Roman Polanski - Carnage (2011)

Roman Polanski nos trae con ‘Un dios salvaje’ (’Carnage‘, 2011) una comedia divertidísima en la que los actores están sembrados, especialmente Christoph Waltz, que es quien mayor nota cómica imprime a las interpretaciones, aunque su personaje ya esté definido desde el inicio con los mismos matices con los que finalizará. La intervención de Jodie Foster hace pensar en una parodia de las actuaciones dramáticas y exageradas de las grandes divas del cine que obtienen gracias a ello premios y reconocimiento –“No me hables del sufrimiento en África…“–. Kate Winslet, con un comienzo reservado, es quien encarna de manera más canónica lo que la obra quiere plasmar: la fragilidad de esa capa de buenas maneras que, unos más que otros, todos tratamos de anteponer en las relaciones sociales. John C. Reilly encarna al personaje con mayor evolución y casi el único al que la destructiva situación le resulta producente.

Rodando la casi totalidad del film en un decorado que finge ser Nueva York, no solo por los edificios que se proyectan por la ventana, sino también por el gusto burgués cultivado que sus habitantes parecen haber impreso en la elección del mobiliario y los complementos, Polanski no ha hecho ningún esfuerzo de darle una apariencia cinematográfica a su adaptación de Jasmina Reza, pues solo se da el respiro de un exterior al inicio y al comienzo, con sendos planos fijos de los niños en el parque. El resto del breve metraje transcurre en lo que casi podría considerarse una única escena en el interior del apartamento.

La obra, sobre dos matrimonios que tienen que charlar civilizadamente sobre que el hijo de unos ha agredido al de los otros; contiene en sí misma cambios de tempo y un marcado crescendo en los humores de los cuatro personajes, provocado por la introducción de información anteriormente no conocida, que pone cabeza abajo la situación: la supuesta víctima podría ser el auténtico abusón. PeroPolanski no parece haber sabido o querido marcar bien estos momentos. Unas falsas divisiones creadas por los intentos de “huida” del matrimonio invitado, que son constantemente infructuosos –no siempre son verosímiles los motivos por los que vuelven a entrar en la casa, pero eso carece de importancia– parecerían marcar más los giros o cambios de tempo que el propio texto en sí. Con ello,la progresión no queda del todo clara y menos aún la cercanía de una conclusión o redondeo de la discusión.

La crítica social en ‘Un dios salvaje’

Mi primera tendencia fue a pensar que quien no conociese la obra de antemano podría perderse las implicaciones socioculturales que siempre sabe estampar Jasmina Reza. Deslumbrada con la observación cáustica de los comportamientos que la autora consiguió en ‘Arte’, cuando presencié ‘Un dios salvaje’ representada en Madrid, dirigida con un tratamiento mucho menos cómico por Tamzin Townsend, adaptada por Jordi Galcerán, e interpretada por Aitana Sánchez Gijón, Maribel Verdú, Pere Ponce y Antonio Molero; entendí en ella un análisis de cómo caen rápidamente las corazas de la educación que no me pareció tan claro en el film. Me parecía que, si bien Polanski no las elimina, sí pierden importancia para dejar protagonismo al humor.

Reflexionando un poco más sobre este contenido que subyace al texto, quizá la conclusión es que eso es lo que hay, es decir: que es posible que, en esta ocasión, la aportación de Reza no haya sido tan profunda o haya observado algo tan original y difícil de captar, sino que se haya quedado en sacar a la luz algo certero, pero no especialmente rompedor. Así, esa sensación de que solo quien conociese previamente el libreto teatral podría ver en la película unas intenciones y un contenido profundo deba cambiarla por el pensamiento de que no será en ningún caso un film cargado de una crítica social tan necesaria como un entretenimiento bien armado y con una sólida base.

Conclusión

Superando de tal modo que casi se aplasta el contenido y la posible observación cultural del texto, la película destaca incontestablemente gracias a las interpretaciones de sus cuatro exclusivos actores, dirigidos por un Roman Polanski que vuelve a sus escarceos con el humor y la liviandad. O bien al director le importaba poco el tema y ha preferido divertirse con esta adaptación, como quien juega con cuatro amigos en el salón de casa; o bien lo que partía con mayor atención hacia los mensajes se ha ido de las manos de los cinco artífices –actores y director– para cobrar una vida propia, incontrolable siquiera en la sala de montaje. Sea como fuere, ese gran rato que parece que ellos hubiesen pasado, se contagia para hacer de ‘Un dios salvaje’ una película inmensamente gozosa, con momentos de auténtica hilaridad. Que no quede más redonda en cuanto a la forma de cerrar la historia, que no deje traslucir unas intenciones muy marcadas o que dé la impresión de ligereza solo indican que le falta un plus para ser perfecta y sublime, pero no suponen una merma de su brillantez.

FA 4909

Marco Berger - Ausente (2011)

Martín se lastima durante una clase de natación. Sebastián, el profesor de gimnasia, lo lleva al hospital. Cuando salen se ofrece llevarlo a su casa pero Martín quiere volver al club de natación porque debia reunirse con un compañero para irse a quedar esa noche a su casa. La familia de Martín no esta esa noche en casa. El amigo de Martín no está y Sebastián se da cuenta que pasó la tarde y el alumno no tiene a donde ir. Nadie contesta en el colegio. Sebastián debe hacerse cargo y lo lleva a su departamento. Sebastian descubre que Martín ha mentido y que pudo irse a dormir a su casa esa noche como cualquier otra. Sebastián desconoce las verdaderas intenciones del alumno.

FA 4938

Raúl Ruiz - Comédie De L'Innocence (2000)

LA COMEDIA DE LA INOCENCIA

Dirigida por Raúl Ruiz, con Isabelle Huppert, Jeanne Balibar, Charles Berling, Nils Hugon, Edith Scob, Laure de Clermont-Tonnerre

El chileno Raúl Ruiz ha cobrado entre nosotros una presencia contundente. En los films vistos últimamente, El tiempo recobrado y Genealogías de un crimen, ha mostrado que el suyo es un cine apoyado en lo mental, que trata de vínculos, de conjuntos de relaciones entre personajes y mundos que proliferan, se bifurcan, se superponen, o se desvanecen.

De esas bifurcaciones trata La comedia de la inocencia. Después de cumplir nueve años, Camille (Nils Hugon) parece vivir una crisis de identidad. De un modo frío y distante, le comunica a su madre que no es su hijo, que esa no es su casa y que quiere irse a la casa de su verdadera mamá. La madre, Ariane (Isabelle Huppert), no comprende nada, pero accede al pedido de su hijo. Camille atraviesa tal vez la fantasía arquetípica de no ser hijo de sus padres. Para asombro de Ariane, el chico la lleva a esa otra casa, en un barrio desconocido, donde vive esa posible mamá. A partir de entonces, Ariane compartirá a su hijo con otra mujer, Isabella (Jeanne Balibar) que ha perdido el suyo dos años antes y sin embargo acepta ser la madre de Camille. Ariane accede all trato para no perder a su hijo, o para ganar tiempo, mientras trata de acercarse a la verdad. Hay muchas preguntas que reclaman respuesta: ¿estamos ante un caso de transmigración de almas? ¿Un reclamo de atención a una madre distante?¿Una esquizofrenia? ¿Un alevoso intento de apropiación? El hermano psiquiatra de Ariane, Serge (Charles Berling, quien también acompaña a Huppert enLos destinos sentimentales), tratará de encontrar las respuestas. Mientras llegan, tanto la madre como el espectador viven en la incertidumbre del misterio. Hay otro aspecto que refuerza la ambigüedad: Camille tiene un amigo imaginario. ¿Es Alexander pura fantasía o tiene existencia física? Camille, finalmente, es un nombre de varón tanto como lo es de mujer...

Ruiz ha llevado al cine la novela de Massimo Bontempelli Il Figlio Di Due Madri, cuyo título sintetiza la situación angustiante que viven los personajes. Las imágenes iniciales, que ha tomado Camille con su cámara de video, son tan curiosas e inquietantes como el film mismo. Ese film dentro del film, en su juego de representaciones, es el que nos llevará a la verdad. Ruiz nos está diciendo que es el cine –cualquiera sea su soporte–, habitado por los dobles, el que tiene las respuestas de la vida.

Pero el viejo tema del doble está presente no sólo en el argumento sino también en la puesta en escena: los espejos, los cuadros, las esculturas, las sombras son recurrentes. Las casas de las dos madres son equivalentes: burguesa una, bohemia la otra, son viviendas de intelectuales elegantes, que se rodean de objetos artísticos. Las esculturas –africanas en una, clásicas en la otra– son todas representaciones de figuras humanas, dobles de los personajes, también criaturas del arte. Los cuadros, en los que se hace hincapié, reduplican esas imágenes humanas. El acento puesto en la iconografía se hace pesado, sobre todo ante el grabado del Juicio de Salomón que cuelga en la mansión de Ariane, o la talla con dos cabezas que parece presidir el departamento de Isabelle: obviedades innecesarias. Todo semeja una escenografía –Ariane es escenográfa– donde se desarrolla la comedia (¿de la inocencia?). La fotografía también acentúa la indiscernibilidad, desvaneciendo por momentos los contornos.

La duplicidad toma otros giros. Esta es una película sobre la niñez y sus conflictos, sus fantasías y sus crisis. Pero ¿quién es el niño y quién el adulto? Tanto Ariane como Serge tienen conductas muy infantiles, están aferrados a sus juguetes de  infancia y viven en la casa familiar, en cuyo sótano conservan el mobiliario original, incapaces de despegarse del pasado y los misterios familiares. Hay algunas lagunas en la narración, producto de la trasposición no muy ajustada de la literatura al cine, que si bien no llegan a anular el interés de la intriga, le agregan otro poco de confusión. Este thriller psicológico va creando una expectativa pinchada al final, o frustrada, porque la solución no mantiene el tono laboriosamente logrado. Si durante una hora y media parecía que estábamos transitando por los mundos paralelos, fantásticos, tan caros a Borges y a la literatura del siglo XX, en los que no existe certeza, la resolución resulta trivial. Los personajes secundarios –la mucama y niñera, amante del tío Serge, la vecina con su actitud contradictoria, el padre ausente que no termina de llegar (y esa culpable ausencia de padre es una de las moralejas del film)– agregan otra dosis de incertidumbre que ya nunca será despejada. Lo preferimos así.

Si el film encuentra un buen sustento en las excelentes interpretaciones, Isabelle Huppert corrobora una vez más que es una actriz extraordinaria. Tiene la escuela de interpretación francesa arraigada hasta el tuétano. Su expresión va de la desorientación a la entrega pasiva, de la distancia y la duda a la fría –tal vez demasiado fría– determinación. Y el último, largo plano de su mirada es el doble del plano final, reciente pero ya inolvidable, de Gracias por el chocolate.

Josefina Sartora     

FA 4935

Raúl Ruiz - Klimt (2006)

La obra de Gustav Klimt es una arrebatadora combinación de sensualidad, expresividad y pasión y, como su propia vida, está dedicada por entero a las mujeres. Fue un artista muy adelantado a su tiempo que obtuvo el reconocimiento en París pero el desprecio en Viena, su ciudad natal, donde se le tachó de escandaloso. Klimt vivió la vida igual que la pintó. Tuvo romances con sus modelos y musas, relaciones de las que nacieron 30 hijos aproximadamente.


En sus cuadros y dibujos, Klimt creó una imagen completamente nueva de la mujer y un nuevo ideal de belleza aún vigente hoy día. La eterna búsqueda de perfección, erotismo y amor del artista se refleja en sus obras y se expresa en esta historia a través de su apasionada relación con la bailarina y actriz francesa Lea de Castro.


La historia arranca en el pabellón austríaco de la Exposición Internacional de París de 1900, donde Klimt es galardonado con una medalla de oro por su obra. Allí conoce al mago del cine Méliès, que le presenta a Lea de Castro. La bailarina encarna a la musa de sus sueños así como a su ideal erótico y sus deseos carnales. También conoce al misterioso "Secretario de Estado", que a lo largo de la película hostiga la inestable cordura del artista. El director Raúl Ruiz muestra el enfrentamiento de Klimt con las autoridades austríacas y con la alta sociedad vienesa, surgido a raíz de las alegorías "escandalosas" del pintor y que desemboca en un dramático incidente en el que Klimt roba del edificio de la Secesión de Viena sus cuadros incautados por el Estado, que finalmente se ve obligado a comprar para evitar el encarcelamiento. Ruiz se sirve de hechos, conversaciones y citas del círculo de amigos de Klimt y otros personajes contemporáneos a él para dotar de autenticidad a la acción con la aparición esporádica de figuras como Schiele, Altenberg, Bahr y Wedekind, que labraron el tejido cultural que envolvía las cafeterías de la Viena del cambio de siglo.


La trama de la película se centra en la pasión de Klimt por Lea de Castro, su lucha por la libertad artística y su eterna pero platónica relación con Emilie Flöge. La amistad íntima que le unió al artista Egon Schiele compone la voz narrativa de la película. La interpretación que Raúl Ruiz hace de la vida de Klimt es una extraordinaria plasmación visual y musical de los hechos históricos. El director indaga en la eterna búsqueda de perfección, erotismo y amor de Klimt; en su incansable exploración de una nueva forma expresiva; en su rechazo del clima social y artístico de la época; en la agitación que vivió Viena con la llegada del siglo XX; y en el declive del Imperio de los Habsburgo.


La creación de Raúl Ruiz es un virtuoso homenaje a un artista y a su vida, con la Belle Époque como sugerente telón de fondo histórico. 

FA 4933

Tate Taylor - The Help (2011)

JACKSON 1960

"Drama sobre el inicio del movimiento igualitario en Norteamérica, tan pleno en alma cómo en tópicos, elevado por un excelente elenco de secundarias."

Kathryn Stockett, joven novelista natural de Jackson, sorprendió en 2009 a la crítica literaria con su obra debut, The Help (en España, Criadas y Señoras). Un éxito que le otorgó a su primera creación el estatus de “best-seller”, abriendo las puertas a su exportación intercontinental. The Help es un retrato de las empleadas afroamericanas del servicio doméstico al principio de los años sesenta en el propio Jackson, Mississippi. Una época donde la disgregación racial y las obsoletas leyes estadounidenses apartaban a la raza negra como un simple recurso laboral para las clases pudientes. Una novela valiente y llena de sentimientos que este año ha encontrado su reflejo cinematográfico con un filme homónimo dirigido por Tate Taylor e interpretado por Emma Stone, Viola Davis, Octavia Spencer, Jessica Chastain y Bryce Dallas-Howard.

Criadas y señoras (The Help, Tate Taylor, 2011), al igual que el libro en el que se basa, se ha convertido en el título “sleeper” de esta temporada. Una revelación fruto de su excelente acogida popular en el siempre difícil mercado estival (fue número uno en la taquilla americana cuatro semanas consecutivas) y críticas notables por parte de la prensa especializada. Con todos estos ingredientes, The Help se ha convertido en una de las más sólidas aspirantes al Óscar. Nadie duda de su presencia en Febrero en el Kodak Theatre de Los Ángeles como nominada a mejor película. Un triunfo para una cinta con personalidad, narrada con pasión, plena en alma y estructurada en las excelentes interpretaciones de un elenco donde brillan, con luz propia, sus actrices secundarias. Un largometraje tan completo en todos sus apartados como cargado de tópicos.

Eugenia “Skeeter” Phelan (Emma Stone) vuelve a Jackson con el sueño de comenzar una carrera como periodista y escritora. Su oportunidad llegará, desde la raíz de su infancia, con el dibujo de la situación de las sirvientas de raza negra que copan los domicilios de su ciudad. Con la ayuda de dos de éstas, Hilly Hoolbrook (Viola Davis) y Minny Jackson (Octavia Spencer), elaborará una novela sobre las vivencias de estas mujeres y su influencia en todos los hogares de la ciudad de Mississippi. Un hecho que levantará ampollas entre la clase alta y funcionará como un inicial reducto del movimiento que después invadió Norteamérica: igualdad de condiciones. Todo descrito de manera elegante y académica, apoyada en un buen ritmo que hace a Criadas y señoras una cinta muy accesible para todos los públicos.

Pese a la carga sentimental que se le supone a una producción de estas características, el filme camina con sobriedad sin caer en la pedantería y la lágrima fácil. Una honestidad que se eleva al cuadrado con la presencia de Viola Davis y Octavia Spencer. Ambas roban cada plano y se convierten en las grandes protagonistas de Criadas y señoras con unas interpretaciones magníficas. Davis, mesurada y enternecedora; Spencer, expresiva y temperamental, logran que la historia que compone la joven aprendiz de periodista tenga completo sentido. Su premio, junto al aplauso de la platea, será estar en las butacas del Kodak en busca de la estatuilla dorada. La exhibición de estas dos damas viene complementada por la buena labor del resto de un largo reparto donde se asoma la figura de Jessica Chastain como un alternante contrapunto dramático/cómico.

Por contra, en el lado negativo, Criadas y señoras aunque intenta huir del fácil sentimentalismo no logra desembarazarse de los estereotipos clásicos de obras sobre el racismo. Unido a una visión suavizada de unos hechos muy duros denotan cierta falta de valentía en el guión del propio Tate Taylor. Es el precio de la complacencia. La búsqueda de gustar a todo el mundo, algo nada achacable pero que le aleja de un resultado más sugestivo. Sin variar las bases del drama, el largometraje deja un halo positivo y un agradable poso tras su visionado. El relato contado tan sólo es el inicio de uno de los episodios del siglo XX donde el ser humano, demuestra, ser humano.

“Nuestra recompensa se encuentra en el esfuerzo y no en el resultado. Un esfuerzo total es una victoria completa.”
Mahatma Gandhi.

FA 4906

Armando Bo - El último Elvis (2012)

Por Juan Pablo Cinelli

Imaginar una película en la cual la premisa es contar las desventuras de un imitador de Elvis que trabaja en una fábrica de cocinas y vive en un barrio populoso del sur del Gran Buenos Aires parece, a priori, un camino de ida hacia la comedia. Y un poco así es como empieza El último Elvis, ópera prima de Amando Bo, hijo de Víctor Bo, el Delfín de los superagentes, y nieto del legendario director de las películas de Isabel Sarli. La sola mención de semejante árbol genealógico es en sí mismo un incentivo a la curiosidad y no es extraño que quienes conozcan el prontuario cinematográfico de la familia Bo sientan deseos de saber qué clase de película será ésta. El caso es que los de sus ancestros no son los únicos antecedentes de Armando Bo nieto: él es además uno de los guionistas de Biútiful, primera película del famoso director mexicano Alejandro González Iñárritu luego de romper su relación profesional con Guillermo Arriaga, el guionista de sus primeras tres películas (las exitosas y maniqueas Amores perros, 21 gramos y Babel). De hecho, que el propio Iñárritu figure en los créditos como productor puede hacer que muchos miren de costado con algo de desconfianza. Y no sin razón: El último Elvis comienza como una comedia amarga y sigue como drama íntimo, pero termina como una de Iñárritu.

Durante el primer acto de la película se presenta a Carlos Gutiérrez como un proletario roquero que se gana unos pesos imitando a Elvis Presley en cumpleaños, fiestas y eventos de todo tipo. Las escenas de él entre una multitud de dobles amontonados en la agencia encargada de conseguirles trabajo bien pueden ser el inicio de una comedia que se propone marchar por las diagonales del absurdo. Pero no es así. El último Elvis, aun con humor, comienza a volverse seca, realista, y el espectador descubrirá en Carlos ciertos desequilibrios. Que haya bautizado Lisa Marie a su hija e insista en llamar Priscilla a su ex cuando ése no es su nombre, irá dándole al cuento una pátina oscura. Como en el ensayo de Freud dedicado a Lo siniestro, lo que aparece cada vez con mayor nitidez es la figura del doble, con todas sus aristas ominosas y fantasmales. Pronto se sabrá que él no se siente un imitador: como ocurre con la santa trinidad cristiana, este hombre de patillas tupidas entrado en kilos es Carlos, pero al mismo tiempo también es Elvis (o así lo siente él). Los problemas con su ex, la distancia con Lisa, la frustración de la vida en una fábrica son las piezas de un detonador a punto de hacer estallar a Carlos. Es la crónica de un final anunciado.

No puede decirse que el guión tenga fisuras que merezcan marcarse, más allá de su impiedad con los personajes. Tampoco que la película falle en lo técnico, lo estético o en la producción: las locaciones son estupendas; la fotografía es buena; la puesta de cámara, inteligente; los actores están muy bien. Uno de los puntos fuertes de la película de Bo es su protagonista, John Mc Inerny. En la piel de este Elvis del conurbano, Mc Inerny consigue atraer al espectador tras de sí, ya sea por esa extraña y permanente mirada de hastío o por la magnífica voz con que el actor interpreta una decena de temas del repertorio clásico de Presley. Ese es el mayor mérito de la película y de Bo como director: haber encontrado el actor para su personaje. Pero, con la excusa de filmar como quien mira bonito, Bo abusa del preciosismo para perseguir a su personaje hasta acorralarlo sin salida. Que es cierto, es allí a donde el mismo Elvis quiso llegar. Sin embargo, hay un regodeo casi voyeurista en ese retrato magnífico de las miserias tomado casi por la fuerza. En la escena final, los recursos de una cámara súper lenta y el fuera de foco se complotan para mostrar en una sola toma lo mejor y lo peor de El último Elvis. El retrato que Bo traza de Carlos tiene muchas veces la perfección del hielo, un frío que desaparece cada vez que Elvis entra en escena. El debut de Armando Bo nieto como director merece verse, ya sea para amarlo o para pelearse con él.

FA 4900

Steven Silver - The Bang Bang Club (2011)

FOTÓGRAFOS DE LA MUERTE

Parece ser que poco a poco, lo que era un rumor a gritos en los “mentideros” fotográficos, se confirma. Dentro de algo menos de un mes, el 22 de Abril, se estrena en EEUU la película “The Bang Bang Club”dirigida por Steven Silver. Parece que aún no hay fechas para su estreno en Europa. Desconocemos, incluso, si se estrenará en la gran pantalla o irá directamente al DVD, como esas películas de Serie B con las que nos martirizan las sobremesas de los sábados y domingos la mayoría de cadenas de televisión.

Aunque a la mayoría de los mortales las palabras Bang Bang les sonará más a un famoso chicle de los años ochenta, en el ámbito fotográfico hablar del Bang Bang Club es hablar de palabras mayores. Se trataba de un grupo formado por cuatro reporteros gráficos (Joao Silva, Kevin Carter, Greg Marinovich y Ken Oosterbroek) que durante los primeros años de la década de los noventa fotografiaron la sangrienta lucha racial en Sudáfrica, los duros años de lucha contra el Apartheid. Desgraciadamente, los miembros de este grupo quizás hayan estado más en las portadas de los periódicos y en boca de muchos por las desgracias sufridas por la mayoría de sus miembros que por las instantaneas que obtuvieron durante esos duros años. El propio Joao Silva hablaba sobre el grupo en una entrevista realizada en 2009: “Greg fue el autor principal. Simplemente, éramos un grupo de amigos que cubría lo que pasaba en el país en ese momento. Pasábamos el tiempo juntos y vivíamos juntos. Una revista decidió hacer un artículo sobre nosotros. Ellos acuñaron el término Bang Bang Club. El Bang Bang Club nunca ha existido realmente; fue producto de la imaginación de alguien. Pero el nombre permaneció”.

No es mi intención destrozarles el desenlace de la película, créanme, pero tal y como sucedía con Titanic, éste por desgracia es bien conocido. En la primavera de 1994, Oosterbroek y Marinovich eran alcanzados en uno de los tiroteos de los enfrentamientos diarios que se daban en el país africano. El primero de ellos fallecía y el segundo, aunque fué herido de gravedad, logró salvar su vida. En Julio de ese mismo año, Kevin Carter(sí, efectivamente, el autor de la famosa fotografía de la niña -o niño- y el buitre – Ver “Sobre Kevin Carter y otros demonios”- ) se suicidaba, entre otros motivos, debido a la muerte de su gran amigo Ken (“He llegado a un punto en que el sufrimiento de la vida anula la alegría… estoy perseguido por recuerdos de muertos, de cadáveres, rabia y dolor. Estoy perseguido por la pérdida de mi amigo Ken…”, decía la nota que dejó antes de llenar su coche de monóxido de carbono).

Hace pocos meses conocimos que el cuarto fotógrafo del grupo, Joao Silva, era alcanzado por una mina en Afganistán y perdía ambas piernas (de hecho, merece la pena acceder a su página web para admirar la capacidad de lucha de este grandísimo fotógrafo). En definitiva, un grupo con una calidad fotográfica tan reseñable como su desgracia. Esperemos, de todas formas, que la película se centre más en sus vivencias como grupo y en sus sensaciones fotográficas que en el duro final del mismo…

He aquí un trailer de la película y algunas de las memorables imágenes que el Bang Bang Club nos dejó. Sin duda una clara muestra de los duros momentos que vivieron estos cuatro grandes fotógrafos…

FA 4889

Giorgio Diritti - L`uomo che verra (2009)

EL HOMBRE QUE VENDRÁ

De Giorgio Diritti. Con Maya Sansa, Alba Rohrwacher, Eleonora Mazzoni, entre otros. Música de Marco Biscarini y Daniele Furlatti. Duración: 114 minutos.

MUY BUENA. LA ESPERANZA DE VIVIR EN MEDIO DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL.

El film de Giorgio Diritti ganó el David di Donatello y el premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Roma, en el 2010. Estamos frente a una película de la mejor cepa del cine neorrealista italiano, dado que Diritti trabajó con actores no siempre profesionales.

Además, el realizador es boloñés y supo rescatar la historia “boca a boca” de los lugareños de Marzabotto, donde 800 personas fueron asesinadas por la SS de Hitler.

El hecho puntual se centra en la noche del 28 al 29 de setiembre de 1944 cuando estas fuerzas especiales de las tropas alemanas llevaron a cabo una redada sin precedentes que se ha conocido como “la masacre de Mazabotto”, que vio justicia recién en el 2007.

La protagonista es una niña de 8 años (Greta Zuccheri Montanari), quien quedó muda cuando su hermano menor murió a los pocos días de nacer. Su madre queda embarazada y ese nuevo niño es el que da título al film, en medio de escenas desgarradoras.

La producción es creíble, así como Diritti hace uso de una fotografía muy exquisita para recorrer las tareas del campo, lejos del costumbrismo pero pegado a la realidad cotidiana de esos pobladores. Es también una muestra de la descarnada subsistencia al frío, al hambre y a la amenaza de muerte de las tropas alemanas.

Se trata del segundo film del realizador y escritor Giorgio Diritti (“Il vento fa il suo giro”, 2005), que nos conmueve y nos hace recordar a aquel gran cine italiano de postguerra. Para muchos críticos, el film se queda en la anécdota o bien tiene problemas de guión. Para nosotros, es una gran película, que profundiza la herida que no cierra fácilmente dejada por el hitlerismo.

Diritti tiene una paleta realista, salpicada por pequeños momentos de bonanza. La película llega al corazón de la mano de esta pequeña, muda, que nos emociona por su valeroso paso a través de esta trágica historia.

Carlos Pierre

PASE LIBRE

FA 4881

Álex de la Iglesia - La chispa de la vida (2012)

Roberto (José Mota) es un ex publicista en paro, ahora abandonado por todo el mundo pero que tuvo su época de gloria cuando se le ocurrió la célebre frase de "Coca-Cola, la chispa de la vida". Pero los buenos tiempos pasaron y en la actualidad es un don nadie, un tipo desesperado, que intentando recordar sus días felices decide regresar al hotel de Mérida donde pasó la luna de miel con su mujer (Salma Hayek). Sin embargo, en lugar de un hotel, lo que encuentra es un museo levantado en torno al teatro romano de la ciudad extremeña. Mientras pasea por las ruinas, tiene un accidente que lo deja paralizado en el suelo, con una barra de hierro clavada en su cabeza... y sin poder moverse. Si se mueve, Roberto muere. Inmediatamente será el foco de atención del morbo y la noticia, lo que volverá a cambiar de nuevo su vida.

FA 4880

Mauro Bolognini - Libera, amore mio... (1975)

En plena era fascista, Libertad, hija de anarquista exiliado, no se queda impasible ante los atropellos del Duce y su régimen. Tanto es así que su pareja, sastre del ejército, es recriminado constantemente y la familia, con dos hijos, se ve obligada a mudarse de ciudad en ciudad. Así hasta que se establecen en Módena, donde las ideas de Libertad siguen trayendo constantes problemas. (FILMAFFINITY)

FA 4879

Jean-Marc Vallée - Café de Flore (2011)

Café de Flore” es un extraño rompecabezas en el que el director canadiense  Jean-Marc Vallée le pide al espectador unir cada una de las piezas para encontrar el significado y la conexión entre dos historias de amor, separadas en el tiempo y el espacio, ambas exposiciones claras de la necesidad humana de evitar la soledad a toda costa.

En Montreal, un exitoso DJ (Maurice) que admite tenerlo todo para ser feliz entra en una crisis existencial al debatirse entre la pasión por su nueva novia (Rose) y el sentimiento de tranquilidad que le generan su ex-esposa (Carole) y sus dos hijas. Carole, por su parte, no puede evitar sentirse perpleja  y desolada al ver cómo quien le jurara amor en su adolescencia y el único hombre que ha besado es capaz de abandonarla. Y Rose, a pesar de su amor hacia Maurice, no ha podido dejar de sentirse una causa de infelicidad para él.

La historia de Maurice, Carole y Rose esta intercalada con la de Jacqueline, una madre soltera en el Paris de los años 60s quien, al ser abandonada por su abusivo esposo, debe criar por sí sola a su hijo Laurent, quien tiene síndrome de Down. La sobreprotectora Jacqueline hace todo lo que esté a su disposición para lograr que Laurent tenga una vida normal, haciendo que en muchos momentos el amor que siente por su hijo le importe más que su propia vida.  El punto de quiebre de esta historia llega con la aparición de Vero, una niña con síndrome de Down de la que Laurent se enamora perdidamente.

El director Jean-Marc Vallée utiliza todo su talento para guiarnos y despistarnos a través de estas dos historias. Montreal se muestra luminosa y llena de tonos azules brillantes, mientras que París es más lúgubre, casi oscura, con tonalidades cafés y marrones. Las imágenes de ambas historias hacen un contraste que busca eliminar cualquier conexión que podamos hacer entre ambas, haciendo que cualquier clave sobre el verdadero significado de la película quede en los diálogos y sobre todo en la música. Y es que al igual que en su más famosa película “C.R.A.Z.Y.”,  Vallée hace un fuerte uso de la música y del silencio para dar más dramatismo a su historia.

“Café de Flore” se mueve lenta y en ocasiones llega a ser bastante compleja. Más allá de las dos historias sin conexión aparente, varios flashbacks hacen que la línea de tiempo se haga confusa por momentos, sobre todo en la historia de Maurice en Montreal, la cual tiene un carácter más existencialista. Por otro lado, la historia de Jacqueline en París, aunque la más dramática de las dos, es quizás la que se mueve más rápido, guiada por la excelente actuación de Vanessa Paradis, quien en un reparto de muy buenos actores, logra en cada una de sus escenas robarse el show.

A pesar de su aparente lentitud y desconexión, Vallée logra que su película  nos desconcierte  por momentos y nos enganche en la búsqueda de resolver un misterio que a medida que avanza el tiempo se hace más complejo, permitiendo que en el momento en el que todo se revela se sienta un giro extremadamente inesperado que cambia el significado de todo lo que hasta el momento habíamos visto.

FA 4878

Jean-Jacques Beineix - La lune dans le caniveau (1983)

Int: Gérard Depardieu, Nastassja Kinski, Victoria Abril, Bertice Reading, Gabriel Monnet, Dominique Pinon, Milena Vukotic, Vittorio Mezzogiorno, Bernard Farcy, Anne-Marie Coffinet

En los callejones sórdidos de una ciudad portuaria, Gérard, un estibador, busca obsesivamente el violador de su hermana, la cual, no soportando la infamia y el horror, se había suicidado. Un día él es sacudido por una bella joven (Loretta) al volante de un magnífico Ferrari rojo. Este es el punto de partida para una historia de amor imposible, en un clima de soledad, venganza y desesperación. (FILMAFFINITY)

FA 4955

Takashi Miike - Bijitâ Q (2001) (Visitor Q)

Int: Kenichi Endo, Fujiko, Jun Moto, Shoko Nakahara, Ikko Suzuki, Shungiku Uchida, Kazushi Watanabe

Un reportero televisivo, que cayó en el olvido profesional tras haber sido atacado por jóvenes pandilleros (quienes lo violaron con el micrófono y grabaron toda la escena en una cámara), trata de realizar un documental acerca de la violencia juvenil y el sexo. Para ello mantiene relaciones sexuales con su propia hija y observa a su propio hijo mientras es humillado por tres compañeros de colegio. En su casa el panorama es poco alentador, con una esposa adicta a las drogas y que sufre violentos golpes por parte de su hijo. En este marco abyecto ingresa un extraño, denominado 'Q', quien se integra a la familia como un visitante e interactúa con todos provocando fuertes cambios en los individuos, como por ejemplo, la aparición del interés por la necrofilia por parte del padre (que lleva a cabo en un invernadero), o la explosión de las cualidades lactantes de la madre (que ocurre en la cocina del hogar). (FILMAFFINITY)

FA 4953

Paul Schrader - Mishima A Life in Four Chapters (1985)

Int: Ken Ogata, Kenji Sawada, Yososuke Bando, Hiroshi Mikami, Masayuki Shionoya

Producida por Coppola y Lucas, "Mishima" es un retrato biográfico del consagrado autor japonés Yukio Mishima. La película investiga la inquietud interior y las contradicciones de un hombre que trató de alcanzar una imposible armonía entre sí mismo, el arte y la sociedad. La trama se centra en el día en que Mishima conmocionó al mundo, al hacerse en público el seppuku o harakiri (25 de noviembre de 1970), en el Cuartel General del Ejército. El relato está salpicado de flashbacks para contar diversos episodios de su infancia, sus comienzos como escritor, el posterior triunfo profesional, su tranformación en estrella mediática, sus obsesiones por la belleza física y sus ambiguos gustos sexuales, así como la creación de la "Sociedad del Escudo". Los diversos episodios (1. La belleza; 2. Arte; 3. Acción; 4. Armonía de la pluma y la espada) evocan asimismo estilizados fragmentos de sus obras de ficción más reputadas (El pabellón de oro, La casa de Kyoto y Caballos desbocados). La fotografía de John Bailey, los exquisitos decorados y vestuario de Eiko Ishioka y la inolvidable banda sonora de Philip Glass (ganadores todos ellos del Premio a la Mejor Contribución Artística en el Festival de Cannes 1985) convierten el film en un homenaje a los ideales e inquietudes de Mishima y, además, en un un audaz trabajo de investigación sobre el arte. (FILMAFFINITY)

FA 4950

Mike Cahill - Another Earth (2011)

Int: Brit Marling, William Mapother, Jordan Baker, Flint Beverage, Robin Taylor, Kumar Pallana

Rhoda Williams, una brillante joven que acaba de ser aceptada en un programa de astrofísica del MIT, aspira a explorar el universo. John Burroughs, un compositor que acaba de alcanzar la cima de su carrera, está a punto de ser padre por segunda vez. Rhoda y John no se conocen, pero la víspera del descubrimiento de un Planeta Tierra duplicado tiene lugar una horrible tragedia que entrelaza y altera de modo irreversible sus vidas. (FILMAFFINITY)

FA 4951

Lars von Trier - Europa (1991)

Int: Jean-Marc Barr, Barbara Sukowa, Udo Kier, Ernst-Hugo Järegård, Erik Mark, Jergen Reenberg, Henning Jensen, Eddie Constantine

Tras la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), Leo Kessler, un joven americano de origen alemán, se traslada a Alemania para trabajar con su tío en una compañía de ferrocarriles. Su trabajo le permitirá viajar, fascinado, por un país destruido por la guerra; pero también tendrá que enfrentarse poco a poco a los horrores de la barbarie nazi. (FILMAFFINITY)

FA 4954

Alexandre Bustillo - Julien Maury - À l'intérieur (2007)

Int: Béatrice Dalle, Alysson Paradis, Nathalie Roussel, François-Régis Marchasson, Jean-Baptiste Tabourin, Dominique Frot, Claude Lulé

Una mujer embarazada y viuda (Alysson Paradis), cuyo novio ha fallecido recientemente, pasa la noche de navidad a solas, completamente afligida por la pérdida del padre de su bebé, cuando una extraña (Béatrice Dalle) se presenta en su casa... (FILMAFFINITY)

FA 4952

Jules Dassin - Thieves' Highway (1949)

Int: Richard Conte, Valentina Cortese, Lee J. Cobb, Barbara Lawrence, Jack Oakie, Millard Mitchell, Joseph Pevney, Morris Carnovsky, Tamara Shayne, Kasia Orzazewski, Norbert Schiller, Hope Emerson

Nick Garcos, un camionero que se gana la vida transportando fruta en durísimas condiciones, decide no someterse a las presiones de los dirigentes de sindicatos mafiosos que en su día estafaron y mutilaron a su padre. (FILMAFFINITY)

FA 4949

Henning Carlsen - Sult (1966)

Int: Per Oscarsson, Gunnel Lindblom, Birgitte Federspiel, Knud Rex, Hans W. Petersen, Henki Kolstad, Roy Bjørnstad

Un escritor anónimo malvive por las calles de Kristiania (antiguo nombre del Oslo actual) intentando vender sus escritos a las revistas. Adaptación de la magna novela del noruego Knut Hamsun, Premio Nobel de Literatura en 1920. (FILMAFFINITY)

FA 4946

Jean Becker - Élisa (1995)

Int: Vanessa Paradis, Gérard Depardieu, Clothilde Courau, Sekkou Sall, Philippe Léotard, Catherine Rouvel, Michel Bouquet, Florence Thomassin

Cuando su marido la abandona, Elisa intenta matar a su hija María y luego se suicida. María, sin embargo, sobrevive y crece en un orfanato. Veinte años más tarde, el pasado turbulento de María se refleja en su estilo de vida. Ella y su amiga Solange se ocupan de robar en tiendas y causar problemas. Cuando descubre dónde está viviendo su padre desaparecido, María se pone a buscarlo, con la intención de matarlo. Cuando se encuentra con él, ve que no resulta ser el desalmado que ella esperaba.

FA 4947

Erkko Kivikoski - Kuuma kissa (1969)

Una joven profesora que rehuye de los hombres a causa de una reciente ruptura sentimental, un rebelde alumno suspendido por ser hallado en estado de embriaguez, ella se ofrece a ser su tutora, poco a poco se irán acercando tanto física como emocionalmente...

Kuuma kissa? es una película perteneciente al periodo de la nueva ola finlandesa de cine, este movimiento cinematográfico fue directamente influenciado por el free cinema y la Nouvelle vague, y dio un nuevo impulso al cine finlandés el cual se encontraba en un periodo de crisis, pues en aquellos años se había impuesto la televisión al cine, los grandes estudios iban quebrando y se acababa la forma clásica de la producción cinematográfica. Bajo aquel panorama se produjo la irrupción de una nueva forma de hacer cine, más económica, más libre, cámara en mano, con una profunda preocupación por lo social, por investigar nuevas formas y recursos narrativos. La película que presentamos es una obra pequeña que sirve de botón de muestra de aquel periodo del cine en finlandia.

Kuuma kissa es ante todo una historia de amor, sus protagonistas son dos seres que si bien están integrados en la sociedad, no están contentos con ella, y cada uno de diversa forma se aisla a modo de protección. Dentro de esta dualidad sus formas de rebeldía resultan del todo vacuas e inútiles. De esta forma, estos dos seres desangelados comenzarán poco a poco a trabar relaciones, poco a poco irán saliendo de ese estado en que se encontraban vueltos hacia si mismos y poco a poco irán cayendo las barreras del Yo cuando comiencen a sentir que han encontrado algo verdadero dentro de un mundo que poco y nada les ofrecía...

FA 4926

Werner Herzog - Glocken aus der Tiefe – Glaube und Aberglaube in Rußland (1993)

Las Campanas del Alma

En un rincón perdido de Siberia, los hombres creen en chamanes, exorcistas, nuevos Mesías y en una leyenda que habla de un lago cuyas profundidades dejan escapar el sonido de las campanas de una catedral. Según esta leyenda, hace siglos, la ciudad de Kitesh, amenazada por una invasión mongola, fue salvada por Dios que hizo que el lago Swetloyar engullera a sus enemigos. Este documental causó cierta polémica en Rusia por presentar Siberia como una región de cultura profundamente primitiva y dominada por las supersticiones y la mística.

Werner Herzog observa a los curanderos en Siberia, que se autodenominan salvadores y se hacen pasar por sucesores de Cristo, y a personas que en el lejano lago Svetlojar llevan a cabo extraños e inexplicables rituales. 
Un hombre se arrastra sobre el hielo seguido de otro hombre. La concentración se dirije hacia abajo, a las profundidades, desde donde supuestamente se oyen campanas. El motivo, que se recuerda en muchas leyendas europeas, se centra en la nostalgia por lo desaparecido, lo invisible, que en determinados momentos puede volverse perceptible. Como en la mayoría de sus supuestas obras documentales, Herzog renuncia a las explicaciones verbales, simplemente graba lo que le fascina; en este caso transmite esporádicamente un poco de información adicional o traduce la versión original mediante la voz en off. Habría sido fácil dar al espectador algunas explicaciones sobre el vacío en la doctrina de la salvación y las utopías tras la desintegración de la Unión Soviética, pero Herzog confía estas consideraciones al raciocinio del espectador. Así a veces da la impresión de que al director de cine le dé vergüenza, por respeto a las personas, desvelar sus verdaderos o supuestos misterios. 
En la región del curso superior del río Yeniséi, Herzog encuentra unas humildes cabañas; dentro se encuentran varias personas, todas calladas; un hombre lleva cabo un ritual con fuego, humo y agua y los presentes beben de un cuenco. Una mujer explica: “Estamos enfermos”. El chamán debe exorcizar los malos espíritus e indicar el buen camino a la tribu nómada. A modo de acompañamiento se oyen constantemente los extraños cantos siberianos. 
Una mujer anuncia que el salvador ha llegado y que desean unirse a él. Y el mismo “salvador”, una mezcla de Rasputin, un cuadro del Nazareno y un traje bávaro típico de Oberammergau, declara impertérrito: “¡Yo solo digo que soy la palabra del Padre!” La cifra de estos autodenominados sucesores de Cristo ―esto lo ha expicado Herzog en una mesa redonda― crece constantemente. Otro salvador afirma que transmitirá energía al agua y a los ungüentos, y mueve los brazos como si dirigiese a un espíritu. También Yuri Tarassow le dice seguro al sanador: ”Yo, el mago ruso, os ordeno…!” Sobre un escenario hay mujeres que sufren ataques de histeria, reales o aparentes, no lo decidimos nosotros; lloran y piden al mago que tenga la piedad de curarlas. 
En las profundidades del lago Kitezh hay una ciudad sumergida, que corrió tal suerte porque Dios quiso salvar a los devotos del ataque de los tártaros. En las proximidades se encuentra una colina; un anciano la rodea a cuatro patas, sería la “septima colina de Jerusalén”. Una mujer cuenta que ha visto a un demonio, que un cerdo se ha vuelto loco y que ha oído las campanas de las profundidades. Al fondo, los hombres se arrastran sobre el fino hielo que cubre el lago; lo que tienen debajo no siempre parece sólido. Pero ―hay que fijarse bien porque Herzog lo muestra solo de refilón― el lago también lo utilizan los pescadores y los patinadores.  

Un hombre toca un carrillón en un castillo; dice que quiere alegrar a la humanidad con su “arte”. Antes era operador de cine. Cuenta que fue un niño huérfano y que no sabe nada de sus padres. Nos enteramos de que el hombre nació en 1944. Herzog se abstiene de evocar el trasfondo de la Segunda Guerra Mundial, los horrores de la historia; la relación entre pasado, presente y la profunda nostalgia, que puede ser racional o irracional, la salvación la ha de crear el propio espectador. También resulta reveladora la relación de suspense entre los primeros planos y los planos abiertos e infinitos, en los que las personas aparecen pequeñas y perdidas, una estética que ya se podía apreciar en la película de Herzog de 1974, Jeder für sich und Gott gegen alle; también esa historia del niño expósito Kaspar Hauser trataba de la pérdida de uno mismo en la inmensidad del mundo. (H.G. Pflaum, Goethe Institut)

"Hay algo muy profundo en los rusos. Estoy casado con una rusa de Siberia y mucha de aquella gente tiene profundas creencias y supersticiones. Creo que tienen muy indefinido el límite entre fe y superstición. La pregunta era la siguiente: ¿Cómo representar el alma de una nación entera en una hora de película?" Werner Herzog

FA 4931

Barbet Schroeder - Kiss of Death (1995)

Int: Nicolas Cage, David Caruso, Samuel L. Jackson, Michael Rapaport, Stanley Tucci, Helen Hunt, Ving Rhames, Kathryn Erbe, Anthony Heald, Philip Baker Hall

Al salir de la cárcel, Jimmy Kilmartin, antiguo ladrón de coches, rompe toda relación con los antiguos colegas que lo traicionaron y decide empezar a vivir honradamente. Sólo mantiene contacto con su primo Ronnie, propietario de un taller de reciclado de vehículos robados. Una tarde Ronnie le pide que sustituya a uno de sus conductores, pues debe enviar los coches manipulados a su patrón, un gángster violento y asmático llamado Little Junior. Aunque al principio Jimmy se muestra reacio, acaba aceptando, pero cuando llega a su destino, el convoy es rodeado por la policía. Su compañero, asustado, dispara y hiere a uno de los agentes; Jimmy es condenado a cadena perpetua. Sin embargo, tres años después, sale en libertad condicional tras alcanzar un pacto con la policía: deberá volver con la banda de Little Junior y ganarse su confianza, para que la policía los pueda atrapar con las manos en la masa. Para Jimmy ese pacto representa la oportunidad de vengarse de los que lo traicionaron; lo malo es que Little Junior descubre su juego y planea vengarse de él. (FILMAFFINITY)

FA 4925

Gaspar Noé - Seul contre tous (1998)

Int: Philippe Nahon, Blandine Lenoir, Frankie Pain, Martine Audrain, Jean-François Rauger

Francia, 1980. Un carnicero (Philippe Nahon) vive solo con su hija tras ser abandonado por su mujer. Un día la niña tiene su primera regla y corre hasta la carnicería de su padre que, al ver la sangre, cree que la pequeña ha sido violada. El carnicero sale enfurecido de la tienda y acaba agrediendo a un inocente. La niña es internada y él encerrado en prisión... (FILMAFFINITY)
FA 4927

Harmony Korine - Gummo (1997)

Un grupo de jóvenes marginales pasan sus días flirteando con la delincuencia y las drogas en Xenia, Ohio, un pueblo devastado por un tornado años atrás y que sigue viviendo en la miseria que este hecho provocó. Estos jóvenes viven como desechos sociales, como los restos del tornado y sus aspiraciones en la vida pasan por matar gatos de la forma más cruel e imaginable, robar en tiendas, esnifar pegamento y descubrir la sexualidad con deficientes mentales. Entre estos personajes, encontramos a una madre que quiere que su hijo aprenda a bailar claqué en memoria de su difunto marido; una joven que busca desesperadamente su gato por todo el pueblo y un chico que va paseando por las calles con unas enormes orejas rosas de conejo. (FILMAFFINITY)

FA 4928

Roger Vadim - Barbarella (1968)

Int: Jane Fonda, John Phillip Law, Marcel Marceau, David Hemmings, Ugo Tognazzi, Anita Pallenberg, Milo O'Shea, Claude Dauphin

Año 40.000. Planeta Lythion. La intrépida Barbarella aterriza en un misterioso planeta donde vivirá toda clase de aventuras, peligros y placeres. Obra de culto del género fantástico de serie B que ha envejecido bastante mal. (FILMAFFINITY)

FA 4930

William Friedkin - Cruising (1980)

Cruising" la polémica película protagonizada por Al pacino en 1980 vuelve remasterizada.
La película dirigida en 1980 por William Friedkin y protagonizada por Al Pacinom, paso sin pena ni gloria por los cines norteaméricanos. Fueron más las voces en contra que a favor, sin embargo, 27 años después vuelve para un público que quizá no hay ni oido hablar, remasterizada, primero un gran estreno en las principales ciudades de EEUU y posteriormente su lanzamiento en DVD.

ARGUMENTO.

Un asesino en serie, se dedica a matar a todos sus compañeros de juegos sexuales sadomasoquistas en la ciudad de Nueva York. El policía Steve Burns es el encargado de infiltrarse en el sórdido ambiente sadomasoquista homosexual neoyorquino y aprender sus "códigos de conducta" que rigen este tipo de garitos, para intentar descubrir al responsable de los asesinatos. Pronto se alejará de su novia, dejándose fascinar por este nuevo mundo.

Director : William Friedkin
Protagonistas : Al Pacino, Paul Sorvino, Karen Allen, Richard Cox

FA 4905

Tetsuya Nakashima - Shimotsuma monogatari (2004) (Kamikaze Girls)

La historia, basada en una novela de Novala Takemoto (creador de las novelas Lolita), toma como uno de sus temas principales la moda reciente de jóvenes japonesas con vestidos salidos de pinturas victorianas con un toque de Alicia en el País de las Maravillas a las que se han pasado a denominar como Lolitas. Esta moda ya tiene sus variaciones como el estilo Gothic Lolita. (FILMAFFINITY)

FA 4904

          

Lukas Moodysson - Ett Hål i mitt hjärta (2004)

Un hueco en mi corazón

Rickard utiliza su sórdido apartamento para rodar películas porno. Su hijo Eric, un muchacho enfermizamente tímido, se pasa el día en su habitación, y se aturde con música para no escuchar los gemidos de los actores, aunque a veces espía las escenas. Rickard hace mucho que va cuesta abajo, está en las últimas, aún así sigue considerándose una estrella del género. Cuando bebe, su megalomanía se vuelve inquietante y peligrosa, cuando comparte botella con su pareja de actores favoritos, tan rotos como él, son tres kamikazes sin límites ni normas. (FILMAFFINITY)

FA 4903