los altos de Jalisco, se enfrentaron en una cruenta lucha.
Pasa el tiempo y la Iglesia y el Estado acuerdan la paz. Celso y sus compañeros
son repudiados por ambos bandos. (FILMAFFINITY)
FA 7080
Tatlong taong walang Diyos (Mario O'Hara, 1976)
.jpg)
TRES AÑOS SIN DIOS
Este melodrama épico, situado en la contienda contra la
ocupación japonesa durante Segunda Guerra Mundial, se centra en la figura de
una maestra de escuela llamada Rosario. Prometida con Crispin, un miembro de la
guerrilla antijaponesa, la joven es violada por un oficial de la Armada
Imperial japonesa. En este contexto desgarrador, el director Mario O'Hara se
interroga por la complejidad de las relaciones humanas. En la línea
característica del cineasta, el film muestra un barroquismo visual, una riqueza
de los personajes femeninos y un gusto por fusionar el romanticismo con la
violencia. (http://www.cinesdelsur.com).
FA 7094
Wu ming zhe (Wang Bing, 2010)
.jpg)
HOMBRE SIN NOMBRE
Metáfora basada en una persona real a quien Wang Bing ha
venido filmando desde el año 2007. Este hombre –una especie de Diógenes chino-
vive en cuevas, aislado de la sociedad china, y trata de sobrevivir con
dignidad y valentía. Nunca habla, rechaza el sistema de su país y asume su
marginalización. Viviendo alejado de los mundos material y espiritual,
construye él mismo sus propias condiciones de supervivencia. (FILMAFFINITY)
FA 7106
Tôkyô tawâ: Okan to boku to, tokidoki, oton (Joji Matsuoka, 2007)
.jpg)
Torre de Tokio: Mamá y yo, y a veces papá
Masaya es un chico que vive con su madre en el pueblo donde
ésta creció. Su madre vive sólo para satisfacer las necesidades de su hijo,
tiene dos trabajos y siempre está al pendiente de él. De pequeño Masaya no
podía despegarse de su madre y lloraba por ir a la escuela, su madre siempre
trató de ayudarle en todo. Ahora Masaya ha crecido y tiene sus propios deseos;
tomar su independencia y estudiar en Tokio. La Torre de Tokio es el centro de
todo, donde están los deseos de quienes residen en ese lugar. Ésta es la
historia de cómo Masaya llegó a Tokio y perdió el lugar a donde regresar...
(FILMAFFINITY)
FA 7102
Er shi si cheng ji (Jia Zhang Ke, 2008)
Ciudad 24 / 24 City
Cuenta el destino de tres hermosas mujeres en el proceso de
la urbanización de China posterior a 1958. (FILMAFFINITY)
2008: Cannes: Nominado a la Palma de Oro
fa 7075
miércoles, 2 de octubre de 2013
Ricardo Piglia; Escenas de la novela argentina (2013)
1.jpg)
Escenas de la Novela Argentina, coproducido por la
Biblioteca Nacional y la Televisión Pública es un ciclo de cuatro programas
especiales de una hora de duración conducidos por Ricardo Piglia, en los que el
escritor y crítico expondrá su mirada sobre las principales novelas y novelistas
argentinos
El formato del ciclo respeta y reivindica una antigua
tradición de nuestra cultura, la de la clase, adaptándola sin
desnaturalizaciones, a las condiciones y gramática propias del lenguaje
televisivo.
Los programas contienen la exposición de los distintos
temas, la participación de un invitado especial y un debate final con el
público asistente, con la inclusión de distintas animaciones que contienen,
imágenes de archivo, fragmentos de películas argentinas, mientras transcurre la
exposición, con el objetivo de sumar referencias audiovisuales al discurso oral
y apoyos visuales a los conceptos de la exposición.
Programa 1: La vida privada
En 1852 en el Teatro Argentino, Lucio V. Mansilla, pariente de Rosas, reta a duelo a José Mármol, autor de Amalia, frente al numeroso público presente.
Los temas centrales de la clase son Amalia, la primera novela argentina, y Una excursión a los indios ranqueles de Lucio V. Mansilla y la tensión entre ficción y política en la narrativa argentina.
Invitada en piso: María Moreno | Participación de Luis Gusmán
Programa 2: La voz argentina
En la exposición sobre Edison, en 1888, Eduardo Wilde descubre la reciente invención del grabador, aparato capaz de grabar y reproducir la voz humana y escribe una carta donde reconoce –con ironía y asombro– las posibilidades metafísicas del invento.
Los temas de la clase son la relación entre oralidad popular y lengua escrita, a través de distintas novelas de la tradición argentina como Silbidos de un vago de Eugenio Cambacéres y Juan Moreyra de Eduardo Gutierrez
Invitado en piso: Juan Sasturain | Participación de Sergio Raimondi
En 1852 en el Teatro Argentino, Lucio V. Mansilla, pariente de Rosas, reta a duelo a José Mármol, autor de Amalia, frente al numeroso público presente.
Los temas centrales de la clase son Amalia, la primera novela argentina, y Una excursión a los indios ranqueles de Lucio V. Mansilla y la tensión entre ficción y política en la narrativa argentina.
Invitada en piso: María Moreno | Participación de Luis Gusmán
Programa 2: La voz argentina
En la exposición sobre Edison, en 1888, Eduardo Wilde descubre la reciente invención del grabador, aparato capaz de grabar y reproducir la voz humana y escribe una carta donde reconoce –con ironía y asombro– las posibilidades metafísicas del invento.
Los temas de la clase son la relación entre oralidad popular y lengua escrita, a través de distintas novelas de la tradición argentina como Silbidos de un vago de Eugenio Cambacéres y Juan Moreyra de Eduardo Gutierrez
Invitado en piso: Juan Sasturain | Participación de Sergio Raimondi
Programa 3: La conspiración
El final de Los Lanzallamas de Roberto Arlt transcurre en la redacción de un diario, cuyo director se entera del suicidio de Erdosain y se prepara a titular: Muere el Asesino Erdosain...
El tema de la clase es la tensión entre experiencia e información vista a través de las conflictivas relaciones entre novela y periodismo, ejemplificadas en las obras de Roberto Arlt y Rodolfo Walsh.
Invitado en piso: Ricardo Bartís | Participación de Lila Pastoriza
Programa 4: La Utopía
En 1928 Macedonio Fernández brinda una conferencia a través de un medio que recién nacía, la radio.
El tema de esta clase es la obra de Macedonio y sus vínculos y tensiones con las principales corrientes y escritores de novelas argentinos.
Invitado en piso:Horacio González | Participación de Carlos Ulanovsky
El final de Los Lanzallamas de Roberto Arlt transcurre en la redacción de un diario, cuyo director se entera del suicidio de Erdosain y se prepara a titular: Muere el Asesino Erdosain...
El tema de la clase es la tensión entre experiencia e información vista a través de las conflictivas relaciones entre novela y periodismo, ejemplificadas en las obras de Roberto Arlt y Rodolfo Walsh.
Invitado en piso: Ricardo Bartís | Participación de Lila Pastoriza
Programa 4: La Utopía
En 1928 Macedonio Fernández brinda una conferencia a través de un medio que recién nacía, la radio.
El tema de esta clase es la obra de Macedonio y sus vínculos y tensiones con las principales corrientes y escritores de novelas argentinos.
Invitado en piso:Horacio González | Participación de Carlos Ulanovsky
Ficha técnica
Idea, producción y dirección artística
Gabriel Reches - Alejandro Montalbán - Roberto Leonardo - Ximena Talento
Gabriel Reches - Alejandro Montalbán - Roberto Leonardo - Ximena Talento
Dirección
Gabriel Fullone - Daniel Galimberti
Gabriel Fullone - Daniel Galimberti
Producción general
Enrique Trobbiani
Enrique Trobbiani
Escenografía
Pablo Meriles
Pablo Meriles
Iluminación
Ezequiel Perazzo
Ezequiel Perazzo
Animación
Marcelo Hsu
Marcelo Hsu
Asesoría en contenidos
Javier Trimboli - María Arozamena
Javier Trimboli - María Arozamena
fa 7060
2.jpg)
Suscribirse a:
Entradas (Atom)