Jirí Menzel - Zivot a neobycejna dobrodruzstvi vojaka Ivana Conkina (1994)

Las aventuras de Iván Chonkin

En vísperas del estallido de la segunda guerra mundial, un avión del Ejército Rojo realiza un aterrizaje forzoso en una remota aldea rusa. El soldado Iván Chonkin –un campesino desmañado e ingenuo, dotado de un peculiar sentido común–, considerado el miembro más prescindible de su regimiento, es enviado allí con órdenes de custodiar el aparato. Olvidado rápidamente por sus superiores, Chonkin se integra en la peculiar vida del pueblo, donde protagoniza un sinfín de escenas hilarantes en compañía de sus estrafalarios vecinos, como el presidente del koljós, obsesionado por la amenaza de su hipotético encarcelamiento, o el "sabio" de la aldea, que sueña con cruzar una tomatera con una patata. Pero ante la psicosis provocada por la invasión alemana, la policía política se entera de su existencia y envía un destacamento para arrestarlo por deserción. (FILMAFFINITY)

FA 4611

Jacques Tourneur - I Walked with a Zombie (1943)

YO DORMÍ CON UN ZOMBIE

Una enfermera es contratada para cuidar una paciente en una isla caribeña.

"Parece extraño… hace un año creo que no sabí­a ni qué eran los zombis. Pensarí­a que eran extraños, aterradores y algo divertidos“.
Con estas palabras de la enfermera Betsy comienza Yo anduve con un zombi, la pelí­cula más bella y lí­rica de la serie producida durante los años 40 por el excepcional Val Lewton (1904-1951). Una ensoñación maligna y sobrenatural situada en Las Antillas. Un poema sobre la vida y la muerte que transcurre en un mundo en descomposición en el que los nativos lamentan los nacimientos y celebran los entierros, un lugar en el que los peces saltan de terror a la superficie putrefacta del mar y en donde mueren las estrellas.
En Yo anduve con un zombi, al igual que en las demás pelí­culas de Lewton, la oscuridad se convierte en el principal recurso narrativo y estético. La oscuridad es profunda, insondable. Los sonidos, los olores y hasta el miedo recorren la oscuridad como un escalofrí­o hasta llegar a hacerse casi táctiles. El mar y el viento crean lí­mites geográficos y espirituales, se convierten en ví­as espectrales por donde transitan las voces, los pensamientos y las almas. Lo etéreo y lo terrenal, lo aparente y lo oculto, la vida y la muerte se funden de forma apaciguada, al compás del suave ritmo del Calypso y del sonido de los cañaverales cuando los acaricia la brisa preñada de yodo y de malos presagios.
La producción de Yo anduve con un zombi vuelve a reunir por segunda vez a Val Lewton con el director Jacques Tourneur (1904-1977), con el que rodará algunas de las mejores pelí­culas de la serie. Su producción dio comienzo tan sólo dos meses después de terminada la primera pelí­cula de su colaboración conjunta; La mujer pantera (1944). Es con Tourneur con quien Lewton determinará desde esta primera, las caracterí­sticas formales y estéticas de todas las pelí­culas de género fantástico que produce durante los años cuarenta para la RKO. Lewton y Tourneur compartí­an gustos y aficiones y una forma muy concreta de entender el género; para ambos lo importante era sugerir, nunca mostrar.
Según se comentaba, Lewton presentí­a que la ausencia de una amenaza especí­fica permití­a que cada espectador proyectara sus miedos más í­ntimos. Sin embargo, Lewton sí­ nos da pistas a través del sonido de la naturaleza de esa amenaza, el plano queda fijo pero el sonido es el que nos sugiere qué tipo de peligro acecha a los protagonistas de sus pelí­culas; y es el sonido, e incluso la ausencia de éste, utilizados ambos, sonido y silencio, de manera magistral, del que se vale para mantener un tenso suspense que explota de manera brusca e inesperada para el espectador. La utilización del terror sugerido se convertirá en el recurso de éxito y en la seña de identidad de las producciones Lewton y también en una caracterí­stica de todo el cine de Tourneur. Al respecto, Tourneur señalaba: “(…) de cualquier modo, la utilización del estilo elí­ptico, la manera de sugerir el horror, es una aportación personal y continúo estando convencido de que es la única forma válida de hacerlo”.
El clí­max de este “suspense de lo sobrenatural” ocurrí­a en “off”, la fuente del peligro es invisible para el espectador y la oscuridad se convierte en la envoltura siniestra y amenazante en la que cualquier cosa agazapada en las sombras puede acecharnos, agredirnos o enloquecernos. En las pelí­culas producidas por Lewton, la oscuridad se convertirá en un potente elemento narrativo gracias a un elaborado trabajo de fotografí­a y de dirección artí­stica.
La pelí­cula está basada en un artí­culo cientí­fico de Inez Wallace sobre el vudú en Haití­ y su estructura y personajes fueron tomados del clásico de la literatura “Jane Eyre”, de Charlotte Brontí«. Esta especial revisión del clásico adaptado al género fantástico era muy del gusto de Lewton, quien adaptó en otras ocasiones relatos de Robert Louis Stevenson. Productor culto y sensible, Lewton supervisaba cada guión con su equipo -firmó alguno de ellos con el seudónimo Carlos Keith-, y siempre reescribí­a él mismo una última versión antes de rodar. Para Yo anduve con un zombi encargó la escritura del guión a Curt Siodmak, hermano del director Robert Siodmak, y a Ardel Wray, que realizaron un magní­fico trabajo. (...) (Claqueta)

"El ùnico horror verdadero està en nuestra alma." Jacques Tourneur

FA 4610

Friðrik Þór Friðriksson - Bíódagar (1994)

Días de cine

Comedia ambientada en Islandia, durante los años 60, época en que la sociedad islandesa experimentó un periodo de grandes turbulencias y cambios. El cine y la televisión hace su irrupción en la sociedad. El pequeño Thomas se sumergerá fascinado en el mundo del cine, pero al final tendrá que hacer un acuerdo con su propia cultura y realidad.
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Elementos de Cinema Paradiso y Días de radio de Woody Allen pueden verse aquí, pero Friðriksson no plagia, rinde homenaje. (James Berardinelli)

Es un placer para Eurídice y un servidor el acercarles una nueva obra de la serieque hemos venido desarrollando, esta vez le ha tocado a la mágica Islandia y a este interesante autor que es FridrikFridriksson.

A pesar de la penetración y difusión que tuvo el cine y la televisión en Islandia, el país no se destaca por tener una producción cinematográfica constante. La cinematografía Islandesa recién emprende vuelo. Dentro de este panorama la obra de Fridrik Fridriksson es doblemente valorable, por un lado su filmografía muestra una madurez y calidad indiscutible, por otro, podría considerarse su obra como la punta de lanza de la incipiente cinematografía Islandesa, su estilo podría marcar y hacer escuela en los nóveles realizadores nacionales. Y es que la obra de Fridriksson tiene una característica especial para volverse fundacional: está profundamente unida a su cultura, tiene identidad propia. De esta forma su obra esta imbuida de un elemento mágico que no es artificioso, que está enraizado en la tradición, en la leyenda, pero también en lo inmediato. Fridriksson va estableciendo puentes entre la cultura tradicional y la moderna, en sus filmes las va comunicando de manera tal que sus personajes modernos asisten a la cultura de sus ancestros, ligada al campo, a las grandes extensiones de terreno, al mar, y se reconocen en ella, el Ser vaciado la acepta en su dimensión mágica, y la tierra, las rocas, los elfos, las hadas, las auroras, los demonios constituyen una dimensión espiritual y necesaria para sus personajes. Dentro de esta importante vertiente del autor se encuadra Biodagar.

De todas las películas dirigidas por el autor hasta el momento, Biodagar es su obra más personal, y ello es así porque él mismo ha reconocido que es totalmente autobiográfica. El director toma sus recuerdos de infancia y elabora el filme desde su mirada infantil. Y es que la mirada marginal al estabilishment constituye uno de sus sellos personales, la mirada excluida de los ancianos en Niños de la naturaleza, la mirada del extranjero en Cold fever, la mirada de los enfermos mentales en Ángeles del universo, la de los discapacitados en Niceland, la de la senilidad en Mama Gogo. Estos diferentes prismas permiten accionar sobre la sociedad contemporánea desde ángulos diversos. Por esto no es raro que presto a realizar una película completamente autobiográfica la haya realizado desde su perspectiva de niño, en oposición al mundo de los adultos, en la agitada Islandia de los años 60. El pequeño Thomas, o más bien deberíamos decir el pequeño Fridrik, es un niño enamorado del cine, el cual no pierde oportunidad para acudir a cuanta función le es posible. El cine es un producto americano más, y junto a los automóviles importados, las sodas, las televisiones, los programas televisivos, la música, marcarán la penetración exitosa de la cultura Pop estadounidense en la sociedad Islandesa. Fridriksson dará cuenta del fenómeno utilizando un humor sutil y centrándose en los productos importados en situaciones que nos dejan entrever la ideologización que se va produciendo y el afianzamiento del consumismo. Todo esto va quedando expresado en la primera parte de la obra, pero el director nos ofrece una vuelta de tuerca, y una segunda parte de la película transcurrirá en una granja alejada de la ciudad, Tomas va a pasar parte de las vacaciones con su tío, alejado de todas las entretenciones a que está acostumbrado. Ahí se enfrentará a la Islandia profunda, lo mágico, los mitos, las leyendas, un tiempo que transcurre de forma diferente al tiempo de la ciudad.

El cine es un producto americano más, pero el pequeño Thomas, o más bien deberíamos decir el pequeño Fridrik, lo seguirá queriendo, pero de una forma diferente, allá en la granja se encontró a sí mismo y a la dimensión mágica del ser humano, más adelante crecerá, tendrá algo que decir y lo hará a través del cine y no será casualidad que su primera obra importante trate sobre un par de ancianos que intentan volver al origen, tampoco será casualidad que llegue a tener una voz propia, profundamente Islandesa, profundamente humana y profundamente universal.

Sin más rodeos, muchas gracias a Scalisto por ponerme la peli por mediafire, muchas gracias a Eurídice por la traducción, y los dejo en compañía de la peli.

FA 4609

Christoph Hochhäusler - Falscher Bekenner (2005)

EL IMPOSTOR

Falscher Bekenner, la opresiva, precisa, amarga comedia de Christoph Hochhäusler, sarcástica en muchos pasajes, triste en algunos otros, siempre amablemente desencantada.(...)

Representante opresivo de una generación sin propiedades y de un nuevo nihilismo, a los que nuestra época da formas de nuevo cuño.(...)

Lo que se observa en esta obra de Hochhäusler, uno de los mejores films alemanes del año pasado, aun un escalón por encima de su excelente opera prima Milchwald (...) es esto: La depresión aquí no es algo que conduce a la catarsis, sino algo de lo que no es posible escapar. Simplemente hay que seguir adelante.

Rüdiger Suchsland, artechock.de

Falta de trabajo, aislamiento, falta de metas, motivación y autoestima: Falscher Bekenner toca toda una serie de temas, que hunden a la sociedad alemana de hoy en un cambio fundamental. Y sin embargo, el film de Hochhäusler no es un calco de la realidad, uno de esos films que se pretenden munidos de una total autenticidad. Falscher Bekenner no oculta su carácter ficcional.

Oliver Baumgarten, schnitt.de

De Hochhäusler conocía Milchwald, pero no había vuelto a ver nada de él. Ahora descubro esta pequeña perla de ínfima producción y profundidades metafísicas, que me hace acordar un poco al Bungalow de Ulrich Köhler.

Archivo avi "empire"; los subtítulos ingleses son anónimos, los castellanos los hizo un servidor a partir de aquéllos.

FA 4608

Charles Chaplin- A King in New York (1957)

EL REY DE NEW YORK

Shahdov (Charles Chaplin), rey de Estrovia, tiene que huir precipitadamente de su país al estallar una revolución. Llega a los Estados Unidos sin recursos económicos, pero una joven publicista de televisión (Dawn Addams) le sugiere que protagonice algunos anuncios, aunque no parece la persona más adecuada para este trabajo... Penúltima película del maestro Chaplin, que tres años antes había tenido que exiliarse de Estados Unidos debido a la "caza de brujas" promovida por el senador McCarthy. 

Europa se convierte en la nueva patria de Chaplin. Allí será donde comience una nueva vida. Se instala en Suiza, en Corsier, cerca de Vevey, donde compra una gran mansión de dos pisos, quince habitaciones, un amplio terreno, un huerto que cultivará con mimo, una piscina azul, un campo de tenis rosa y una terraza con grandes vistas desde la que se contempla un evocador prado. El mejor plan de pensiones para un artista como él, ahora más familiar que nunca y dedicado a otros placeres como la lectura, en su biblioteca no faltaban los libros de psicología que le gustaban especialmente por todo lo que tenían para comprender a la mente humana, y el cultivo de su jardín. Recibe a amigos y familiares mientras controla con su secretaria la explotación de sus películas en todo el mundo. Poco podía pedir un hombre cercano a la setentena con la vida resuelta. Pero todo ello no le quitaba la sensación de ser como una especie de rey en el exilio dentro de una jaula de oro. En su mansión de Suiza comenzaba a fluir la idea de “Un rey en Nueva York”.
Chaplin siempre tuvo el resentimiento de cómo le habían tratado los americanos en sus últimos años en USA: “Los americanos no me quieren. Durante treinta años me han admirado pero después han comenzado a odiarme. Eso me ha herido profundamente”. Su encuentro con la reina de España en el exilio, Victoria Eugenia, viuda de Alfonso XIII, le hace cerrar la idea de centrar su nueva película en un rey desterrado. Para aumentar el misterio ni siquiera cuenta con mecanógrafa esta vez. Sólo sabe del proyecto su mujer y confidente Oona. Precisamente, acostumbrado como estaba a ello, Chaplin pensó que quizás su mujer sería una buena protagonista femenina. Oona se siente feliz habiendo renunciando a su carrera cinematográfica y se niega en redondo. Finalmente contrata a la actriz italiana Dawn Adams, que sólo sabe las características de su personaje ya que no conocería la historia hasta el mismo momento de rodarla. Tras tres años de trabajo, la película está lista en 1957.

Se suceden los estrenos de la película. En Londres se produce la gran premiere con asistencia de Charles y su familia, incluyendo su hijo Michael que tiene un papel. Dawn Adams llega ya como princesa Massimo por su boda con ese aristócrata italiano. La película se recibe con aplausos y de este montaje Chaplin sólo recortaría el fragmento del duro interrogatorio por el FBI que recibe el niño. Italia también le recibe con boato, con mucha música que le recibe en el puerto y que va desde el apropiado God save the King hasta la marcha triunfal de la ópera “Aida”.

La Guerra Fría hace que la locura se haya desatado en Estados Unidos, especialmente con el impacto de los satélites artificiales que lanzan los soviéticos. Casi todo Hollywood es acusado de comunista ante el Comité de Actividades Antiamericanas y para Chaplin ya no es sorpresa estar metido en ese saco.

La película es acusada de sátira trivial, de fracaso total de la risa y se sigue echando en falta al vagabundo Charlot. Lógicamente siempre ha salido perdiendo frente a sus grandes obras, pero es que “Un rey en Nueva York” no pretendía ser más que el inconformismo de un artista frente al país más conformista de todos. Precisamente denuncia el fanatismo al que Chaplin cree que se llega manteniendo esa posición. Los Estados Unidos se han convertido en dos siglos en la nación más poderosa de la Tierra pero Chaplin se atreve a sacar sus debilidades atacando a la opinión pública y también a la concepción del sueño americano. No todo es tan positivo como se promete, Chaplin lo sabía muy bien. Se le puede acusar de que ahora que USA le había dado la espalda sacaba las garras desde su retiro suizo, pero Chaplin, consciente de una carrera terminada y de que su tiempo había pasado, se permite cerrar (a falta de “La condesa de “Hong Kong”, mera excusa para quitarse el mono de diez años sin rodar y trabajar con Marlon Brando y Sophia Loren) así su carrera. El vagabundo pícaro que surgió en los vodeviles londinenses se había convertido en todo un rey, y desde la experiencia y la calma del retiro, hacía la reverencia irónica no con el bombín característico sino con la corona que para el cine y el público se había ganado como nadie tras toda una vida de genialidad. (Lo que yo te digo)

"Es la película de un hombre libre." Roberto Rossellini

FA 4607

William A. Wellman - Nothing Sacred (1937)

La reina de Nueva York

Con el fin de redimirse tras un engaño, el reportero Wallace Cook propone a su periódico una serie de historias basadas en Hazel Flagg, una chica que asegura estar intoxicada por exposición al radio, enfermedad que la llevará irremediablemente a la muerte. Hazel descubre que ella no está realmente intoxicada por el radio, pero aún así acepta viajar a Nueva York con Cook. Al principio, ella lo pasa muy bien, pero todo se complica cuando ambos se enamoran y un especialista alemán descubre que finge sus dolencias.

FA 4588

Yoshishige Yoshida - Onna no mizûmi (1966)

La mujer del lago

 Miyako Mizuki (Mariko Okada), esposa y madre, comienza una relación sentimental con Kitano, un decorador de interiores. Lo que comienza como un simple coqueteo pronto se convierte en un apasionado romance con reuniones secretas en hoteles de mala muerte. Miyako le permite a Kitano tomar fotografías de ella desnuda como un recuerdo. Los negativos, sin embargo, caen en manos de Ginpei Momoi, un maestro que ha visto a los amantes en un hotel cerca de su escuela varias veces. Obsesionado con Miyako, Ginpei le informa que tiene los negativos y que quiere conocerla...

FA 4586

Karl Antón - Tonka Šibenice (1930)

Tonka es una chica que va a Praga a probar suerte y termina convertida en prostituta en un Burdel. Cuando llegan las vacaciones va a ver a su madre y se encuentra tambien con su antiguo novio, Jean. Él quiere casarse con ella, pero ella vuelve al burdel. Un día llegan los policías al burdel buscando una prostituta, pues un condenado a muerte quiere pasar su última noche con una mujer, todas rechazan la oferta, Tonka sintiendo lástima del condenado decide ir a hacerle compañía. A la vuelta es despreciada por todos, la llaman "Tonka de la horca", "La viuda del ahorcado" y finalmente es lanzada a la calle. Mientras tanto Jean ha ido a Praga a tratar de encontrarla para casarse con ella, ignorante de que ella es prostituta...

Continúan los proyectos eurídice-jota, esta vez nos complace traer la que se considera la primera película sonora Checa. Sonora hasta por ahí, porque en principio es muda, luego se le agregaron fragmentos sonoros como una canción que interpreta la protagonista y un Padre nuestro que reza por el condenado. Basada en una obra del escritor checo Egon Erwin Kisch y dirigida por Karl Anton, constituye esta obra un potente melodrama mudo-sonoro de corte expresionista. Está protagonizado por Ita Rina, actriz de origen yugoslavo que desarrolló su carrera en el periodo mudo preferentemente en Checoslovaquia y Alemania. La peli es una joya muda, con un gran manejo de la cámara, de los planos y unas actuaciones excepcionales. De fondo, una crítica social enorme, se utiliza la figura de la prostituta para desnudar la sociedad moralista e hipócrita y criticarla duramente, he ahí la mano de Egon Erwin Kisch, periodista, escritor, judío, comunista, brigadista internacional, y por sobre todo un hombre crítico de pluma afilada. A su vez la peli tiene una hermosa historia de amor, sus desencuentros, sus encuentros, sus orgullos, sus perdones. Sin más que agradecer a eurídice por su trabajo, les dejo con esta joya. Que la disfruten.

FA 4564

Georges Franju - Hôtel des Invalides (1952)

Un recorrido por el Hôtel des Invalides, y más concretamente por el Museo del Ejército y la Capilla de San Luis. De la armadura de Francisco I y el avión de Guynemer, a las tumbas de Napoleón y del Mariscal Foch. Pero este no es un recorrido convencional, es más bien una escalofriante visita guiada por Georges Franju y narrada por Michel Simon que enfatiza –a veces a través de un humor mordaz– no la gloria sino el absurdo de la guerra y sus trágicas consecuencias.

(...) La obra documental de Franju, presentada bajo muy diversos aspectos, trasciende siempre los estilos que en un principio parece abordar: el reportaje, como enNavigation marchande (1954) o Le Théâtre National Populaire (1956); el travelogue y/o el film turístico ―En Passant par la Lorraine (1950), Sur le pont d’Avignon (1956), Notre Dame, Cathédrale de Paris (1957)―; o las diferentes posibilidades del documental biográfico: de las meditaciones biográficas (más o menos hibridadas con técnicas de ficción), como Le Grand Méliès (1952) yMonsieur et Madame Curie (1956), a entrevistas filmadas como Rencontre avec Fantômas (1966; rodada para la televisión (4)), dedicada a Marcel Allain, creador junto a Pierre Souvestre de Fantômas, una de las lecturas de cabecera del cineasta bretón.

Sin emargo, la obra de Georges Franju no debe de ser pensada en términos de una ruptura: el documentalista vs el cineasta de ficción. Ambos roles aparecen interconectados por numerosos elementos temáticos, conceptuales, iconográficos, estilísticos. Veamos algunos ejemplos. En Monsieur et Madame Curie y sobre todo en Le Grand Méliès conviven escenas representadas por actores (evocaciones, reconstrucciones dramáticas) con aquellas otras de estricta vocación documental, dando como resultado un todo inusualmente armónico. Películas como La Tête contre les murs (1958) y Ojos sin rostro (Les Yeux sans visage, 1959) no son más que el resultado visible de una estética y de una ética personales de las que sus cortometrajes habían marcado una lenta y fecunda elaboración. En esta última, uno de sus films de ficción más célebres, reaparecen destellos del Franju documentalista: a través del uso de fotos fijas vemos el resultado fallido de los experimentos del Dr. Genessier (Pierre Brasseur) para devolverle el rostro a su hija (Edith Scob). El mismo Franju expresó en numerosas ocasiones una de sus mayores creencias cinematográficas: “Todo el cine es documental”Le Sang des bêtes y Hôtel des Invalides fueron las primeras manifestaciones significativas de la “forma-meditación”. Ambos films han sido analizados exhaustivamente en tantas ocasiones que apenas me detendré en ellos en beneficio de otras realizaciones menos conocidas del autor de Judex (Judex, 1963). El orden a partir del cual Franju estructura sus documentales es esencialmente poético y se apoya decisivamente en la imagen (a pesar de que utilize de manera recurrente el comentario en off, éste siempre queda en un segundo plano). Basadas en yuxtaposiciones, más que en un discurso explícito que articule un punto de vista o en un simbolismo unívoco, las películas de Franju a menudo pueden resultar ambiguas. En contra de los films “de mensaje”, sus conclusiones quedan libres a un espectador que, a partir de las imágenes a menudo pertubadoras a las que ha sido sometido, puede realizar inferencias no menos inquietantes. Esta ambigüedad, de la que se hacen eco numerosos autores, ha planteado un interrogante tenaz: ¿es Franju realmente un cineasta político? Es evidente que películas como Le Sang des bêtes y Hôtel des Invalides, pero también En Passant par la Lorraine y Poussières, le granjearon una firme reputación de documentalista social. Pero más allá de ésta, la forma de esas películas, su dialéctica yuxtapositiva, es un elemento en sí mismo nítidamente ideológico. Por ello, siguiendo la célebre máxima godardiana podemos afirmar que los films de Franju más que films políticos son “films hechos políticamente”. Tomemos el ejemplo de Hôtel des Invalides. Por su temática, un reportaje dedicado al Museo de la Guerra (de hecho comisionado y distribuido por el Ministerio de la Guerra), podríamos considerarlo un film de propaganda patriótica. Sin embargo, bastan unos pocos minutos de visionado para cambiar radicalmente esta opinión. La fuerza dialéctica de sus imágenes, que combina la sutileza de En Passant par la Lorraine con la violencia acusadora de Le Sang des bêtes, subraya siempre la intención del autor. Así, una panorámica comienza con la desfiguración inhumana del rostro de un herido de guerra para terminar mostrándonos la pléyade de condecoraciones en su pechera. Todo el horror y el absurdo de la guerra surgen de esta confrontación. Como indicó Javier Sagastizábal ―pionero de los estudios sobre el cineasta en nuestro país―, Franju se apoya en los elementos contrapuntísticos a lo largo de todo el film. En otro momento, la cámara recorre uno de los patios del edificio pasando de una estatuta de Napoleón Bonaparte a un veterano, en estado casi vegetativo, paseado en silla de ruedas por una enfermera. El comentario en off («La leyenda tienes sus héroes. La guerra tiene sus víctimas») resuelve todo equívoco posible. Desde luego hay que considerar esa ambigüedad como un elemento propio del discurso del cineasta, pero no como algo reversible o indeterminado, como un intento de escamotearnos su toma de posición frente a la realidad, ya que considero que el sentido último de sus films resulta bastante evidente en todos los casos: la denuncia de los brutales métodos utilizados en los mataderos en Le Sang des bêtes, la diatriba contra la guerra en Hôtel des Invalides, la demostración de la falta de seguridad laboral enPoussières y En Passant par la Lorraine… (Texto de Santiago Rubín de Celís, tomado de Blogs & Docs)

“El ojo del cineasta debe tener muy largo alcance, es decir, ver lejos y en profundidad, ver en el interior del objeto.” Georges Franju

FA 4556

Sam Peckinpah - Ride the High Country (1962)

DUELO EN LA ALTA SIERRA

Dos antiguos pistoleros se asocian para escoltar un cargamento de oro. Uno intenta hacer un buen trabajo y volver a su casa. Pero la única intención del otro es robar la valiosa carga...

Hablar del cine Sam Peckinpah es sólo hablar desde un sola posibilidad o una isla, ya que sus películas y cada una de ellas devoran del proceso de la historia del cine: la historia del género clásico más hipercodificado y más enérgico de los géneros cinematográficos, y es también hablar de realismo y estilización moderna a la vez y es poder hablar, quizás, de las películas más catárticas que se tengan en cuentan. Si bien sus filmes no son demasiado psicológicos (no como los de Anthony Mann por ejemplo) o psicologizantes en su posterior análisis; proveen una variada gama de elementos, catalizadores, pulsionales y hasta liberadores para sus personajes, y que refractariamente depositan en sus espectadores ese goce del texto fílmico en estado casi puro, que dan para todo un psicoanálisis. Por todos estos tiros y por todos estos lados de ataques, los asaltos y los viajes que puedan emprenderse de sus visionados, criticas o análisis son variados y filosos al fin.

Sin dejar de lado mi admiración y gusto por el Western, intentaré decir unas cuantas ideas que se ven desde el filme Ride The High Country (Duelo de alta sierra) de 1962. Segundo filme de Sam Peckinpah. Protagonizado magistralmente Randolh Scott y Joel McCrea. El primero actor ícono del Western de Budd Boetticher (como 7 men from now de 1957, un Western ejemplar según André Bazin) y el otro actor de algunos de los no menores Western de Jacques Tourneur. Desde un casting-argumento-meta-cinematográfico, o sea, un excelente y bien pensado casting acorde a la historia clásica del género se dan una serie de temáticas de primera línea: el descenso de los héroes (son tiempos de las mutaciones del personajes del anti-héroe del Cine Noir al Western por parte de Anthony Mann), ante personajes y actores y su envejecimiento (son personajes con achaques y con constantes recuerdos del pasado) y están fuera de lugar o se presentan a él patéticamente como a la búsqueda del no-lugar de un nuevo héroe. Ésto es, comenzar por el final, ver que hay en lo viejo, ver lo nuevo en lo antiguo, advertir la melancolía como un relato primordial del género de la conquista del Oeste y de los inicios del cine: un mito desde los inicios de las historia del relato: la tragedia en algunos casos y un mito desde el cine mismo; el Western y toda su vasta mitología (baste leer “El Western o el cine americano por excelencia” de André Bazin). Por esto, después del clásico, el Western es llamado, estéticamente, el Western Crepuscular. En la misma fecha de estreno de Duelo de Alta sierra se estrena una de las películas más austeras, melancólicas y heriáticas de John Ford El hombre que mató a Liberty Valance (donde ya no es nada igual, ni nadie lo que era antes en el género y del mismo Ford).

Así concurrimos, en la historia, de la mano del tema del viaje a la aventura de Duelo de alta Sierra(otro gran tema del cambio del cine y su imagen-movimiento) a la “muerte del género”, o por lo menos a su cansancio, o a su cambio lógico; a su evolución contextual y económica para la industria. Es un filme que se encuentra antes de la copia y antes de la parodia, antes de entrar en el arquetipo de sí mismo y del grotesco y su exceso del canon deformado (o estilizado también) del entretenido, en algunos casos, spaghetti-western (salvando a otro gran actualizador y jugador del género: Sergio Leone). Para seguir en los pasos evolutivos, y de la ruptura, de la actualización e hibridación del género, baste mirar ahora; a los “Western” de Takashi Miike y al más reciente remake de Leone, la espectacular El bueno, el malo y el raro de Kim Ji-woon (2008) o los géneros vecinos y mezclas de temas del Western en Cronenberg o Jim Jarmusch o el Chambara desde Akira Kurosawa hasta elZatoichi de Takeshi Kitano. Las mutaciones son esperpénticas y estimulantes si se les mira desde el punto de vista histórico y desde el cine como estética propia del género cinematográfico.

En Duelo de alta sierra, en cambio, descubrimos un Western clásico en apariencias a lo John Ford y quizás a lo Anthony Mann (por los motivos interiores de sus personajes), y a su vez, a la conversión de un Western moderno por definición propia. Cuando digo clásico no sólo me remito a su periodo, y a su forma, sino también a su perfección y madurez (incluso a nivel extremadamente autoral y único).

El comienzo del filme alude al final del mismo: el paisaje y el imponente espacio natural de la montaña que abre el filme a las posibilidades del formato y del espacio nos da el temple interno del filme, su música es pregnante y majestuosa, a la vez que emocionante y lejana. El filme, luego, va a paso lento sobre sus personajes y sus móviles. La historia de los cargadores del Oro en la ciudad luego por las valles y de devuelta al banco. El problema está en los deseos, en la ambición, en la desesperación, en la última oportunidad de algo distinto para cada uno de los protagonistas. Los personajes esconden su valores, esconden sus propósitos excepto uno (traición y redención son obvias, y trenzan la trama ya conocida por el género) y otros personajes creen tener algo, y luego cambian, esto los desarma y los vuelve articular cuando aparecen otros detonantes típicos de Penkinpah y de muchos Western: las mujeres, causantes de los problemas del hombre o bien catalizadores del verdadero cambio del héroe. La posición política y religiosa del filme es certera y metafórica, viene desde la relación padre e hija. Peckinpah (en casi todas sus películas) esta del lado del perdedor y del humano imperfecto y no de la moral establecida, y es así como la tensión dramática y temática, se da desde tópicos morales y éticos antes que sólo del bueno y malo, esto, sin dibujar grandes complejidades oscuras de la psiques. No profundiza pero compone una belleza moral. Una moral diferente y rebelde. Para Peckinpah el otro tipo de moral (la religiosa y fundamentalista) es la causante de represiones y motivos tan esquizoides como la de los mismos bandidos (que son trabajados de manera un poco más plana y convencional en esta cinta). En Pat Garrett & Bill the Kid, 1973, se ocupa del tema de la religión y libertad por ejemplo. El Duelo… las escenas de la tensión familiar y moral de padre-hija son aún impactantes en estos tiempos, por su poder emocional, realista (sus actuaciones son claves) y por el poder simbólico que despliegan.

Se ha dicho que aún no es el Peckinpah en su estado más personal y conocido (con sus altos grados de estilización de la violencia y su exploración a varios campos estéticos y temáticos), pero creo que tiene algunos de los temas que trabajará en su posteriores filmes y que conserva una ejemplar forma entre el pasado y la modernidad que hacen que la materia misma del relato, sus temas y sus personajes posean un fuerza totalmente nueva y atemporal. Es por esto que el filme se mueve en territorios clásicos de la armonía temática y tonal de los géneros: va desde la comedia al drama intimo (nos recuerda a la maestría de Howard Hawks), entre la aventura y el drama social-histórico (los buscadores de oro) y desde el viaje del límite del Oeste en decadencia y movimiento hasta el viaje iniciático o metafísico. Para hablar, entonces, de este filme hay que remitirse a la presencia de los personajes y a sus actores y su vinculo de amistad y su pasado (el back-history en el filme y de la misma historia del cine) que establecerá la tensión moral, ética y reveladora de su final. Sin contar demasiado lo que pasa, Duelo de Alta Sierra tiene uno de los finales más emocionantes, bellos y misteriosos del Western (quizás sólo The Searchers de John Ford pueda eclipsarla en esta cuestión). Dentro del clímax, y después del típico canon ritual del género, se producirá una de las innovaciones de Penkinpah del tema del último chance personaje y de la amistad: se funden en un todo, aquí, desde la palabra y la emoción contenida (como no, es un Western) en un gesto y su entorno que revelarán o expresarán lo invisible y lo indecible del filme. (Texto de Hernàn Silva, tomado La Fuga)

"El final de una película, es siempre el final de una vida." Sam

FA 4548

Il signor Max - Mario Camerini (1937)

TÍTULO Il signor Max
AÑO 1937 
DURACIÓN 86 min.
DIRECTOR Mario Camerini
GUIÓN Mario Camerini, Mario Soldati
MÚSICA Renzo Rossellini
FOTOGRAFÍA Anchise Brizzi
REPARTO Vittorio De Sica, Assia Noris, Rubi D'Alma, Lilia Dale, Caterina Collo, Umberto Melnati, Mario Casaleggio, Virgilio Riento
PRODUCTORA Astra Film
GÉNERO Romance. Comedia | Comedia romántica

SINOPSIS Gianni, es un joven quiosquero de Roma, que heredó algún dinero de su padre. Cada año, se va de vacaciones para mezclarse con los ricos. En Nápoles, Doña Paola -una adinerada mujer- le confunde con un popular individuo de la alta sociedad, Max Veraldo, y le invita a viajar con ella y sus acompañantes a San Remo. (FILMAFFINITY)

FA 4602

Fabiola - Alessandro Blasetti (1949)

TITULO Fabiola
AÑO 1949
DURACION 164 min.
DIRECCION Alessandro Blasetti  
GUION Alessandro Blasetti, Mario Chiari, Diego Fabbri (Novela: Nicholas Patrick Wiseman)
MONTAJE Mario Serandrei  
PRODUCCION Salvo D'Angelo
MUSICA Enzo Masetti  
PROTAGONISTAS Michèle Morgan, Henri Vidal, Michel Simon, Gino Cervi
Elisa Cegani

SINOPSIS  Entre Fabiola, hija de un senador romano, y Rhual, un gladiador galo, surge un poderoso romance. Pero cuando el padre de Fabiola es asesinado, los romanos acusan a los cristianos, desatándose una persecución sin piedad. Rhual se confiesa cristiano y es sentenciado a morir luchando en la arena.

abiola (1948) fue una monumental superproducción basada en la novela del mismo nombre del cardenal inglés Nicholas Patrick Stephen Wiseman (1802–1865). La dirigió Alessandro Blasetti (Roma, 1900-1987), uno de los directores más importantes en la época fascista del cine italiano. Acabada la guerra mundial continuó trabajando en películas importantes hasta 1969, cuando estrenó Simón Bolivar, su última aportación al mundo del cine.
Wiseman, hijo de un comerciante irlandés, nació en Sevilla donde sus padres estaban instalados por razones laborales, aunque no tardó en trasladarse a Waterfod (Irlanda) para iniciar sus estudios una vez fallecido su progenitor. En 1854 publicó su famosa novela Fabiola que obtuvo un importante éxito en toda Europa. Si Qvo Vadis contaba la primera persecución contra el cristianismo, la presente novela se ceñía a la última en la época de Diocleciano.
Las persecuciones decretadas a principios del siglo IV fueron las más brutales que se conocen, intentando conseguir su exterminación. Sin embargo fue un fracaso porque no consiguió erradicar el cristianismo que cada día obtenía mayores adeptos.
La película de Blasetti está inspirada en la época de Majencio, algunos años posterior a Diocleciano, el rival de Constantino I con quien mantuvo una guerra civil que terminó con la vida de aquel, ahogado en el río Tiber en el año 312. Poco se sabe de su gobierno, salvo que Constantino le denigró todo lo que pudo. Las persecuciones de cristianos se acabaron en la época de Diocleciano porque las consideraron improductivas e inútiles.
Por eso Constantino fue lo suficientemente inteligente en adoptar la nueva religión y adaptarse a las circunstancias. Los acontecimientos de Agora (2010) transcurrieron a finales del mismo siglo en Alejandría.
Fabiola, la película, trata pues del triunfo del cristianismo y cómo consiguió llegar al poder. La trama transcurre alrededor del asesinato de Fabio (Michel Simon), un rico comerciante que desea liberar a todos sus esclavos, la mayoría de ellos cristianos, para adoptar la nueva religión provocando un sonado escándalo en la Roma de la época.
Es asesinado y se culpa de ello a los cristianos, sobretodo a un gladiador Rual (Henri Vidal). Fabiola (Michèle Morgan) acaba por enamorarse de él y luchará para conseguir su libertad, la cual se consigue con la llegada de Constantino I a Roma al mando de sus tropas y la consiguiente huida de Majencio.
Los actores prácticamente ya están olvidados por el público actual, Henri Vidal fue antagonista de Anthony Quinn (Atila) en Hombre o demonio (1954) y falleció prematuramente a los 40 años tras rodar ¿Quiere Ud. bailar conmigo? (1959) al lado de Brigitte Bardot.
Michèle Morgan, una de las grandes damas del cine francés, tendrá actualmente unos 90 años y estará completamente retirada del mundo del espectáculo aunque trabajó hasta edades tardías.
La película de Blasetti se ha recuperado hace pocos años, circulando copias incompletas en muy mal estado, pero aún así ha sido muy difícil de visionar. Sobretodo encontrar una copia subtitulada para poder comprender la totalidad de sus diálogos.
Más que el triunfo del cristianismo, que es básico en el metraje, la narración se centra en tiempos de cambio. cómo una sociedad, la pagana, se va hundiendo cada vez más, y los cristianos ganan en prestigio convirtiéndose la población a pasos agigantados. Una persecución final sólo sirve para que los romanos abracen la nueva religión.
Es significativo cómo el gladiador Rual rechaza matar a sus contrincantes en la arena y cómo éstos acaban por comprender y secundarle, rebelándose contra el poder del imperio negándose a matar a sus oponentes.
Fabiola pues cuenta el final de una sociedad y el nacimiento de otra. La sociedad pagana, esclavista, corrupta, deja espacio para otra más igualitaria en donde se destierra el odio, el desprecio a los semejantes. Un discurso trasladable al mundo moderno, sobretodo en 1948, fecha del rodaje, cuando se imponían las nuevas ideas socialistas en detrimento del sistema capitalista. La película establece pues un paralelismo entre ambas situaciones, aunque ya se sabe que el Vaticano de la época, con el ultraconservador Pio XII al frente, financió en parte su producción que tenía intenciones propagandísticas muy claras.
Otras producciones del tema, como Qvo Vadis, son más conocidas por ser de producción hollywoodense, utilizar el color y una puesta en escena mucho más espectacular. Pero ésta no merece caer en el olvido de ningún modo.
http://salvadorsainz.blogspot.com/2011/01/fabiola-1948-fabiola-1948-fue-una.html

Novela "Fabiola o La iglesia de las catacumbas" de Nicholas Patrick Stephen Wiseman

http://www.mediafire.com/?x8x8v9yy8v3bdce

Publicado por Amarcord en 05:41 

FA 4601

Treno popolare - Raffaello Matarazzo (1933)

TITULO Treno popolare
AÑO 1933
DURACION 63 min.
DIRECCION Raffaello Matarazzo
GUION Raffaello Matarazzo, Gastone Bosio
PRODUCTOR Safar
FOTOGRAFIA Anchise Brizzi
MUSICA Nino Rota
GENERO Comedia
PROTAGONISTAS Marcello Spada, Lina Gennari, Carlo Petrangeli, Cesare Zoppetti, Maria Denis, Jone Frigerio, Raffaello Matarazzo, Giuseppe Pierozzi, Gino Viotti, Umberto Sacripante

FA 4600

L'anatra all'arancia - Luciano Salce (1975)

PATO A LA NARANJA

TÍTULO L'anatra all'arancia
AÑO 1975 
DURACIÓN 105 min.
DIRECTOR Luciano Salce
GUIÓN Bernardino Zapponi, Marc-Gilbert Sauvajon (Obra: William Douglas-Home)
MÚSICA Armando Trovajoli
FOTOGRAFÍA Franco Di Giacomo
REPARTO Monica Vitti, Ugo Tognazzi, Barbara Bouchet, John Richardson, Sabina De Guida, Antonio Allocca
PRODUCTORA Capital Films / Cinerix
GÉNERO Comedia

SINOPSIS Un alto ejecutivo de publicidad, empeñado en lanzar en Italia el vino californiano Mamma mía, se encuentra ante una extraña situación conyugal. Su esposa le engaña con un famoso play-boy y él, en lugar de mostrar celos, decide insinuar, que a su vez, él está enamorado de una atractiva secretaria. Todo menos permitir que el matrimonio se disuelva. (FILMAFFINITY) 

El marido, la adúltera, la secretaria y el "maridastro"
Ugo, un maduro cincuentón es un hombre de posición envidiable, triunfa en el campo de la publicidad; no tiene rival en cuanto a saber lanzar al mercado cualquier producto. Pero de pronto su repentina felicidad se trastoca cuando su mujer Lisa, le confiesa inocentemente que le pone los "tubos" con Jean Claude, un apuesto playboy mucho más joven, de ojos azules y tez bronceada. Pero Ugo es un marido moderno y lejos de despecharse y enfrentarse a su rival, opta por otra estrategia más sutil, invita a éstos dos y a su secretaria a pasar un fin de semana juntos para despedirse como dios manda. Entre los eventos que prepara el cornudo marido hay una suculenta comida que tiene como plato estrella el Pato a la naranja.
Una irregular comedia Italiana de los años setenta, que proviene de una obra teatral que en su momento cosechó un notable éxito. La obra cinematográfica se deja ver pese a tener numerosos altibajos. Lo mas destacable sin duda es el guión que contiene frases bastante ingeniosas que te permiten esbozar alguna sonrisa.
Recuerdo que cuando se estrenó la película en Bilbao estuvo bastante tiempo en cartelera (no pude verla porque entonces no tenía dieciocho años). Ahora comprendo que el tiempo prolongado que estuvo en pantalla, fue mas fruto de los desnudos de las dos chicas, que de la calidad que atesora la cinta, que no pasa de interesante... siendo generosos.
Recomendable para los amantes de la comedia Italiana... que no sean excesivamente exigentes.
Walter Neff
http://www.filmaffinity.com/es/reviews/1/789068.html

En el prefacio del libro El glotón, publicado por Editorial Crea en Buenos Aires en 1980, a seis años de su primera edición en Italia, el talentoso y bufo actor Ugo Tognazzi, fallecido en 1990 a los 68 años, declara: "Me siento vivo delante de una olla. El aceite que dora es música para mis oídos. Sería capaz de usar el perfume de un buen tuco como loción o para después de afeitar. Un plato de tallarines entrelazados o una pieza de carne asada son para mí esculturas vitales, dignas de un Henry Moore".

Será el film Pato a la naranja, de 1975, el que le vuelva a permitir a Tognazzi, tras el rodaje de Amigos míos de Mario Monicelli, cocinar en la pantalla. Basado en una comedia francesa de gran éxito de público y de crítica, Pato a la naranja, de Luciano Salce... No deja de ser toda una invitación a la mesa, esta ágil comedia de enredos.

Muy al estilo años 60, en el tono de sus personajes, desenfadado y grotesco, Tognazzi interpreta a un exitoso hombre de mediana edad destacado en el mundo de la publicidad que comienza a ver cómo peligra su matrimonio. Es entonces que Livio ?tal el nombre del protagonista? casado desde hace siete años con Lisa, asiste con sorpresa a una gran revelación: la presencia de un tercero. Y ante ello, idas y vueltas, desvelos y enojos, nuevos lances, decide poner en movimiento una serie de estrategias.

En un largo week end, en una villa junto al mar, Livio cocinará para la flamante pareja aquel plato símbolo de su luna de miel.

Lisa esta interpretada por la siempre sorprendente Mónica Vitti. Y los acompañan la sex symbol Bárbara Bouchet y John Richardson.

Emilio A. Bellon

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/rosario/12-16643-2008-12-29.html

FA 4599

La siciliana ribelle - Marco Amenta (2009)

LA SICILIANA REBELDE

TÍTULO La siciliana ribelle
AÑO 2009 
DURACIÓN 113 min.
DIRECTOR Marco Amenta
GUIÓN Marco Amenta
MÚSICA Pasquale Catalano
FOTOGRAFÍA Luca Bigazzi
REPARTO Veronica D'Agostino, Gérard Jugnot, Giulia Andò, Roberto Bonura, Paolo Briguglia
PRODUCTORA Coproducción Italia-Francia; Eurofilm / R&C Produzioni / Roissy Films
GÉNERO Drama | Crimen. Mafia. Basado en hechos reales

SINOPSIS Tras ser testigo del asesinato de su padre hace 7 años, cuando la joven siciliana Rita vuelve a ser testigo, esta vez del asesinato de su hermano, no puede más y decide vengarse de la mafia con la que ha convivido toda su vida, facilitando datos a la policía. Repudiada y amenazada por los habitantes de su pueblo natal e incluso su madre, ha de irse de Sicilia y mudarse a Roma, donde vivirá bajo un nombre falso. (FILMAFFINITY)

FA 4598

Il diavolo - Gian Luigi Polidoro (1963)

TÍTULO Il diavolo
AÑO 1963 
DURACIÓN 103 min.
DIRECTOR Gian Luigi Polidoro
GUIÓN Rodolfo Sonego
MÚSICA Piero Piccioni
FOTOGRAFÍA Aldo Tonti (B&W)
REPARTO Alberto Sordi, Bernhard Tarschys, Inger Sjostrand, Ulfe Palme, Ulla Smidje, Gunoild Gustavson, Barbo Wastenson, Gunilla Elm-Tornkvist, Lauritz Falk, Anne-Charlotte, Monica Waterson, Ulla Andersson, Inger Auer, Catherina Norden-Falk 
PRODUCTORA Dino de Laurentiis Cinematografica
PREMIOS 1963: Berlín: Oso de Oro
1964: Globo de oro a mejor actor en comedia o musical (Alberto Sordi)
GÉNERO Comedia

SINOPSIS Alberto Sordi se convierte en esta comedia en Amadeo Ferretti, un hombre de negocios italiano que viaja a Suecia por tema de negocios. Sin embargo Amadeo no cree que todo sean negocios en el país, pues las suculentas rubias que por allí se encuentran despiertan en Amadeo todo tipo de fantasías. (FILMAFFINITY)

FA 4597

Colpire al cuore - Gianni Amelio (1983)

GOLPE AL CORAZÓN

TÍTULO ORIGINAL Colpire al cuore
AÑO 1983
IDIOMA Italiano
DURACIÓN 105 min. 
DIRECTOR Gianni Amelio
GUIÓN Gianni Amelio, Vincenzo Cerami
MÚSICA Franco Piersanti
FOTOGRAFÍA Tonino Nardi
REPARTO Jean-Louis Trintignant, Laura Morante, Sonia Gessner, Fausto Rossi, Laura Nucci, Vanni Corbellini, Vera Rossi, Matteo Cerami
PRODUCTORA Coproducción Italia-Francia; Antea Cinematografica / Rai Uno Radiotelevisione / Swan productions
PREMIOS 1982: Premios David di Donatello: Mejor actor revelación (Fausto Rossi)
GÉNERO Drama

SINOPSIS Emilio, el hijo de Darío, profesor de izquierda, es un erudito y un adolescente introvertido que vive con impaciencia la relación de confianza de su padre con sus ex alumnos, entre ellos Sandro Ferrari. Cuando Sandro es asesinado en un tiroteo de un retén , Emilio va a la policía para decir que los jóvenes asisten a su casa. Será el comienzo de una grieta que va a transformar profundamente la relación entre padre e hijo y la detención de Darío, denunciado por el mismo Emilio. (FILMAFFINITY) 

FA 4596

My name is Tanino - Paolo Virzì (2002)

TÍTULO My Name Is Tanino
AÑO 2002 
DURACIÓN 124 min.
DIRECTOR Paolo Virzì
GUIÓN Paolo Virzì, Francesco Bruni, Francesco Piccolo 
MÚSICA Carlo Virzì
FOTOGRAFÍA Arnaldo Catinari
REPARTO Corrado Fortuna, Rachel McAdams, Frank Crudele, Jessica De Marco, Mary Long, Beau Starr, Lori Hallier, Danielle Bouffard, Barry Flatman
PRODUCTORA Coproducción Italia-Canadá
GÉNERO Comedia

SINOPSIS Durante un soleado verano en Sicilia el joven Tanino (Corrado Fortuna) mantiene una tierna y dulce historia de amor con Sally (Rachel McAdams), una joven turista americana. Pero cuando el verano se acaba, Sally se vuelve a los Estados Unidos, olvidando su cámara de fotos. Tanino no puede resistirlo, y decide ir a devolverle la cámara a su amada en persona... (FILMAFFINITY) 

FA 4595

Il Lupo della Sila - Duilio Coletti (1949)

EL LOBO DE LA SILA

TÍTULO Il lupo della Sila
AÑO 1949 
DURACIÓN 95 min.
DIRECTOR Duilio Coletti
GUIÓN Mario Monicelli, Giuseppe Gironda, Carlo Musso, Ivo Perilli, Steno, Vincenzo Talarico
MÚSICA Enzo Masetti, Osvaldo Minervini
FOTOGRAFÍA Aldo Tonti
REPARTO Silvana Mangano, Amedeo Nazzari, Vittorio Gassman, Jacques Sernas, Luisa Rossi, Olga Solbelli, Dante Maggio, Michele Capezzuoli, Laura Cortese, Attilio Dottesio
PRODUCTORA Lux Film
GÉNERO Drama | Melodrama

SINOPSIS Pietro y Orsola se aman y debido a que Rocco, hermano de Orsola, se opone a este amor, han de verse a escondidas en una cabaña. Una tarde matan a un hombre; Pietro, de regreso de la cabaña, es arrestado acusado del asesinato. Él proclama su inocencia, pero para no poner en peligro a Orsola, se niega a confesar donde ha pasado la tarde. La madre de Pietro habla con Orsola para que interceda por su hijo; pero Rocco lo rechaza brutalmente. (FILMAFFINITY) 

FA 4594

Mediterraneo - Gabriele Salvatores (1991)

TÍTULO Mediterraneo
AÑO 1991 
DURACIÓN 90 min.
DIRECTOR Gabriele Salvatores
GUIÓN Enzo Monteleone
MÚSICA Giancarlo Bigazzi & Marco Falagiani
FOTOGRAFÍA Italo Petriccione
REPARTO Claudio Bigagli, Diego Abatantuono, Giuseppe Cederna, Ugo Conti, Gigio Alberti, Memo Dini, Vasco Mirandola, Vanna Barba, Irene Grazioli, Claudio Bisio, Luigi Montini, Antonio Catania
PRODUCTORA A.M.A. Film / Penta Film
PREMIOS
1991: Oscar Mejor Película de habla no inglesa
1991: 3 premios David de Donatello: Mejor película, montaje, sonido. 6 nominaciones
GÉNERO Comedia. Bélico | II Guerra Mundial

SINOPSIS Durante el transcurso de la Segunda Guerra Mundial, un grupo de soldados desembarcan en una pequeña isla del mar Egeo, donde únicamente hay un pueblo habitado por niños, ancianos y mujeres. (FILMAFFINITY) 

FA 4593

Benito Mussolini - Pasquale Prunas (1962)

TITULO Benito Mussolini.
AÑO 1962
DURACION 108 min.
DIRECCION Pasquale Prunas
PRODUCTOR Roberto Rossellini
MUSICA Robert Nicolosi
GENERO Documental

SINOPSIS El documental nos muestra al principal teórico y ejecutor del fascismo: Mussolini, flexible y hábil en la consolidacion del poder. Su realización le valieron la reputacion en Europa de gran estadista. Un exasperado nacionalismo y el recurso sistemático de la violencia contra los partidos y organizaciones obreras, apoyado por la burguesia, intensificó su acción para la toma del poder que culminó con la marcha sobre Roma. 

FA 4591

Yuri Zhelyabuzhsky - Papirosnitsa ot Mosselproma (1924)

La vendedora de cigarrillos de Mosselprom

Nikodim Mityushin es un oficinista contable, acosado por la secretaria Maria Ivanovna, pero perdidamente enamorado de Zina Vesenina, una vendedora ambulante de cigarrillos de quien se ha vuelto asiduo cliente, aunque no fuma. Nikodim halla firmes contendientes en el camarógrafo Latugin, prendado de Zina después de filmarla como extra en una escena callejera; y en Oliver MacBright, hombre de negocios norteamericano que ve una fortuna en la figura de la joven moscovita. Latugin propicia el ingreso de Zina al mundo cinematográfico, pero como el amor empuja un poco a hacer el tonto, las cosas se complican. [Halleryana]

nmediatamente después de participar como director artístico y de fotografía en el pionero filme de ciencia ficción "Aelita", Yuri Zhelyabuzhsky dirige a su trío protagonista en una de las primeras comedias centradas en la vida cotidiana de Moscú. "Papirosnitsa ot Mosselproma" es una comedia de enredos románticos con una buena dosis de slapstick, estrenada en diciembre de 1924 con gran éxito de público mas no de crítica. También es uno de los primeros ejemplos de cine dentro del cine, y entre su encanto figuran escenas semidocumentales, rodadas en calles con transeúntes curiosos ante el equipo de filmación.  [Halleryana]

FA 4589

Uomini e lupi - Giuseppe de Santis (1956)

HOMBRES Y LOBOS

TITULO ORIGINAL Uomini e lupi
AÑO 1956
IDIOMA Italiano
DURACION 94 min.
DIRECCION Giuseppe De Santis
GUION Giuseppe De Santis, Gianni Puccini, Elio Petri, Cesare Zavattini, Tullio Pinelli, Ivo Perilli, Ugo Pirro
REPARTO Silvana Mangano, Yves Montand, Pedro Armendáriz, Irene Cefaro, Guido Celano, Giulio Calì, Euro Teodori, Giovanni Matta, Maria Zanoli, Maria Luisa Rolando, Renato Terra
FOTOGRAFIA Piero Portalupi
MONTAJE Gabriele Varriale
MUSICA Mario Nascimbene
PRODUCCION Giovanni Addessi para Trionfalcine, Titanus
GENERO Drama / Aventura

UOMINI E LUPI (1956, Guiseppe de Santis) Hombres y lobos

Es bien cierto que el cine italiano esconde en su historia numerosos tesoros que deberían ser expuestos a la luz pública. Todos conocemos la presencia de sus numerosos clásicos y títulos justamente recordados. Pero junto a ellos coexiste el peso de una producción general que en sus mejores épocas se caracteriza por un excelente nivel –sin duda uno de los más altos dentro de las cinematografías europeas-. Dentro de este contexto, la presencia en estas líneas de esta extraña película del poco prolífico e interesante Giuseppe de Santis, es una buena prueba de este interés que atesora la cinematografía italiana en su conjunto –quizá hasta la segunda mitad de la década de los sesenta-.
UOMINI E LUPI (Hombres y lobos, 1956), es una extrañísima combinación de relato de aventuras tamizado de melodrama pasional con ciertos ecos tardíos neorrealistas, que hoy día mantiene su interés precisamente por esa extraña combinación y, ante todo, en el logro de una extraña, lívida y en buena medida decadente atmósfera rural, caracterizada por la casi constante presencia de la nieve, nieblas, pueblos con escasos habitantes o comunidades cerradas y generalmente vestidos con colores oscuros y angostos.

En ese contexto se establece la historia de los habitantes de un pequeño y antiguo pueblo italiano, en donde se tiene como una de sus más graves amenazas el constante ataque de los lobos que se esconden en los rincones nevados del bosque que les rodea. Para intentar combatirlos se apuesta por dos loberos –interpretados por Pedro Armendáriz e Yves Montand-. El primero de ellos se caracteriza por tener mujer –encarnada por Silvana Mangano- e hijo y estar más escorado al terreno familiar. Al mismo tiempo es un hombre de escasas luces, celoso del interés que su esposa provoca en el otro lobero, y que encuentra en la captura de un lobo con vida una especie de anhelo lejano y similar al del melvilliano Capitán Achab. Lamentablemente, ese interés le costará la vida –aparecerá despedazado en el bosque nevado tras haber logrado capturar un lobo en una trampa y alentar la llamada de la manada que ronda por allí-. Por su parte el otro lobero se caracteriza por un carácter absolutamente despegado de la rígida moralidad imperante y cuyos aires de libertad en poco coinciden con el entorno que domina su vida en aquellos momentos. Es por ello que su interés se cebará en la reciente viuda –que aún conserva un notable atractivo- y su pequeño hijo, aunque también intente coquetear con la pasional hija del acaudalado terrateniente de la zona.

Es ahí donde confluyen los dos conflictos que se entrelazan en esta interesante película, en la que de nuevo de Santis aplica su conocimiento del melodrama y el acierto de introducirlo en atmósferas rurales o en latente conflicto –es el ejemplo que brinda su título más conocido; ARROZ AMARGO (Riso amaro, 1949), aunque personalmente considere más valiosa la película que comentamos-. Ello es aplicado con unos modos narrativos definidos en planos largos caracterizados por su funcionalidad y el uso de la panorámica. Al mismo tiempo hay que añadir el excelente y singularísimo aspecto visual del film, en el que se atenaza y apaga la importancia del color, exponiendo estos fundamentalmente en tonos oscuros o neutros –la excepción serían los constantes rojos que luce la hija del patrono durante todo el metraje-, y cuyo look no deja de recordarme la radical apuesta que un año antes había efectuado William A. Wellman con su excelente TRACK OF THE CAT (1954), caracterizada también por un entorno represivo y puritano y su desarrollo en un ambiente tenebroso en pleno bosque. No cabría desestimar a este respecto una cierta influencia previa ya que las semejanzas creo que no son nada casuales.

En todo caso, UOMINI E LUPI destaca por el empeño en lograr fundamentalmente un relato físico en el que la inclemencia del tiempo y la presencia de pueblos enracimados dominados por la presencia de la nieve y atemorizados por la amenaza de los lobos, tendrá una secuencia de ataque de estos a la población espléndidamente ejecutada, que finalmente será el detonante de la elección del amoral lobero. Un desenlace que se ejecutará ya en pleno día y ante un marco físico ya delimitado por un entorno liberador y sin la ominosa amenaza de la nieve. Y es que no solo en los westerns la influencia del paisaje era determinante. También esta sin duda peculiar y poco reconocida película, es un ejemplo de que en cualquier género y circunstancia su importancia supone un complemento a los sentimientos que en ella se desarrollen.
http://thecinema.blogia.com/2005/121801-uomini-e-lupi-1956-guiseppe-de-santis-hombres-y-lobos.php

FA 4582

Uomini Contro - Francesco Rosi (1970)

TÍTULO ORIGINAL Uomini contro 
AÑO 1970
IDIOMA Italiano
DURACIÓN 101 min.  
DIRECTOR Francesco Rosi
ARGUMENTO Emilio Lussu (Novela "Un anno sull' altipiano") 
GUIÓN Tonino Guerra 
MÚSICA Piero Piccioni 
FOTOGRAFÍA Pasqualino De Santis 
REPARTO Mark Frechette, Alain Cuny, Gian Maria Volonté, Giampiero Albertini, Pier Paolo Capponi 
PRODUCTORA Coproducción Italia-Yugoslavia 
GÉNERO Bélico. Drama | I Guerra Mundial  


SINOPSIS Drama antibélico. Durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918), en la frontera italo-austriaca, un desastroso ataque de las tropas italianas contra las posiciones austriacas produce un amotinamiento entre las diezmadas tropas italianas. (FILMAFFINITY) 

FA 4581

L'onorevole Angelina - Luigi Zampa (1947)

TÍTULO L'onorevole Angelina
AÑO 1947 
DURACIÓN 90 min.   
DIRECTOR Luigi Zampa
GUIÓN Piero Tellini, Suso Cecchi d'Amico, Luigi Zampa, Anna Magnani 
MÚSICA Enzo Masetti
FOTOGRAFÍA Mario Craveri (B&W)
REPARTO Anna Magnani, Nando Bruno, Ave Ninchi, Armando Migliari, Maria Grazia Francia, Ernesto Almirante, Gianni Glori, Franco Zeffirelli 
PRODUCTORA Lux Film / Ora Film
GÉNERO Drama

SINOPSIS Centenares de familias se encuentran sumidas en la pobreza en una popular barriada de Roma. Allí vive la mujer de un suboficial de policía, Angelina, que trabaja duramente para mantener a sus cinco hijos. (FILMAFFINITY) 

FA 4568

La Spiaggia - Alberto Lattuada (1954)

La playa

TITULO ORIGINAL La spiaggia
AÑO 1954
IDIOMA Italiano
DURACION 100 min.
DIRECCION Alberto Lattuada
GUION Alberto Lattuada, Rodolfo Sonego, Luigi Malerba
REPARTO Anna Bassi, Mara Berni, Bruno Bettiol, Mario Bettiol, Carlo Bianco, Georges Bréhat, Martine Carol, Mario Carotenuto, Patrizia Deaton, Edouard Delmont, Marco Ferreri, Nada Fiorelli, Enio Girolami, Enrico Glori, Elio Lo Cascio, Luciana Momigliano, Clelia Matania, Rosy Mazzacurati, Valeria Moriconi, Elly Norden
FOTOGRAFIA Mario Craveri
MONTAJE Mario Serandrei
MUSICA Piero Piccioni
PRODUCCION Titanus Gamma/Film Francaise C.C.C. (PARIS)
GENERO Comedia

Una prostituta se va de vacaciones a la playa con su hija. Se cree una viuda Arespetable, es aceptado por la sociedad bien educada, pero cuando descubre que su trabajo es crear un vacío alrededor. Sólo el alcalde es un amigo. 11 ° a lo largo de la película (la 2 ª, después de que el bandido, el tema original y de color 1) Lattuada, que escribió con R. Sonego, L. Malerba, Ch. Spaak, La playa es una comedia de costumbres (todos los niveles) y el realismo burgués que dio el escándalo por muchas razones. Él dio la denuncia (demócrata), que impuso una máquina virtual 16 y algunos cortes de los cuales era ridícula, sobre todo la hermosa de 21 años Moriconi víctima, sino también la visión fugaz de la Unidad deperiódico L'. Ferraniacolor: John Craven. Música: Peter Morgan (palomas). Aquí y allá macchiettistici discrepancias y los excesos. Carol Vallone y funcional, pero no es muy expresivo. (El Morandini)

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La seduzione - Fernando Di Leo (1973)

TITULO ORIGINAL La seduzione
AÑO 1973
IDIOMA Italiano
DURACION 100 min.
DIRECCION Fernando Di Leo
ARGUMENTO Novela "Graziella" de Ercole Patti
GUION Luisa Montagnana, Ercole Patti, Marino Onorati, Fernando Di Leo
REPARTO Lisa Gastoni, Maurice Ronet, Jenny Tamburi, Graziella Galvani, Pino Caruso, Barbara Marzano, Ornella Muti, Rosario Bonaventura, Giorgio Dolfin, Luigi Antonio Guerra
FOTOGRAFIA Franco Villa
MONTAJE Amedeo Giomini
MUSICA Luis Bacalov
PRODUCCION CINEPRODUZIONI DAUNIA '70
GENERO Drama

Fernando di Leo es uno de los mas valientes guionistas y directores del cinema italiano de los Sesenta y Setenta. Desde POR UN PUÑADO DE DOLARES(Per un pugno di dollari) hasta CALIBRE 9 (Milano calibro 9), su carrera estas llena de éxitos, pero las cosas mejores llegan cuando Fernando di Leo hace películas negras de las novelas violentas de Giorgio Scerbanenco.
“En las películas dirigidas por di Leo hay siempre ironía, también en las mas torvas. Mis deudas cinematográficas con esto director son muchas…” dijo Tarantino.

Las peliculas de di Leo no son demasiadas, pero todas enfrentan temáticas originales: Rose rosse per il Furher (1968), UNA MUJER ARDIENTE (Brucia ragazzo brucia,1969), Amarsi male (1970), LA BESTIA MATA A SANGRE FRIA (La bestia uccide a sangue freddo,1971), CALIBRE 9 (Milano calibro 9,1972), NUESTRO HOMBRE EN MILAN (La mala ordina, 1972), SECUESTRO DE UNA MUJER/ MISIÓN PARA MATAR (Il boss,1973), LA SEDUCCIÓN (La seduzione,1973), Il poliziotto è marcio (1974), La città sconvolta: caccia spietata ai rapitori (1975), LA ESPIA SE DESNUDA (Colpo in canna, 1975) LOS AMIGOS DE NICK HEZARD (Gli amici di Nick Hezard, 1976), MISTER SCARFACE (I padroni della città,1977), DIAMANTES MANCHADOS DE SANGRE (Diamanti sporchi di sangue,1978), LAS VEINTEAÑERAS (Avere vent’anni,1978), VACACIONES PARA MATAR (Vacanze per un massacro,1980), Razza violenta (1983), L’assassino ha le ore contate (1981) e Killer contro killers (1985).

Fernando di Leo muere en Roma en el año 2003, tenia 71 años. Tenia muchas ideas en la gaveta y muchas ganas de enfrentarse de nuevo el set de una película. Quentin Tarantino dijo que di Leo es un director de culto. Desgraciadamente se murió demasiado temprano para poder gozar de una legítima revancha contra los periodistas intelectuales que lo criticaron mucho y sin tener razón. Para ellos, di Leo es director de películas violentas, inútiles y sádicas. Sin embargo, para nosotros Fernando di Leo es un señor autor y por esto le vamos a dedicar un libro. El primero, creo mejor decir único,libro sobre sus películas…
Gordiano Lupi (FERNANDO DI LEO E IL SUO CINEMA NERO E PERVERSO)

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