Jacques Rivette - Hurlevent (1985)

En la Alta Provence, en los dominios de Hurlevent, Catherine (Fabienne Babe) y Guillaume Sévenier (Olivier Cruveiller), hermano y hermana, se ven enfrentados a causa de Roch (Lucas Belvaux), un niño abandonado, acogido por su padre en la casa de campo. La relación que une al salvaje Roch y la fina Catherine trasciende las barreras de la fraternidad o el amor convencional, y provoca los celos de Guillaume que hace todo lo posible por denigrar a Roch, y separarlo de su hermana. Durante una escapada clandestina, Roch y Catherine descubren las tierras donde se encuentra la mansión de una familia adinerada: Isabelle Lindon (Alice de Poncheville) y su hermano Olivier (Olivier Torres), son los burgueses hijos de esta familia. Atherine se relaciona con ellos, y unas semanas más tarde, Olivier pide su mano. Roch huye, y solo reaparece tres años más tarde, rico y algo más refinado. No obstante, aunque Catherine se haya casado y Roch se haya civilizado, el tormentoso vínculo que los une sigue intacto..

Integrante de la llamada “Banda de los cuatro” que conformaban Godard, François Truffaut y Eric Rohmer, Rivette fue uno de los principales ideólogos de aquel movimiento que a mediados de los años ’50 –primero desde las páginas de Cahiers du cinéma y luego con sus propios films– revolucionó el cine mundial. Para el crítico Marc Chevrie, “los primeros films de Rivette ya establecen un universo: teatro, complot, laberinto. Y luego se establece un método: el azar, la no premeditación, el juego, equilibrado por la gravedad existencial y el peso de una vivencia”. Según Serge Daney, “Rivette es uno de los grandes filmadores del cine francés. Devorador de imágenes, es un cineasta puro, es decir, alguien que no tiene un tema, que desconfía de los temas. El mundo rivettiano está hecho de las maquinaciones de los intrigantes y del pánico escénico de los actores”. (Pàgina 12)

Es la densidad de su plástica, como pintura en movimiento, la suave gradiante de sus tonalidades siempre en equilibrio y el espacio y sus volúmenes, su luz que lo convierte todo en sensual, incluso esta historia de aislamiento y miseria... es todo ello lo que hace de esta película algo extraño y excepcional que no acabo de entender.El cine de Jacques Rivette es una condición del espacio, del tiempo y de la narración cuya imposición inmóvil él torna grácil y encantadora filmándola como sueño. Su representación parece teatral y acaba yendo más allá del teatro, al cine, que es donde le corresponde.El relato de miseria se extiende y la condición de tirano acaba prevaleciendo. Resultan escalofriantes imaginadas después esas montañas bellísimas de cielos suaves hacia el último atardecer, las que vemos al principio acompañadas de las voces búlgaras. Esa dimensión del espacio, salvaje, agreste, aislado, con esos sonidos que como los coros clásicos de las tragedias anuncian ya lo inevitable. Entre el cielo y las montañas no hay escapatoria. En ese espacio donde todo parecía estar previsto a una perpetuación de los tiempos, el elemento extraño, ese hijo de la fortuna que podría ser otro Edipo sin padre ni madre, apartado por la misma condición de perpetuación, acaba sustituyendo todo ese universo. Todo se quiebra por lo mismo que lo perpetuaba. Una grieta interior.(Imagogima)

FA 3798

Roberto Rossellini y Marcello Pagliero - Desiderio (1946)

Una chica impulsada al vicio por la ciudad regresa a su pueblo cuando un amor verdadero finalmente parece iluminar su vida. Pero el pecado está en ella, y ella sin darse cuenta se entrega a todos los hombres que se acercan incluyendo a su cuñado. Otro hombre que la desea la chantajea, amenazando con revelar su pasado al novio que está por llegar. La intervención del cuñado y un incidente con la hermana agravan la situación...

La filmación comenzó en el verano del 43 con el título de “Scalo merci”, dirigida por Roberto Rossellini. La película fue interrumpida y se reanudó después de la guerra bajo la dirección de Pagliero, que cambió el guión. Estrenada en julio de 1946, fue retirada de circulación por la censura.

FA 3799

Valerio Zurlini - Estate violenta (1959)

Verano violento

Verano de 1943. Carlo y su pandilla pasan el verano entre bailes, excursiones y juegos en la playa. Gracias a su influyente padre, Carlo se está librando de entrar en el ejército. Se está enamorando de Roberta, una mujer mayor que él y la relación parece progresar.

Como varias películas de Naruse con las que tiene un sorprendente parecido, “Estate violenta” es un artefacto de precisión en el que nada parece milimetrado, sino producto de la inspiración. Nunca se llega a saber cuánto puede haber en las más brillantes escenas que la jalonan (las dos fiestas, la tarde en el circo, la escena de la playa desierta al amanecer, el bombardeo al tren) de trabajo previo de guión y preparación y cuánto de ideas de rodaje que potencien el efecto final, pero en pocas películas se puede ver una mejor utilización de la profundidad de campo, un mejor aprovechamiento de toda la dimensión del plano, un mejor uso de la fotografía, el vestuario y la música o unas interpretaciones tan perfectamente moduladas (Eleonora Rossi Drago, hermosa y trágica, Trintignant en su mejor papel junto al de “Il sorpasso” de Risi) de manera que no se quiebre el delicado equilibrio de la puesta en escena, triunfante en ese muy complicado campo del romanticismo, del que es uno de sus más perfectos ejemplos.

La dosificación de sus elementos es perfecta; no se trata de una película “adornada” con un esqueleto convencional. Realmente parece que nadie nunca antes hubiese rodado el deseo, la clandestinidad de los amantes, un beso robado mientras suena “Temptation”. La limpieza y la esencialidad de estos momentos, que parecen sacados de un tratado de emplazamiento de cámara, de encuadre y de ritmo, es ejemplar.(postcefalu.blogspot.com)

FA 3800

Valerio Zurlini - La Prima Notte di quiete (1972)

La primera noche de quietud

Alain Delon interpreta a Daniele Dominici, un docente erudito totalmente desencantado con la vida, jugador y bebedor, quien cambiará el rumbo de su vida al mudarse a la ciudad marítima italiana de Rímini. Convive con Mónica (Lea Massari) en una relación algo confusa. Para Dominici las cosas se polarizan de manera contundente cuando conoce a una hermosa estudiante: Vanina (Sonia Petrovna) de la cual se enamora perdidamente y quien es la prometida de un rico lugareño: el libertino Gerardo, aunque nada es lo que parece: tanto la joven en cuestión como sus nuevos amigos están involucrados en la prostitución y la mala vida. Estos sucesos llevarán a la trama a desenvolverse en un modo tan trágico como inesperado.

FA 3801

Segundo de Chomón - 71 films (1902/11)

Pese a ocupar un lugar destacado en la historia del cine de los años diez y veinte, no sólo en España sino también en Francia e Italia, la figura del cineasta de Teruel Segundo de Chomón (1871–1929) sigue resultando prácticamente desconocida para el gran público. Director, técnico de iluminación y de fotografía, especialista en trucajes y revelado, pionero del cine fantástico y del cine de animación a escala mundial, Chomón fue una de las personalidades más relevantes –y fascinantes– de los primeros treinta años de existencia del séptimo arte y trabajó al lado de algunos de los directores europeos más importantes del período.

Fue, junto a los hermanos Lumière, George Méliès y Charles Pathé uno de los pioneros de la historia del cine. Impresionado por el descubrimiento del cinematógrafo, viajó a París en 1897 para poder estudiar el magnífico invento de cerca. A su vuelta a Barcelona fundó un estudio para la coloración de películas. En 1906 fue contratado por la empresa francesa Pathé, para la que realizó más de 100 cortometrajes. Chomón trabajó incansablemente en nuevos descubrimientos técnicos y efectos especiales que luego aplicaba a sus películas fantásticas. Sus colaboraciones en mitos del cine mudo como Cabiria de Pastrone o Napoleón de Gance le hicieron ganarse el apodo de «el Mèliés español».

FA 3802 (Edición 3 discos)

Man Ray - La estrella de mar (1928)

Man Ray - L'étoile de mer (1928)

En 1921 Man Ray, un pintor abstracto nacido en Filadelfia, decide establecerse como fotógrafo profesional en París. Ray se integra rápidamente en los círculos dadaístas, cuyas filas conforman artistas como Erik Satie, Georges Auric, además de Marcel Duchamp y Francis Picabia, dos viejos amigos que conoció años atrás en Nueva York. Fruto tanto de sus inquietudes experimentales en el campo de la fotografía, como de sus motivaciones intelectuales, surge su primer ensayo cinematográfico, que es titulado El retorno a la razón (Retour à la raison, 1923). Al año siguiente, Ray participa junto a varios de sus compañeros en el reparto de Entr'acte(1924), segunda película de René Clair, que va a erigirse en una de las obras más sorprendentes y rupturistas de la vanguardia del cine. En 1925, Ray colabora con su amigo Duchamp en la realización de Anémic Cinéma, un espléndido trabajo que destaca por la utilización de fotorrelieves.

En su segundo film Emak bakia, Ray explora los efectos de la luz sobre diferentes objetos, componiendo un curioso universo de formas. L'étoile de mer surge de la intención de Ray de plasmar en imágenes un poema que le ha regalado su amigo Robert Desnos. Mediante ingeniosos trucos, el uso sistemático del flou y un tratamiento de personajes cercana a la estética impresionista de Marcel L'Herbier, Ray recrea a la perfección el mundo de Desnos y lo enriquece, mostrándonos una obra nueva, una fascinante visión onírica rebosante de belleza, por encima de cualquier lógica argumental. Aunque en esa tendencia a la abstracción parece acercarse Ray al discurso surrealista, a diferencia de éste,las búsquedas del realizador se centran fundamentalmente en la plástica. En medio de esta historia de impotencia y fetichismo, que invita al espectador buscador de simbolismos a relacionar la estrella de mar con una vagina, aparecen las sugerentes imágenes entrevistas a través de cristales distorsionantes, a manera de advertencia del subjetivismo que encierra el medio cinematográfico.

La película se estrena, junto a otros dos films, el 28 de setiembre de 1928 en el Cinema des Ursulines, y al mismo asisten, además de sus autores, diversas personalidades del mundo del cine, como René Clair o Alberto Cavalcanti. (Texto de Luis Enrique Ruiz, tomado de Obras Maestras del Cine Mudo)

FA 3765

Francia (2009 - Adrián Caetano)

Tras la crispada Crónica de una fuga, el cineasta uruguayo se encuentra lanzando su más reciente producción. Con Franci, Caetano nos anuncia aparentemente mucho más íntima. Se trata de la historia Mariana, una niña que comienza a sufrir las consecuencias de la ruptura de sus padres, quienes a pesar de su separación como pareja, continúan viviendo en la misma casa dadas sus dificultades económicas.

Con su habitual interés por los géneros cinematográficos, Caetano ingresa nuevamente al melodrama familiar, algo que se dejaba ver también en Un oso rojo. Las historias de crisis matrimoniales son tan habituales en el cine como las del encuentro con el amor. Pero acá parece que la veremos con tintes más fuertes, brutales si se quiere, especialmente en lo que respecta a las carencias materiales.

El uruguayo ha rodado esta película, convirtiendo a su propia hija Milagros en protagonista. Junto a ella veremos también a la popular Natalia Oreiro y a Lautaro Delgado. Francia fue presentada hace poco en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Y ahí Caetano brindó muchos más datos sobre sus motivaciones para realizarla:

Francia, ha sido una película muy personal. El origen de la película es que hace unos años le regalé una cámara de vídeo a mi hija. Y con ella filmó unas mil horas. Un día empecé a bajarlo todo a la computadora y vi cómo rodaba un niño. Más o menos le robé la estética de la película a ella. De ahí viene toda esa estética de desorden, diferente, es como un collage, es como un puzzle. Y está basado más en cómo filma un niño, en la mirada de un niño.

Trabajar con mi hija fue una experiencia extraña porque en realidad fue la última actriz que fue elegida. Tuve en un principio el temor de ver cómo resulta trabajar con la hija de uno, porque tiene un carácter muy parecido al de uno y los iguales suelen chocar.

Creo que es la primera vez que he hecho una película que pueden ver mis hijos. Mis hijos siempre quieren ver las películas que yo he hecho pero tienen siete u ocho años y normalmente por la temática no pueden

Va a contracorriente de todo lo que he venido haciendo. Estoy en un momento personal en el que no sé si tengo ganas de indagar en las tendencias actuales. Hay una corriente ahora que va en pro de la violencia y no sé si tengo ganas de ese cine. Yo lo he consumido y me gusta y soy un fanático del cine de terror. Pero esta película va a contracorriente y me parecía precisamente que el riesgo radicaba ahí.

FA 3762

Elem Klimov -Adiós a Matiora (Proshchanie) (1981)

Pese a que en la ex URSS el filme estuvo congelado porque los censores vieron en él cierta advertencia ecologista, en rigor, Adios a Matiora contiene mucho más que un planteo verde. El filme de Klimov enfrenta a sus personajes con una tragedia cultural. Matiora era una isla situada en la parte central de Rusia en medio a un gran río, pero como la Higueras de Las Huellas Borradas (Enrique Gabriel), será inundada para facilitar la construcción de un embalse. La madre tierra ofrenda su sacrificio en aras del progreso. Esa es la tragedia de los habitantes de Matiora.

No es casual que el conflicto se dispare cuando unos empleados pretendan usar sus palas contra el cementerio de la aldea; contra los ancestros, contra lo más tradicional. La narración del filme se apoya en escenas de gran energía provista por las actuaciones, una marca del cine ruso, pero además en ingredientes alegóricos (la escena en la que sus hijos buscan en la tiniebla del río a Daria, una vieja que nació en Matiora y allí vió nacer a sus nietos, es potentísima).

Matiora también es una puesta coral porque muestra cómo los personajes de la nueva y de la vieja generación viven el destierro, los jóvenes adelantando el fin, los viejos aferrándose al lugar hasta el último momento. El fuego, que en tantas puestas ha servido para purificar, oficiará aquí la irrevocable desaparición de Matiora.

FA 3753

Locas margaritas (Vera Chytilová - 1966)

Dos chicas jóvenes concluyen, mientras toman el sol en bikini, que si "en este mundo todo está corrompido, estaremos corrompidas nosotras también". Así se activa el mecanismo que pone en marcha la película: una tras otra, se irán produciendo escenas inconexas en las cuales las dos protagonistas juegan a ser malas con su entorno.

Auténtico film de arte y ensayo, de los poquísimos que corresponden a esta modalidad de exhibición, es un alarde de libertad creadora y de buen gusto, de sutileza y homenaje hacia los maestros clásicos del cine de humor, de un hábil y renovador lenguaje cinematográfico (…)(…) Sus protagonistas, viendo y sintiendo el mundo a su alrededor, deciden ser como él, hacerse como él; en una palabra, llegar a pervertirse, a ser tan “malas”, tan “inservibles”, como el ambiente y las gentes que las rodean. Surge entonces la dualidad del film; esto es, surge la necesidad de dotar a esta excelente idea de una plasmación en imágenes que signifique, igualmente, una forma de ruptura con lo tradicional, con la manera de contar lo tradicional, con la forma que el largo uso del tiempo ha clasificado como “clásica”. El mayor acierto radica, precisamente en esto, y de ahí la importancia del film: Vera Chytilova ha hecho una película de ruptura porque la idea del film, su condicionamiento, su manera de ser y de sentir y expresarse es romper con el entorno, con el medio ambiente condicionador y condicionante.Sus protagonistas, esas muchachas atractivas, deliciosas y audaces, han tenido una “toma de conciencia” y al observar y comprobar por sí mismas que la alienación que las envuelve constantemente amenaza con tragárselas, se ponen a la difícil, delicada y fundamental tarea de ser individuales, de no seguir el juego de la sociedad, de enfrentarse con ella y, a ser posible, destruirla. Hemos llegado al punto revelador: destruir, y no propiamente por el mero afán de destrucción; sino para construir más adecuadamente, más en consecuencia con las coordenadas lógicas, vitales e instintivas del ser humano.Burlándose de sus “pretendientes”, comiendo y divirtiéndose a su costa, y dejándoles con un pie en el estribo, ellas toman el sol, comentan las incidencias cotidianas, se aburren, están en el campo, y terminan prometiéndose que han de ser “malas”. Una de las mejores secuencias de la película tiene lugar en un cabaret, y durante la actuación de las atracciones. Los incidentes que les van ocurriendo, unidos a las evoluciones de los demás concurrentes al local, forman una inusitada gama de felices gags, que los virados en color ayudan adecuadamente (…)(…) Con nuevos cambios de vestido y el convencimiento de que ya son “malas”, van a organizar una destrucción en toda regla y que puede compararse con las llevadas a cabo por los inolvidables e inefables hermanos Marx. Estamos en el salón-comedor de un hotel, donde va a celebrarse un gran banquete para conmemorar alguna reunión mundana. Ellas lo pisotean y destruyen todo paulatina y aceleradamente, participando la cámara, y merced a su agilidad, todos los espectadores, de la destrucción y el desafuero que allí se comete. La lámpara, una gran araña de cristal, todo el símbolo de una época, unas ideas y unas creencias, oscila bajo el peso de ambas. Cuando caen lo hacen a un río, y un barco que pasa no puede salvarlas porque las gentes que viajan en él son trabajadores que necesitan descanso, y no deben hacer nada ni ocuparse de nadie. La parábola pudiera haberse cerrado aquí. Ellas, que están un tanto asustadas, deciden volver al comedor con objeto de arreglar la comida, los manteles, las sillas, como mejor puedan, procurando de esta manera hacerse perdonar las “atrocidades” antes cometidas, consiguiendo así que puedan ser incluidas en el “próximo barco”, o bien asegurarse un futura felicidad. El estallido final de una guerra vuelve a colocar las cosas en su sitio, cierra el film y nos dice, dura y elocuentemente, aunque sin desprenderse del agudo humor, que precisa es la destrucción si queremos que los seres y las cosas se coordinen y conlleven en su verdadera esencia, si deseamos que los seres y las cosas se unan y compenetren en su genuina intención. Como todo, realmente, más parece cuestión de fábula que de realidad supuestamente lejana, terminemos diciendo, tal vez para que el “infierno” no esté tan sólo empedrado con buenas intenciones, que películas como ésta, aunque no redondas en el total sentido artístico y técnica de la creación fílmica, son necesarias y fundamentales (…) (Extraído de Carlos Losada en Cinestudio Nº 74 – 75, marzo – abril de 1969

FA 3752

Carlos Hugo Christensen - Si muero antes de despertar (1952)

Encarnación del “cuco” en su versión más siniestra, el lunático que interpreta aquí Homero Cárpena no sólo tiene un aspecto aterrador sino que además niega a Dios y carece de los rasgos humanos que poseían otros colegas suyos, como Peter Lorre en M, de Fritz Lang, o Nathán Pinzón en El vampiro negro

FA 3789

Vera Chytilova - Ovoce stromu rajskych jime (1970)

Fruta del paraíso

Una comuna libertaria en la campiña checa, una Eva devenida de la original y la mítica manzana, como eterno objeto del deseo. Personajes oscuros, casados con la extravagancia, y un caos que desafía el orden establecido y la lógica cartesiana.

Una adaptación experimental y densamente simbólica de la historia de Adán y Eva, Fruta del paraíso comienza antes de "la Caída", con Josef y Eva desnudos vagando a través de un Edén representado por medio de de imágenes superpuestas de color rojo y marrón, y las hojas amarillas y flora sobre los dos en un parque. Un coro canta los primeros pasajes del Génesis. El paso al mundo caído está marcado por el coro cantando: "Dime la verdad", con creciente intensidad. Un vestido nuevo, Josef y Eva (ahora interpretados por Karel Novak y Nováková Jitka) se encuentran en un banco del parque. La película se centra en Eva partir de este momento, mientras explora su nuevo ambiente, que se asemeja a una especie de balneario lleno de idiotas complacientes, y se obsesiona con un asesino en serie llamado Robert (Jan Schmid). Este nuevo mundo de la "verdad" y de ojos abiertos se muestra utilizando una paleta de colores alternativamente sensuales y apagados. Cuando Eva descubre la identidad de Robert, ella se siente liberada de su yo anterior, alienada de Josef (actualmente un mujeriego), y desesperada por volver a su estado de inocencia. Pero esto es imposible. Cuando Eva intenta volver a subir por encima del muro al Edén, una vez más, repitiendo: "Dime la verdad," ya no puede comunicarse con Josef...

FA 3751

Claude Chabrol - Violette Nozière (1978)

En 1933, Violette (Isabelle Huppert), una muchacha de 18 años, vive con sus padres en un minúsculo apartamento, en condiciones muy modestas. Sus padres sueñan para Violette una existencia diferente a la suya, una existencia que no le pueden dar, no obstante. La muchacha, ahogada por esta atmósfera, decide frecuentar estudiantes, no tardando demasiado en contraer la sífilis, lo cual, obviamente, supondrá un escándalo en el seno de la família. Violette, exasperada por la actitud floja de sus padres, decidirá envenenarlos.

FA 3749

Joaquim Pedro de Andrade - Macunaíma (1969)

La película se inspira en una famosa novela de Mario de Andrade, fundador del "Movimiento Literario Modernista" de los años 20 y narra la historia y la metamorfosis de Macunaíma, el héroe perezoso y sin ningún carácter, que nace negro en el interior de Brasil. Emigra con sus hermanos hacia la gran ciudad en busca de un amuleto de la suerte, y en el camino se vuelve blanco. En la ciudad entablará una relación con una guerrillera urbana y un magnate capitalista.

El director logra una caricatura aguda de la condición humana y su satirización, provocando risas espontáneas cuándo se detiene en los absurdos del racismo, la personalidad de los indios y el modo en que las distintas clases sociales se devoran entre sí.

FA 3748

Michel Deville - La Lectrice (1988)

La lectora

Constante es una chica a la que le gusta leer. La lectura es para ella fantasía, sueño, imagen de un mundo irrealizable pero bello. Leyendo la novela "La Lectora" se identifica con María, su protagonista. Una y otra, en la realidad y en la ficción, irán descubriendo los sabores de la vida; cada palabra es un goce, un paso profundo en el conocimiento, en los placeres de la libertad y la belleza.

FA 3747

Gert de Graaff - De Zee die denk (2000)

El mar que piensa

La conciencia, la percepción que el individuo tiene de la realidad, y el lugar de los seres humanos en el universo están entre los temas fundamentales de esta filosófica película holandesa. Bart (Bart Klever) es un guionista que trabaja en un proyecto titulado "El mar que piensa". Ese guión es al mismo tiempo el guión de la película que estamos viendo. Historia dentro de otra historia. Límites de la verdad y la ilusión.

FA 3746

Claire Denis - White Material (2009)

En un país africano cuyo nombre no se revela pero que, metonímicamente, funciona como alusión a toda una realidada continental-histórica, una mujer de nombre María se niega a abandonar la plantación de café que ha funcionado como herencia de su familia desde hace bastante tiempo. Claro, abandonarla sería la mejor idea en ese momento, debido a que el conflicto entre los rebeldes guerrilleros y las fuerzas paramilitares del estado han llevado el combate hasta puntos sin retorno, en donde la única salida lógica parece ser el sangriento aplastameinto de un grupo por el otro. El problema se acrecienta cuando empiezan a circular rumores de que uno de los miembros del grupo de los rebeldes, el líder militar del movimiento, un tal “boxeador” —- así lo llaman —-, está refugiado en la plantación... (Fernando Bogado - nota completa en Extracine )

FA 3750

Jean-Luc Godard - Film Socialisme (2010)

El filme se estructura como una sonata en tres movimientos. El primero es un crucero por el Mediterráneo donde se hablan varios idiomas (como en Una película hablada de Oliveira) y donde deambulan personajes como una cantante americana (Patti Smith) o un filósofo francés (Alain Bidou); el segundo se sitúa en una casita y una gasolinera en Francia, donde un niño invidente protagoniza una escena extrañamente bella y perturbadora junto a su madre; y el tercero transita, recurriendo en buena medida al archivo de los horrores del siglo XX, por el itinerario del transatlántico, empezando en Egipto, pasando por Grecia y terminando en Barcelona.

Qué es el cine, algo más que un solo título sacado de un proceloso libro de Bazin; un arte en movimiento a 24 fotogramas por minuto que dialoga inevitablemente con las otras artes, buscando hasta el infinito su propio lenguaje; un estado de ánimo -quién ama la vida-; una expresión, una impostación imposible; un lenguaje dentro de otro lenguaje con quien discutir o con quien pactar solo en plena dialéctica – nada-; un nivel de representación fuera de lo teatral; una mentira, una ensoñación –onírica-; puro entretenimiento, gozo y sufrimiento; un ensayo; una quimera del oro; no es una novela filmada, pero algunas películas pueden pasar por novelas seguramente; una decepción –el cine ha muerto- que se trasforma y trastorna; nada es igual, todo es una copia certificada, o una obra colectiva, pero una obra de autor, o una estratagema que no oculta su originalidad.
Film Socialisme, la historia en tres movimientos – el regreso a Ítaca de Ulises, nadie lo reconoció salvo su perro, este es el viaje, el trayecto que nunca termina, la extrañeza de un mundo extraño, errático, que aún puede ser socializado, el destino y un modelo de vida.
El destino cuestionado por la humanidad siempre a la deriva, no quedan ilusiones en el libro de las desilusiones –leamos a Balzac-, una elegía imposible, melancólicamente contradictoria, derrumbada por los valores que constituyen un pasado -también si nos remontamos al origen: Europa, Occidente- y la incertidumbre del futuro (el horizonte) -el fin de la historia como progreso-, nadie supo valorar y comprender los valores –la tragedia, y la creación de la democracia ateniense-, se dilapidó el futuro pensando en el culto al dinero y no en este como redistribución de la riqueza –un bien público como el agua-, pero ya no se trata solo de economía, sino de los cimientos mismos y las bases de la civilización.
Primer movimiento, un viaje en barco por el Mediterráneo, sus aguas nos traen las leyendas (el oro republicano y las escalinatas de Odessa), también las heridas abiertas, imposibles de cura (Palestina), así la conciencia es también el mundo actual, en el que nos movemos, sufrimos, vivimos (sobrevivimos) -un filosofo da una conferencia en una teatro desvencijado, solitario, sin público, el hombre no tiende hacia el ocio, entendido como conocimiento, sino a la ociosidad de unas máquinas tragaperras, donde los gestos se encuentran mecanizados, alienados, en una palabra, aburridos –el opio del pueblo-; Sodoma en definitiva, el interior de un barco, es un casino que contrasta con la luz solar, una puesta de sol, un amanecer, y el ruido del viento saturado, pero convive con los estruendos rayados, arañados, del sonido de una discoteca-. De esta manera los pasajeros vagan de puerto en puerto, erráticos, a alguna parte, a ninguna parte –la locura-.
Todo es posible, es posible alejarse de la ficción sin jerarquías, y los formatos son socializables buscando la perfección; los jerogríficos, los emblemas, los signos, los ideogramas, las alegorías, los clichés, las descripciones, las metáforas, los conceptos, las ideas, los símbolos, los textos, la poesía, el ensayo incluyendo los intertítulos, las imágenes y su tratamiento y la corrupción de las imágenes y del sonido (música interruptus) entre la saturación y la nitidez, entre el movimiento de cámara como un actor de amor, y la baja definición de un móvil que graba, de la excelsa iluminación, a la baja intensidad de las grabaciones en video doméstico, de una imagen en alta definición (planos monumentales) a una de baja calidad que logra una extraña paleta de colores encendidos, de imágenes nuevamente tratadas hacia la pureza, imágenes inauditas, pura imaginería.
No se sabe o se sabe –especulo- al final de ese viaje (segundo movimiento), o mediante una parada momentánea, de ese viaje, la llegada a una isla, a esa isla, donde parece reconciliarse la unidad familiar, donde parece que lo colectivo, da paso a lo íntimo, donde se abordan los complejos, de la idea de clan -la familia Martin propietaria de un taller-, la soledad frente a la emancipación –aquí se infiltra la ficción y la parodia (el absurdo), no solo mediante la un tanto beckettiana puesta en escena, los diálogos y las motivaciones, sino mediante las situaciones, esos periodistas que quieren filmar la realidad familiar y la familia propiamente dicha-, la extrañeza.
El tercer movimiento funciona como un collage dialéctico entre la incertidumbre y la riqueza histórica del pasado (Egipto, Odessa, Palestina, Helas, Nápoles, Barcelona), la defensa de los escenarios que permitieron las revoluciones bajo los ideales y la llamada de atención sobre la especulación, los ideales populistas (Fascismos, Neoliberalismos, Comunismos, Fanatismos Religiosos, Conservadurismo Tramontano); en ese momento Godard acude a los cineastas, recrea sus imágenes, recupera los fotogramas.
Film Socialisme, sinfonía heterogénea, juego apasionante y apasionado - un barco como un plató sin límite, un taller como un espacio delimitado y reducido- de secuencias que se apoyan en una diferenciación entre lo plástico y la velocidad espacio temporal gracias a un montaje que subvierte la gramática, adoptando definiciones nunca unidireccionales. (Texto de Jesús Miguel Sáez González, tomado de El Paìs)

FA 3744

Eric Rohmer - Perceval le Gallois (1978)

Inspirada en la novela de Chrétien de Troyes, "Perceval, el cuento del grial" (siglo XII), narra las andanzas de Perceval desde su nombramiento como caballero armado y su adiestramiento entre los Caballeros de la Mesa Redonda. A diferencia de otras adaptaciones de la leyenda, Rohmer no sitúa a los personajes en un mundo natural, sino en un colorido y deliberadamente artificial reino teatral repleto de rudimentarias vestimentas, escenarios estilizados y un coro cantor que participa en la historia. A menudo los personajes narran sus propias acciones con versos tomados del texto original.

FA 3743

Claude Goretta - La Dentellière (1977)

La Encajera

Beatrice, una muchacha discreta y silenciosa, trabaja de aprendiz de peluquera con su amiga Maryléne, una rubia coleccionista de hombres y desilusiones. Beatrice conoce a François, un estudiante de buena familia. Se enamoran y deciden irse a vivir juntos a París. Ella plancha y él estudia. Las diferencias de clase y cultura percibidas por el chico, provocan la ruptura de la pareja y ella se convierte en la parte afectada.

FA 3742

Julien Duvivier - Panique (1947)

Pánico

El cadáver de una mujer es descubierto cerca del hotel "Au Petit Caporal", donde reside - entre otros - el señor Hire, hombre taciturno y solitario y poco popular en el vecindario. El asesinato coincide con la llegada de Alice, un nueva vecina del señor Hire, de quien él pronto se enamorará perdidamente, sin saber que ella es la novia del asesino. Testigo secreto del asesinato, Hire se debate entre sus sentimientos por Alice y su odio hacia el astuto Capoulade...

Patrice Leconte adoptó la misma novela de Georges Simenon en su film Monsieur Hire

Los subtítulos en castellano son de juliusoaks. Hay algunos diálogos que faltan porque también faltaban en los subtítulos en inglés. Aún así la película se puede ver y entender sin problemas. Yo solo he dado un toquecito a la ortografía, a las líneas largas y a ciertas incongruencias en el tuteo entre los protagonistas.

FA 3741

Georges Franju - Judex (1963)

Favraux, un inescrupuloso banquero, recibe una nota firmada por un tal "Judex", exigiendo que compense a las personas a las que ha estafado y amenazándolo de muerte en caso de negarse a ello. En las vísperas de una fiesta que dará en su finca en honor a su hija, Favraux contrata a Cocantin, un particular detective, para que proteja a sus invitados e investigue acerca del misterioso Judex.

En el año 1963 el cineasta Georges Franju, uno de los fundadores de la Cinemateca Francesa, realiza una remake del clásico serial de Louis Feuillade, "Judex" (1916). Siguiendo los lineamientos básicos del guión original, la historia del banquero Favraux, su hija Jacqueline, el detective Cocantin y el enmascarado vengador Judex cobra nueva vida en este homenaje y a la vez relectura del cine del período mudo. Así, a cincuenta años del estreno del serial en las salas de cine de la empresa Gaumont, los disfraces, las corridas nocturnas y los escapes por los techos de París volvían a las pantallas del cine francés.

FA 3740

Luigi Comencini - A cavallo della tigre (1961)

COMEDIA/Giacinto Rossi es un infeliz condenado a tres años de prisión por simular un robo. Cuando sólo le restan 10 meses para salir y volver con su mujer e hijos, sus tres compañeros de celda le incluyen en sus planes de fuga, a la fuerza. (FILMAFFINITY)

FA 3749

Robert Flaherty - Nanook of the North (1922)

Documental sobre la dura vida de los esquimales que viven en la región de Hudson, Canadá.

‘Nanuk el esquimal’ (‘Nanook of the north’, 1922) es un largometraje cinematográfico, mudo, en blanco y negro, de género documental, dirigido por Robert J. Flaherty. Se trata de una obra capital dentro de la Historia del cine, que narra las duras condiciones de vida de una familia esquimal, en tierras donde aún la civilización no ha posado su moderna mano. En medio de un clima casi inhumano, en unas condiciones casi imposibles para la vida del hombre, estas personas consiguen seguir adelante, a su particular modo, cuyas viejas y llamativas raíces son parte del gran interés que tiene este fascinante documento fílmico. ‘Nanuk el esquimal’ está editada en DVD en nuestro país, por lo que podéis adquirirla con facilidad, cosa que, evidentemente, recomiendo.

Entre los años 1910 y 1920, el antropólogo, explorador y cartógrafo Robert Joseph Flaherty (Michigan, 1884/Vermont, 1951) había sido contratado por el magnate del ferrocarril canadiense, William Mackenzie, para explorar la Bahía de Hudson (Canadá), permitiendo a Flaherty un primer contacto con los esquimales. Mackenzie animó a Flaherty para que hiciese uso del cinematógrafo, herramienta aún para la experimentación por aquel entonces, y filmase uno de sus viajes; podría acompañar las imágenes captadas a su trabajo.

Así hizo, llegando a rodar miles de metros de película. Sin embargo, todo se perdió posteriormente en un incendio en la sala de montaje (una colilla mal apagada, según la versión más extendida, tuvo la culpa). El desastre fue visto por Flaherty como una oportunidad para mejorar la obra, pues no había quedado del todo contento con el material que se perdió. Así que, aprendida la lección, con nuevas ideas, nuevo enfoque, y tras conseguir financiación de una empresa peletera (la Revillon Frères), Flaherty regresa a la Bahía de Hudson, a la zona de Port Huron, para hacer una película sobre los esquimales.

El explorador convivió con Nanook y su familia durante más de un año, cámara en mano. Esto formaba parte de una primera fase que Flaherty consideraba necesaria para grabar su documental, con la idea de familiarizarse con el modo de vida de los sujetos que, después, serían los protagonistas de su cinta. Filmó cómo vivían, cómo sobrevivían a las durísimas condiciones climáticas, cómo cazaba Nanook (que significa “el oso”, aunque su verdadero nombre era Allakariallak) en la fría tundra canadiense, y cómo luego vendían las pieles a los comerciantes. Personalmente, quedé muy sorprendido especialmente por la forma en que Nanook construye un iglú, sitio en el que luego deben vivir, así como por todas las personas que caben dentro de una de sus barcas.

El documental refleja, pues, un aspecto de la vida, en concreto, la existencia de unos esquimales, personajes reales, en su entorno real. En general, el tema del que trata es cómo unos individuos, casi salvajes, luchan por su supervivencia. Estamos ante un film de gran valor histórico, clasificado como etnográfico, tipología que se define por responder al interés del público hacia culturas lejanas y otras formas de vida diferentes (a ser posible, muy diferentes) a la suya.

Los paisajes son naturales, plasmados con gran belleza por la cámara que manejaba Flaherty. ‘Nanuk el esquimal’ sigue un orden narrativo cronológico lineal y no cuestiona nada, sólo muestra unos hechos, una vida que existe en un lugar del planeta, alejado de la civilización (que es quien va a recibir el producto). El realizador utiliza recursos cinematográficos para que el público esté cómodo con lo que ve, reconozca a los esquimales (gracias a primeros planos) y sienta empatía por ellos, a la vez que comprenda que está asistiendo a unos hechos que ocurren en espectaculares circunstancias naturales.

Este trabajo refleja cómo entendía Flaherty el género documental, el cual debía reflejar hechos auténticos, la realidad, la verdad, pero sin perder de vista al espectador, último destinatario de la obra, para lo cual, decía, era necesario seleccionar qué se debe mostrar (e incluso representar). Por esto, rechazaba el recurso de simplemente posar la cámara y dejar que grabe lo que sucede delante. Algo que aún hoy muchos confunden con originalidad y es motivo de aplausos incluso en relatos cinematográficos de ficción. El director de ‘Hombres de Arán’ (su otra película más famosa) dice que es necesaria una selección, que es fundamental. Pero ya sabemos que es más fácil dejar la planificación y, sencillamente, llegar con la cámara y darle al play. Luego se justifica diciendo que se ha querido captar un momento de realidad sin ningún tipo de artificio y punto. A pasar el “cazo”.

Según sus propias palabras, la intención de su primer largometraje fue “mostrar el antiguo carácter majestuoso de estas personas mientras ello aún fuera posible, antes de que el hombre blanco destruyera no sólo su cultura, sino también el pueblo mismo”. A pesar de la repercusión posterior de la película, ‘Nanuk el esquimal’ apenas atrajo inicialmente en Estados Unidos; de hecho sólo se proyectó como complemento de una película del cómico Harold Lloyd (‘Grandma´s Boy’ o ‘El mimado de la abuelita’). Fue gracias al éxito en Europa, con distribución de la Pathé, cuando la obra de Flaherty logró fama y prestigio. Posteriormente, la Paramount le financió su siguiente trabajo, en el lugar que eligiese. El éxito, sin embargo, le duró poco a Flaherty.

Es importante añadir que por aquel entonces no existía el género documental, no se distribuía comercialmente, así que este título es pionero en este campo. Sin embargo, esto no es aceptado por todos. Hay polémica al respecto, porque según los expertos más puristas, la obra de Flaherty no cumple con la característica de la neutralidad.

Es cierto que Flaherty interviene en la naturaleza, en la vida de los esquimales, de forma creativa, para que la película tenga un mayor interés para el público y resulte más emotiva; pero también es cierto que lo hace sin perder de vista lo que es real, no se inventa nada, podríamos decir que “maquilla” un poco lo que hay frente a la cámara cuando filma, pensando en los espectadores. Sin esta intervención, podría ocurrido que llegase a usar metros y metros de material cinematográfico sin llegar, realmente, a captar nada que fuese relevante, por lo que la experiencia podría resultar frustrante tanto para el realizador, que sabe que ahí hay algo valioso que no está siendo captado precisamente en ese momento, como para el público, que sin duda se aburriría rápidamente. Es la selección a la que hacía mención antes. De todas formas, no hay que olvidar la fecha del producto, de inmenso valor histórico.

Pero volviendo a la falta de neutralidad, creo que el Nanuk de Flaherty se diferencia mucho del carácter manipulador que existe en los documentales (así al menos es como están catalogados) de Michael Moore, ganador de un Oscar por ‘Bowling for Columbine’ (sobre la famosa matanza llevada a cabo por estudiantes en su instituto), y de la Palma de Oro por ‘Fahrenheit 9/11’ (sobre las mentiras de la administración Bush sobre Irak). Flaherty recrea la realidad delante de la cámara, tratando de que sea lo más veraz posible; Moore tergiversa la realidad para que cuadre con su discurso. Dicho esto, que conste, me encanta el humor salvaje que Moore imprime en sus agresivas Bowling y en Fahrenheit, que, por cierto, tiene uno de los mejores finales que he visto en mi vida, sólo con recordarlo se me pone la piel de gallina.

Continuando con la intervención de Flaherty en su documental, hay elementos de ficción en ‘Nanuk el esquimal’, momentos pensados para captar la atención del público y/o para confeccionar una obra más redonda. En este sentido, cabe destacar la escena en la que están dentro del iglú (habría sido imposible rodar dentro de uno de verdad) y otra donde se muestra la pesca del pez bajo el hielo (el pez ya estaba muerto, se puso debajo para representar la acción). Por otro lado, hay comportamientos del esquimal que no pertenecen a su época, pero que el realizador pensó que eran muy interesantes para el público. También resulta muy curioso que Nyla, la supuesta esposa de Nanook, era realmente la amante de Flaherty; lo que no dejaba de ser cierto era que Nyla era esquimal.

‘Nanuk el esquimal’ es uno de los grandes hitos de la Historia del cine y, al margen de las licencias creativas de Flaherty, del género documental. Una obra maestra de gran interés, alabada por la crudeza de sus imágenes, por la emotividad con la que se muestra la vida de los esquimales y por la forma en que está realizado/montado el material grabado (recordemos, con fecha de 1922, hace más de 80 años), un ejemplo para la posteridad en el manejo de los recursos cinematográficos. (Blog de Cine)

FA 3738

Dino Risi - Anima persa (1977)

Alma perdida

Un joven se instala en casa de sus tios, debido a sus estudios. Una noche comienza a oir extraños ruidos, notas de música que provienen de un piano e incluso cree ver a alguien vestido de payaso. Comienza a investigar ya que sus tios no le creen, y será la sirvienta de la casa quien le haga descubrir el secreto que envuelve todos estos acontecimientos fantasmagóricos.

FA 3737

Fritz Lang - House by the river (1949)

El cine negro es para Fritz Lang una oportunidad, no sólo para denunciar los vicios y miserias de una sociedad a la que constantemente pone en tela de juicio, sino también la ocasión para enjuiciar la moralidad de la propia condición humana.

Dentro de los diversos géneros que Fritz Lang cultiva durante su estancia en Estados Unidos (western, cine bélico, de aventuras, de espionaje, drama, melodrama…), el cine negro ocupa un lugar muy destacado, hasta tal punto que, de los veintidós largometrajes que el cineasta dirige en tierras americanas, una docena de los mismos figura habitualmente dentro de los catálogos del género. Una clasificación metodológica que, dicho sea de paso, no resulta nunca sencilla de establecer en el caso de Lang ni en el caso de estas películas, ya que la mayoría de ellas deja ver también en su interior una fuerte presencia de elementos procedentes de otros géneros, ya sea éste el drama a secas –caso de Clash by Night (1952)- o, sobre todo, el melodrama, cuyas estructuras argumentales colorean las narraciones de títulos tan fuertemente adscritos al cine negro como Furia (Fury, 1936), Sólo se vive una vez (You Only Live Once, 1937), Los sobornados (The Big Heat, 1953), Deseos humanos (Human Desire, 1954) y un largo etcétera. (Antonio Santamarina, "La otra cara de América. Las películas negras de un cineasta vienés", en Nosferatu nº 47, diciembre de 2004)

El caso de House by the river es el paradigma total de lo que es su cine. El ambiente que desprende el film, ya desde su mismo inicio con el enrarecido plano del caserón a las orillas del río, es el de un viaje a los rincones más recónditos de la obsesión y la culpa, envueltos en un clima de perenne pesadilla, sustentada tanto en los espléndidos claroscuros de Edward Cronjager como en el gran trabajo de Louis Hayward. Quizá, éste sea el film más oscuro de todos los concebidos por el vienés, el más extremo en sus intenciones y, asimismo, el que mejor puede reflejar el talento de Lang para la creación de ambientes que, en el fondo (como buen expresionista) acaban reflejando la angustia interna del individuo. Amén de ello, la película es un prodigio de narración. Sin ningún tipo de altibajos, manteniendo siempre una tensión creciente, el film avanza proponiendo la sugerencia y extrayendo de los mínimos recursos el máximo de sensaciones: la secuencia del asesinato de Emily, la criada; Louis Hayward caminando a gatas tras haber cometido el crimen; el descenso de su esposa por las escaleras que reproduce la misma situación y planificación que el de Emily; el tenso enfrentamiento final entre los hermanos al borde del río; o, cómo no, el último plano del film donde el protagonismo del destino se hace inmisericorde mediante el título de la novela que Hayward está escribiendo, Death on the river, síntesis poderosa de todo lo acontecido y que, además, lo enlaza con la aparición del cadáver de un animal en la primera secuencia, una prodigiosa premonición que le otorga al film una inquietante estructura circular. House by the river es una pieza tan poco conocida como, en el fondo, absolutamente necesaria para tener una visión más concreta de uno de los grandes genios del Arte del S. XX. (Texto de Joaquìn Vallet Rodrigo, tomado deLa sombra de Nosferatu)

Si hay una obsesión languiana por excelencia en su obra es el surgimiento y posesión de personalidades de apariencia inofensiva por la ira. Por lo general estas metamorfosis se dan en caracteres íntegros, benévolos y de ancha complexión, y tal vez con esto Lang haya querido decir que "la violencia puede surgir en los lugares menos esperados", o bien que "el ser racional no está libre de los arrebatos de furia", o para arriesgar un poco más, que "todos llevamos monstruos dentro". Las causas de la transformación de un ser humano condescendiente o de intachable rectitud en una mole sedienta de sangre pueden ser el dolor, el desamparo, o, como se ve en este film, sencillamente el sadismo.

La historia viene así. Stephen (brillante Louis Hayward), un novelista ocioso y falto de inspiración entra en calor por ver a una sirvienta desfilar suelta de prendas por su casa, intenta seducirla, y al ser rechazado forcejea con ella hasta estrangularla. (..)Conforme la película avanza, Stephen se va convirtiendo en un ser perverso y despreciable, le va tomando el gusto al asesinato y de allí se nutre de inspiración para escribir sus obras. (...)

He aquí uno de los cromos más difíciles de conseguir de la filmografía de Lang, pero lograr dar con él ofrece sin dudas su rédito. Se trata de una de las más lúgubres y enfermizas obras del director. Su oscuridad casi permanente, donde se recortan fuentes aisladas de luz y figuras difusas, y el uso de sombras y de claroscuros de tipo expresionista generan una atmósfera opresiva insustituible. (Miradas de Cine)

FA 3727

Claire Denis - 35 Tragos (2008)

Claire Denis - 35 rhums (2008)

Hay un equilibrio y una cercanía afectiva entre Lionel y su hija Josephine. Con más de cincuenta años, él está por jubilarse de su trabajo como conductor de ferrocarril, mientras ella, de más de veinte, estudia antropología y trabaja en un negocio de música. Viven en un edificio de departamentos de la periferia parisina, donde también está Noé, amigo de la familia que se siente atraído por Josephine pero quiere irse, mientras Gabrielle desea en secreto a Lionel. Estas vidas que se cruzan y se bifurcan, como las vías del tren, son la materia con la que Claire Denis modela un mundo y unos personajes en los que la cotidianeidad de hábitos y diferencias se despliega sin énfasis, sin condenarlos ni embellecerlos, sin quitarles inscripción –social, política, cultural– ni confinarlos a un ghetto, edificando una idea de comunidad y de familia de un humanismo y una calidez inhallables en el cine contemporáneo. Casi tangible y sensorial, 35 rhums es una de esas películas de Denis que reintegran no sólo la fe el cine sino en el hombre. (BAFICI)

FA 3745

Mulholland Drive (2001 - David Lynch)

El camino de los sueños

En Hollywood, por la noche, una mujer joven se vuelve amnésica tras sufrir un accidente de coche en la carretera de Mulholland Drive. Tras el accidente, conoce a una actriz australiana que acaba de llegar a Los Angeles. Con su ayuda, intentará recuperar la memoria y la identidad.

"Mulholland Drive" no es tan difícil de seguir.

La película está claramente dividida en dos, siendo la bisagra la escena en "El Silencio" con Rebekah del Rio cantando "Llorando" (versión en español de la canción "Crying" de Roy Orbison, el cual aportó varios leit-motivs a la filmografía de David Lynch).

La primera parte es bastante lineal y se constituye en tanto sueño/fantasía. La segunda parte es contada de manera fragmentaria y alterando la línea de tiempo y es la que corresponde al desarrollo real de la historia.

Las claves para seguir la historia son dadas, a regañadientes, por David Lynch en una presentación especial del DVD... por lo demás, creo que las interpretaciones pueden ser muchas.

Para mi vale más la pena disfrutar que tratar de entender..

Andrzej Munk - La pasajera (1963)

Andrzej Munk - Pasazerka (1963)

Liza huyó de Europa al término de la Segunda Guerra Mundial. Ahora regresa y en el barco que la trae de vuelta, descubre un rostro que le trae recuerdos que su memoria decidió esconder: la mujer fue su prisionera en uno de los campos de exterminio más tristemente famosos de la historia, Auschwitz. Descrita como una de las ficciones más audaces jamás rodadas sobre el Holocausto, La pasajera es un verdadero clásico del cine polaco. Su director Andrzej Munk, murió a los 39 años de edad en un accidente de coche a medio rodaje. Su amigo y colega Witold Lesiewicz decidió acabar la película según lo que él creyó eran las intenciones de Munk, usando para el montaje final el material ya rodado, fotografías del propio Munk y una narración de voz en off.. Premio especial del Jurado en Cannes y Premio de la Crìtica en el Festival de Venecia en 1964.

FA 3724

Majid Majidi - El sauce (2005)

Beed-e majnoon

Yusef, un profesor de literatura ciego, tiene un diagnóstico de un tumor dudoso que lo lleva a viajar a Francia para someterse a una serie de estudios. Allí, los médicos descubren no sólo que su estado no es tan grave como se creía, sino que además existen posibilidades de que una operación le devuelva la visión perdida desde su infancia.

FA 3725

Ivan Passer - Iluminación íntima (1966)

Intimni osvetleni

A raíz de un concierto que debe celebrarse en una localidad rural de provincias, dos antiguos amigos se reencuentran. Petr (Zdenek Bezusek), un músico de ciudad llega acompañado por su bella e infantil mujer a la casa de Bambas (Karel Blazek), que se ha casado, ha construido una casa, y vive con sus padres, su mujer y sus hijos. En el transcurso del fin de semana sale a la luz el contraste entre el mundo urbano y el rural, observado con fino humor, y se constata en tono agridulce el horizonte conformista que acaba con los sueños de juventud y que, al fin, reúne de nuevo a ambos amigos.

FA 3730

Serge Bourguignon - Les dimanches de Ville d'Avray (1962)

LOS DOMINGOS DE VILLE D'AVRAY (Sibila)

Pierre es un veterano de Vietnam angustiado por su responsabilidad en la muerte accidental de una niña vietnamita como consecuencia de un aterrizaje forzoso. De vuelta en Francia, vive totalmente aislado hasta que encuentra una niña que ha sido abandonada por su padre en un internado. Fingiendo ser el padre, Pierre se encuentra con la niña todos los domingos para jugar con ella y tal vez recuperar su propia memoria. La amistad despierta sospechas en el pueblo, aún entre las personas que conocen bien a Pierre.

FA 3726

Alicia ó la última fuga (1977 - Claude Chabrol)

Más allá del amor

En una noche oscura, un auto circula bajo una lluvia torrencial, patina y choca contra un obstáculo. Alice, la conductora, milagrosamente ilesa, comienza a buscar refugio. La luz de una vivienda aislada la atrae, su dueño parece conocerla y la invita a pasar la noche. A la mañana siguiente, ella se encuentra sola. Confundida, Alice quiere irse, pero la fuga no es posible, todos los caminos conducen de nuevo a su punto de partida.

FA 3723

Testigo de cargo (1957 - Billy Wilder)

El prestigioso abogado Sir Wilfred Robards (Charles Laughton) tiene que abandonar el alcohol, el tabaco y los juicios criminales por prescripción médica. Cuando se presenta en su despacho un hombre llamado Leonard Vole (Tyrone Power), acusado de asesinar a una adinerada viuda, Robards pasará por alto las saludables recomendaciones de su médico, y asumirá la defensa de Vole.

Witness for the Prosecution es una película de misterio en la cual durante todo el transcurso de la historia, el director siembra la duda con respecto a quien es el verdadero culpable del asesinato de la señora French. Aunque Leonard Vole tiene motivos de sobra para haberla asesinado, Sir Wilfrid Roberts está convencido de su inocencia. Por otro lado, Wilder integra algunos toques de comedia en el relato, los cuales se materializan en la relación entre el veterano abogado, y su enfermera la señora Plimsoll (Elsa Lanchester). Entre ambos personajes se da una relación amor/odio, la cual está marcada por las constantes artimañas que utiliza Sir Wilfred para esconder puros y alcohol en todos los rincones de su casa, y la admiración que la señora Plimsoll siente por el obstinado abogado. Por último, Wilder se encarga de añadir algunos toques dramáticos a la mezcla, al mostrar como el matrimonio compuesto por Leonard Vole y Christine Helm (Marlene Dietrich) comienza a desintegrarse debido a la posible culpabilidad de Vole, y a la repartición de la millonaria herencia que dejó la señora French antes de morir. (es.paperblog.com)

Billy Wilder sobre Charles Laughton: "Laughton es el mejor actor con el que he trabajado. Durante el rodaje, cada tarde nos sentábamos y decidíamos qué escena rodaríamos al día siguiente, y la desarrollábamos. Después, Laughton entraba en mi depacho y me decía: - La escena que queremos rodar mañana me parece que es muy importante. Y se me ha ocurrido una idea. ¿Qué te parece si.....?. Y a mí me parecía una idea brillante. Y después de una pausa me decía: - De todas formas, creo que.... Y de nuevo interpretaba la escena con brillantes ocurrencias todavía mejores. Y esto se repetía hasta que me había interpretado veinte versiones de una escena y todo sin cambiar ni una sola palabra del texto. Cada una de sus interpretaciones era una versión más enriquecedora con respecto a la anterior. Y es que Laughton podía hurgar en su talento como un niño feliz en una caja de juguetes llena a rebosar. Es mucho más frecuente encontrarse con el otro extremo, es decir con el actor que es tan modesto, tan tímido, que no aporta nada de sí mismo".

FA 3722

Stress-es tres-tres (1968 - Carlos Saura)

Fernando, un constructor especulador, y su esposa Teresa, viajan un fin de semana a Almería, con la compañía de Antonio, un arquitecto al servicio de Fernando. Tras haber contemplado un accidente y visitar a una tía muy beata de Fernando, llegan al destino, donde jugarán como niños mientras Fernando probará la firmeza de su matrimonio usando a Antonio.

FA 3721

No envejeceremos juntos (1972 - Maurice Pialat)

Nosotros no envejeceremos juntos, segundo largometraje de Maurice Pialat, es la crónica despiadada de la degradación de una pareja. A partir de los avatares amorosos de Jean (Jean Yanne), un cineasta colérico y violento, y Catherine (Marlène Jobert), amante infantil y neurótica, Pialat traza el retrato implacable de una historia de amor que se resiste a su disolución. De manera fragmentaria y crispada, Pialat pone en escena los vaivenes emocionales de los protagonistas –grotescos e imprevisibles–, su fragilidad emocional, sus arrebatos de odio y violencia, sus precarias y efímeras reconciliaciones, y sus promesas incumplidas. Un film difícil de olvidar sobre el declinar de un amor.

FA 3720