Lev Kuleshov - Velikiy uteshitel (1933)

The Great Consoler

La acción se desarrolla en América en 1899. Bill Porter está en prisión. Es un buen escritor por lo que el gobernador de la cárcel le concede privilegios que le salvan del trato inhumano que se inflige a los demás reclusos. Aunque Porter es muy consciente de esa brutalidad con los otros, rehuye escribir sobre la vida en la prisión porque pondría en cuestión su situación privilegiada. Para tranquilizar su conciencia trata de consolar a sus compañeros peor tratados y, de paso, a todos sus lectores con fantasías excesivamente románticas en las que invariablemente triunfa el bien. (FILMAFFINITY)

FA 5106

Alain Corneau - Série noire (1979)

Franck Poupart es un neurótico vendedor de poca monta, que vive en un siniestro suburbio de París. Su vida cambia cuando conoce a Mona, una adolescente cuya tía la ha obligado a prostituirse. A partir de ese momento, Franck se propone cambiar de vida, sobre todo para rescatar a Mona de la odiosa tutela de su tía. Pero parece que el asesinato es la única vía para conseguir tal objetivo. (FILMAFFINITY)

FA 5105

Kim Ki-duk - Nabbeun namja (2001)

Bad guy

Historia de un amor obsesivo por parte de un taciturno chico del arrabal hacia una bella joven de clase media, que le lleva a atraparla en su tela de araña, tendiéndole una trampa que la arruina y la hace introducirse en el mundo de la prostitución para cubrir sus deudas, con el fin de que él pueda poco a poco ir acercándose a ella, salvarla y conseguir que le ame. (FILMAFFINITY)

FA 5103

Jean Renoir - La chienne (1931)

La golfa

Narra la desdichada vida del cajero de una empresa que se enamora de de Lulú. Aunque su amor no es correspondido, él está dispuesto a hacer por ella cualquier cosa. En 1945, Fritz Lang se basó en la misma historia para hacer la película “Perversidad”. (FILMAFFINITY).

La golfa fue la primera película importante de Jean Renoir y también la primera de la serie de obras maestras que dirigió en los años 30. Basada en un novela de Georges de la Fouchardiere, la cinta sería objeto de un remake del gran Fritz Lang, titulada "Pervesidad" (1945), pero mientras el film de Lang profundiza en las tensiones psicológicas, Renoir nos hunde el barullo y vitalidad de Montmartre. El protagonista es un empleado de mediana edad menospreciado en su trabajo y oprimido por su insoportable esposa, que encuentra una válvula de escape en su afición por la pintura, se obsesiona por una prostituta, Lulú, que obligada por su chulo le saca todo lo que puede. El protagonista, Michel Simón, está espléndido en su papel, resultando a la vez ridículo y digno de lástima. En un argumento tan triste son de agradecer sus elegantes toques de humor, haciendo de este modo que una historia tan dura resulte muy amena de ver. Recomendable para todos los amantes del buen Cine con mayúscula. (TOM REGAN, FilmAffinity)

FA 5102

Volker Sclöndorff, - Der plötzliche Reichtum der armen Leute von Kombach (1971)

La repentina riqueza de los pobres de Kombach

Siglo XIX. En la comarca del Hesse, ubicada en el mismo centro de Alemania, la situación de los campesinos es de una miseria absoluta. Su desesperación llega a tal punto que planean asaltar el coche que transporta los impuestos que van dirigidos al gran duque. Después de varios intentos frustrados, el asalto resulta exitoso, pero, contrariamente a lo que habían imaginado, el dinero del botín no resolverá sus problemas debido a que la situación general es de tal miseria que cualquier gasto extraordinario señalará una fuente de ingresos ilegales y les pondrá sobre su pista. (FILMAFFINITY)

FA 5101

Sohrab Shahid Saless - Tabiate bijan (1974)

El encargado de la estación de ferrocarril de una zona remota que vive en una habitación individual junto con su esposa tejedora de alfombras es obligado a jubilarse, y cuando se entera de ello, es prácticamente su sentencia de muerte,ya que incluso empleados a tiempo completo, él y su esposa apenas pueden sobrevivir...

Tabiate bijan, "Naturaleza muerta", es una reflexión profunda y desgarrada del sentido de la vida del ser humano, y concretamente de Mohamad y su mujer. Él está encargado de una remota estación de ferrocarriles y vive con su mujer en una pequeña casa con una sola habitación. Esto ha sido así por alrededor de 33 años. La naturaleza muerta (o Bodegón) es una obra de arte que retrata objetos inanimados, sean de origen animal, vegetal, o artificiales, y he ahí la columna de la película, el director nos posiciona al matrimonio de ancianos al mismo nivel de los objetos inanimados, con lo cual claramente refiere a que ellos ya han dejado de vivir, de obrar como seres humanos y no son muy distintos a una silla, una mesa o un jarrón con agua. La construcción del escenario principal, la casa del matrimonio, está perfectamente diseñada y proporcionada como un tipico cuadro de tipo Bodegón, y sobre aquel lienzo discurre la "vida" de los personajes.

Tabiate bijan es además una película muy moderna, en aquellos años Sohrab Shahid Saless pertenecía a un grupo de vanguardia artística y aplicó varios postulados experimentales a la película. A destacar la filmación de escenas en tiempo real, como la llegada de los trenes, cuando el viejo lía cigarros o toma té, entre otras. El montaje tiene escenas que pueden llegar a parecer que existen incoherencias de guión, pero en realidad él está rompiendo un asunto de fondo, el concepto de tiempo en el filme, de ahí que una escena puede haber ocurrido otras veces en diferente sentido, incluso un diálogo repetido es acallado por el sonido de un reloj que marca el tiempo. Además la inexpresión de los personajes, la repetición de la rutina hasta el absurdo, el microcosmos asfixiante, la hacen una evidente precursora de El caballo de Turín, y con más de treinta años de antelación.

La dejo recomendada, es una película muy lenta, pero de una belleza y valor inconmensurables.

FA 5094

Don Siegel - Coogan's Bluff (1968)

Int: Clint Eastwood, Lee J. Cobb, Susan Clark, Tisha Sterling, Don Stroud, Betty Field, Tom Tully, Melodie Johnson, James Edwards, David Doyle, Seymour Cassel

Sinopsis: Hasta Nueva York llega Walt Coogan (Clint Eastwood), un sheriff de Arizona que persigue a un peligroso asesino que ha escapado de su jurisdicción. Acostumbrado a utilizar métodos más propios de un vaquero que de un policía, choca con los sistemas que utilizan los agentes de la gran ciudad. (FILMAFFINITY)

FA 5099

Steven Soderbergh - Sex, Lies and Videotape (1989)

Sexo, mentiras y video

John, un abogado yuppie, con pocos escrúpulos, está casado con Ann, una mujer seria e introvertida. Ella, aunque muestra poco interés por el sexo, se siente segura de su matrimonio. John, en cambio, es un adicto al sexo y tiene una aventura con Cinthia, la extrovertida y desenfadada hermana de Ann. La llegada del enigmático Graham, un antiguo compañero de John en la universidad, alterará la vida de Ann. (FILMAFFINITY)

1989: Festival de Cannes: Palma de Oro, mejor actor (James Spader) y premio FIPRESCI
1989: Nominada al Oscar: Mejor guión original
1989: Sundance: Premio del Público

Primer largometraje del debutante Steven Soderbergh (Atlanta/Georgia, 1963). El guión es del propio Soderbergh, quien tras dar vueltas a la historia durante un año, la escribe en 8 días. Se rueda a lo largo de 5 semanas, entre octubre y noviembre de 1988, en escenarios reales de Baton Rouge (Luisiana), con un presupuesto ajustado de 1,2 M USD. Gana la Palma de oro, el premio al mejor actor (Spader) y el premio Fipresci (Cannes). Producido por John Hardy (“Bajos fondos”, 1995) y Robert F. Newmyer (“Training Day”, 2001) para Outlaw Productions y Virgin, se proyecta por primera vez en público el 20-I-1989 (Sundance, EEUU).

La acción dramática tiene lugar en Baton Rouge (Luisiana) durante varios días del otoño de 1988. Ann (McDowell), su marido John Millaney (Gallagher), Cynthia Bishop (San Giacomo), hermana menor de Ann, y Graham Dalton (Spader), amigo de juventud de John, forman un cuarteto de treintañeros, liberales y con problemas emocionales, de relación y afectivos. Inseguridades, temores, dudas, represiones sexuales, inmadurez, indecisiones y algunos complejos, presiden sus vidas y afectan a sus relaciones interpersonales. Ann es hermosa, fría, remilgada, angelical y frágil. John, abogado prestigioso y competente, es egocéntrico, mujeriego y ambicioso. Cynthia, extrovertida e impulsiva, rebosa sensualidad, erotismo y descaro. Graham tiene una personalidad compleja y enigmática, cree que es sexualmente impotente y practica el voyeurismo.

El film suma drama, análisis social, cine independiente y película de culto. Obra de un realizador de 26 años, aborda temas de su generación, que desarrollan con admirable madurez, elegancia y delicadeza. La narración se apoya en el uso de sutilezas, sugerencias y detalles de escaso relieve aparente, que comunican al espectador muchos extremos relevantes. El color de la camisa de Graham, la variación de vestidos de Ann, la pajarita de John, la lluvia, etc., son elementos que definen matices que enriquecen el relato, descubren aspectos ocultos de la personalidad, los deseos y las intenciones de los protagonistas y revelan características especiales de la acción y el argumento. De la misma manera que la comunicación requiere la presencia de alguien dispuesto a escuchar, la reflexión se ve estimulada y potenciada por el uso de cintas de vídeo que enfrentan a los actores con ellos mismos.

El principal tema objeto de análisis y reflexión viene dado por las relaciones interpersonales de los cuatro protagonistas entre ellos. El enfoque del tema se concreta en un conjunto de afirmaciones correctas, oportunas y lúcidas. Además de relaciones sexuales, el ser humano relaciones de afecto, amor y comunicación. El recurso a la mentira y al engaño como medio de autoprotección en las relaciones con otras personas no sólo no resuelve los problemas, sino que los prolonga y agrava. El film explora los conceptos de sexo y no sexo, soledad y compañía, amor y desamor, compatibilidad e incompatibilidad, funcionalidad y disfuncionalidad y otros que plantean las relaciones humanas. Los problemas que analiza, se formulan en términos de gran sobriedad. Se presentan animados por pulsaciones contenidas y controladas, lo que permite su análisis reposado y tranquilo, exento de sobresaltos y de estados emocionales alterados. Centrado en el análisis de personas jóvenes, el film respira optimismo, fuerza vital, flexibilidad y vigor. Aborda temas humanos que siguen siendo de actualidad y mantienen su interés.

Los diálogos son abundantes, fluidos, concisos y realistas. El ritmo del relato es pausado y equilibrado. La puesta en escena es imaginativa y funcional. El conjunto del trabajo pone de manifiesto el ingenio y el talento del realizador. El humor, presente con reiteración, se basa en la ironía y la sátira. Las interpretaciones de James Spader y Andie McDowell (en uno de sus primeros papeles protagonistas) son acertadas y convincentes.

La banda sonora, de Cliff Martínez (“Traffic”, 2000), ofrece una partitura original breve, de 8 cortes, para flauta y otros instrumentos de viento (de madera o caña). Añade como música adaptada la canción “Garbage”, de Mark Mangini (autor e intérprete). Las composiciones son tenues, suaves y emotivas. Acompañan momentos culminantes, como la secuencia inicial o la conversación de Anna y Graham. La fotografía, de Walt Lloyd (“Vidas cruzadas”, Altman, 1993), en color, crea planos largos, limpios, sencillos y de gran belleza visual. La sobriedad de los decorados y el número escaso de protagonistas contribuyen a dotar de ligereza y equilibrio a la visualidad y al relato.


Referencias

- Joanna BERRY, “Sexo, mentiras y cintas de video”, ‘1.001 películas que hay que ver antes de morir’, pág. 780, Grijalbo ed., Barcelona 2010 (10ª edición, actualizada).
- Augusto M. TORRES, “Sexo, mentiras y cintas de vídeo”, ‘Cine mundial’, pág. 821, Espasa ed., Madrid 2006.
- Oti RODRÍGUEZ MARCHANTE, “Sexo, mentiras y cintas de vídeo”, ‘Antología crítica’, TyB ed., Madrid 2002.

Miquel (FilmAffinity)

FA 5097

Shôhei Imamura - Kanzo sensei (1998)

Doctor Akagi

1945, vísperas de la rendición japonesa. En medio de una tensa atmósfera de guerra, el Doctor Akagi, médico de un pueblo pesquero en una de las islas japonesas, está consternado por la cantidad de personas que caen afectadas de hepatitis, primera causa de muerte en el desnutrido país. Ante esta grave situación decide implicarse para salvar su integridad profesional. Se alía con sus viejos colegas; un monje que ha colgado los hábitos, un cirujano nihilista adicto a la morfina y una mujer, formando así un grupo al margen de la sociedad militar japonesa (FILMAFFINITY)

FA 5095

Kim Ki-duk - Paran daemun (1998)

The Birdcage Inn

Una prostituta llega a un motel, situado en una playa, que ha sido clausurada por su alto nivel de contaminación. La hija del propietario del motel desprecia a la prostituta, a pesar de que los ingresos que genera ayudan al mantenimiento de toda la familia. Poco a poco la muchacha se da cuenta de que, en el fondo, ambas son muy parecidas. (FILMAFFINITY)

FA 5093

Masahiro Shinoda - Shinjû Ten no amijima (1969)

Doble suicidio

Esta interesante película de Shinoda es una adaptación más o menos fiel de la obra de Chikamatsu (anteriormente llevada a la pantalla por Kenji Mizoguchi), preservando todas las convenciones del teatro kabuki y elevando el nivel de artificio con nuevos añadidos: encuadres excéntricos, composiciones hiperestilizadas y un gran uso del blanco y negro. (FILMAFFINITY)

FA 5100

Toshio Masuda - Sabita naifu (1958)

Tachibana y Terada son dos jóvenes exyakuzas que intentan llevar una nueva vida. Sin embargo, su pasado criminal les perseguirá cuando el jefe de policía de la ciudad de Ukada les insista para que testifiquen contra Katsutara, un peligroso jefe mafioso. Debut en la dirección de Toshio Masuda. (FILMAFFINITY)

FA 5098

Shohei Imamura - Kuroi ame (1989)

La lluvia negra la constituyen las particulas radiactivas procedentes de la explosión de las bombas que Estados Unidos lanzó sobre Hiroshima y Nagasaki. Basada en una famosa novela de Masuji Ibuse sobre la devastación causada por la bomba atómica, "Lluvia negra" relata las consecuencias de la explosión atómica en Hiroshima. La película se centra en la historia de una joven, Yasuko, que se vio sorprendida por esta lluvia radioactiva que cayó en los alrededores de la tristemente célebre ciudad. Las posibles consecuencias de su contacto con la radiación han dado lugar a un sinfín de habladurías entre los pretendientes de la joven: ¿estará enferma?, ¿podrá tener hijos? Su familia rememora aquellos días aciagos, tratando de conjurar el peligro que la acecha. (FILMAFFINITY)

1989: Festival de Cannes: Premio Técnico. Nominada a la Palma de Oro

Podríamos dedicar un buen párrafo a comentar la estupenda fotografía en blanco y negro, llena de matices y aciertos. Podríamos glosar la sobrecogedora recreación de una Hiroshima devastada, que es brillantemente mostrada por medio de dramas particulares e imágenes concretas (el "encuentro" entre hermanos, las ruinas, los calcinados cadáveres, los "muertos vivientes" que se arrastran por las calles...). Deberíamos admirar el sabio uso del tempo narrativo que demuestra el director, la habilidad con que intercala los flashbacks, y ese prodigio de prólogo, en el que la vida cotidiana se disloca para siempre. De todo ello podría escribirse mucho, al igual que del magnífico guión y las estupendas interpretaciones, pero todo es secundario ante la fuerza de lo narrado.

Imamura construye una película que navega entre los traumas y estigmas de la guerra y el bombardeo atómico, sirviéndose de personajes corrientes, hombres y mujeres cuyas vidas quedan alteradas para siempre. Al realizador le es innecesario recurrir a efectismos; la verdad, contada tal cual fue, resulta de por sí bastante terrible como para añadir más dramatismo del estrictamente preciso. Sobre los supervivientes, traumatizados por las escenas de muerte y desolación presenciadas, pesa además el estigma de una muerte anunciada, víctimas de la silenciosa pero implacable radiación. En efecto, la lluvia negra que cae sobre Yasuko constituye una mancha imborrable que la perseguirá siempre, pues es el símbolo de un futuro truncado, terrible verdad que se anuncia en el rechazo de sus posibles pretendientes, y sobre todo, en ese plano sobrecogedor en el que descubre que se le cae el cabello. Todos los personajes que componen el filme sobreviven acosados por similares angustias, sabiendo, tras cada funeral, que muy pronto pueden ser ellos los que mueran, y vivir con esa certeza constituye una tortura imposible de soportar. No sólo los cuerpos se resienten, sino también las mentes, incapaces de asimilar el horror vivido y el que queda por vivir, más aún cuando siguen sin poder explicarse el por qué de su sufrimiento, el por qué de la bomba; tan sólo les resta -a algunos- la esperanza de una milagrosa curación, o el amor que sienten por los que aún siguen vivos.

Película imprescindible por su ejemplar disección del dolor humano ante la sinrazón de la guerra y sus secuelas, resulta de visión obligada para cualquier persona. (Quatermain80, FilmAffinity)

FA 5096

Luc Besson - Le dernier combat (1993)

Violenta y apocalíptica historia ambientada en un futuro posnuclear en el que una atmósfera contaminada impide a la población hablar. La supervivencia del día a día es la única regla a seguir, pero un hombre intentará construir un avión con el que partir a la búsqueda del amor. Una extraña y atípica historia sin diálogos y en blanco y negro con la que Luc Besson se estrena como director a los 23 años de edad. (FILMAFFINITY)

FA 5092

Pen-Ek Ratanaruang - Ploy (2007)

Ploy es un drama psicológico de alto contenido erótico en el que tres extraños se encierran en una habitación de hotel. Comienza con una sutil sospecha convertida en celos con la aparición de una joven mujer que provoca devastadoras consecuencias en el matrimonio. Seleccionada en la Quincena de Realizadores de Cannes. (FILMAFFINITY)

Pen-ek Ratanaruang construye un film que es en sí mismo un amanecer o despertar emocional, tanto es así que la "acción" (realmente queda raro decirlo así) de la película transcurre en apenas unas horas, las que transcurren desde las 4 o 5 de la mañana hasta las 10.30 horas del día. En un hotel de Bangkok se encuentran un matrimonio en crisis, una joven (la Ploy del título) que asiste a ese resquebrajamiento y en otra habitación, ajenos a todo, en otro mundo pero cerca, una mujer de la limpieza y un barman se dedican al amor. Todo sospechoso de ser volatil, inexistente, producto de la imaginación del autor o de sus personajes. Y en cambio es un llamamiento al conocimiento sentimental de los personajes, de sus dudas y soledades. Todo ello sumergido en ese ritmo pausado acompañado además del hecho de que los escasos personajes intentan todo el tiempo dormir un poco hacen que "Ploy" sea un film no apto para ver en horas susceptibles de dar una cabezadita. Se desmorona un tanto hacia el final con algún giro decepcionante pero en tanto y cuanto a producción introspectiva y original es un acierto. Si además le ponemos esa música de fondo de Hualampong Riddim y Koichi Shimizu que recuerda al Badalamenti más minimalista y denso, nos hallamos con una película hipnotica, diferente, interesante. (Vargtimmen, FilmAffinity)

A lo largo de su vida, el director tailandés Pen-ek Ratanaruang (Last life in the universe, Invisible Waves) pasó mucho tiempo en países extranjeros, y los viajes y el contacto con otras culturas fueron constantes desde su juventud. En sus películas los personajes normalmente se encuentran de paso, lejos de su tierra, suspendidos temporalmente en espacios transitorios (apartamentos alquilados, barcos, bares, habitaciones de hotel), como si atravesasen etéreos limbos. La pareja protagonista de Ploy viaja desde Estados Unidos a Tailandia, debido a la muerte de un familiar. Al comienzo de la película se los muestra en un tedioso viaje en avión y en seguida en su arribo a un hotel de Bangkok. Hay muchos detalles llamativos en estas primeras escenas: en primer lugar, la pareja aparece en una toma, él despierto y ella dormida; luego al revés. La idea de incomunicación, de cierta desconexión entre los miembros de la pareja se planta desde un comienzo. Luego, el sonido. A lo largo de toda la película existe un murmullo de fondo que propicia un estupor permanente. Primero los apagados sonidos de las turbinas del avión, luego, sofocados ruidos provenientes de la calle, más adelante la banda sonora, tenues y sostenidas notas de órgano que refuerzan el embotamiento y un constante estado de somnolencia.
La primera vez que Ploy entra en pantalla, surge como una aparición, como un sueño. La toma es breve y sutil, pero absolutamente atípica. La chica pide fuego al protagonista, entra y sale fugazmente del cuadro. Al irse, la cámara queda quieta, fuera de foco durante unos segundos, apuntando hacia la nada. Queda instalada la idea de que pasó algo asombroso, una ilusión, un espectro capaz de cortar el aliento y la reflexión. No pasaron ocho minutos de película y Ratanaruang ya demostró que es un director sumamente inquieto e innovador, y un detallista puntilloso a nivel plástico. Su cámara filma a los personajes en encuadres atípicos, por lo general situada por debajo de su cintura, y con lentos y cadenciosos movimientos.
La pareja se encuentra visiblemente aturdida por el desfasaje horario, y, pronto se descubrirá, atravesando una determinante crisis conyugal. En este panorama aparece Ploy, quien despierta celos en la mujer y vaya uno a saber qué sentimientos en el protagonista, que por la edad podría ser su padre. El conflictivo triángulo instala cierta tensión en el cuadro, y llega a desencadenar inesperados y crudos estallidos de violencia. Paralelamente, en otra habitación del mismo hotel, una mujer de la limpieza y un barman tienen sexo en largas y distendidas escenas de alto voltaje erótico.

En la película comienzan a sucederse situaciones que, se descubrirá luego, son sólo ensoñaciones de los protagonistas. En este sentido, el filme está lleno de escenas tramposas, que muestran cosas sin que sucedan realmente; en algunos casos sólo representan deseos inconscientes, en otros, situaciones que podrían haber sucedido, rumbos que la película podría haber tomado pero que sólo quedan sugeridos.
Ploy (la imponente Apinya Sakuljaroensuk) es uno de los principales enigmas del filme; la singular belleza de esta lolita tailandesa es de lo más inquietante: su enigmático rostro revela a una niña y una mujer madura al mismo tiempo, su mirada, un pasado denso y mil turbulencias. Demasiado joven y desgarbada para los 19 años que dice tener, viste una remera semiandrajosa -¿se habrá rasgado o será una moda?- y lleva un ojo levemente amoratado. El contenido de su cartera también amplía el misterio: maquillaje abundante, una yilé junto a un vidrio espejado. Ratanaruang es maestro en el arte de insinuar, dejando asomar todo el tiempo zonas de sombra que el espectador debe llenar con su propia intuición. La película se inscribe en esa clase de filmes ingrávidos y atmosféricos que parecen sueños, y que detrás de ellos esconden a auténticos autores, maestros del artificio y el lenguaje cinematográfico. A medio camino entre el cine de Wong Kar-wai y el de David Lynch, sin los desbordes característicos de uno y otro, Ploy sobresale como el mejor filme que Ratanaruang ha pergeñado hasta la fecha, y uno de los más importantes del cine tailandés actual.

FA 5091

Luciano Emmer - Il momento più bello (1957)

El doctor Pietro Valeri, un prestigioso ginecólogo de la universidad de Roma, decide trasladarse una temporada a París para estudiar un novedoso método que garantiza el parto indoloro. Durante su estancia se enamora de Luisa, una enfermera a la que deja embarazada. (FILMAFFINITY)

FA 5090

Peter Yates - Bullitt (1968)

Int: Steve McQueen, Jacqueline Bisset, Robert Vaughn, Don Gordon, Robert Duvall, Simon Oakland, Carl Reindel, Norman Fell, Suzanne Sommers

Sinopsis: Frank Bullit es Teniente de la policía de San Francisco. Un ambicioso político le encarga que proteja a un testigo protegido al que persigue el Sindicato del Crimen de Chicago. A pesar de que Bullit toma todas las precauciones posibles, no puede evitar que sea asesinado. A partir de ese momento, se empeñará en investigar minuciosamente el caso, que es bastante más complejo de lo que parecía a primera vista. (FILMAFFINITY)
FA 5089

Joseph L. Mankiewicz - Cleopatra (1963)

El victorioso general Julio César se ve obligado a visitar Egipto para evitar la guerra civil provocada por la falta de entendimiento entre Cleopatra y su hermano, que comparten el poder en Egipto. César, cautivado por la inteligencia y belleza de la joven, la proclama reina indiscutible de Egipto y, tras el nacimiento de su hijo Cesarión, la convierte en su esposa. (FILMAFFINITY)

1963: 4 Oscars: fotografía, direcc. art., vestuario, efectos visuales. 9 nominaciones

"Cleopatra" fue en su día la película con el rodaje más costoso y complicado de toda la Historia del Cine. Tras dos años de auténtico infarto (en los que el director original renunció, se desechó por completo el reparto original, aumentaban los dólares, Elizabeth caía enferma de neumonía, el traslado de Londres a Roma...), Joseph L. Mankiewicz (el autor de la excelente "Eva al desnudo") veía ¡por fin! terminada la que sería una magistral obra maestra que tradó, sin embargo, varias décadas en ser reconocida como tal.
Fue estrenada en 1963 con críticas bastante desfavorables. El peplum había alcanzado su plena madurez con cintas como "Quo Vadis?" o "Los diez mandamientos", consagrándose definitivamente con la inolvidable "Ben-Hur" de William Wyler. No obstante, "Cleopatra" fue acogida con frialdad. Elizabeth Taylor y Mankiewicz sufrieron el desprecio de la crítica; Rex Harrison fue el único en recibir elogios. El público, por su parte, apoyó la larga película, y acudieron entusiasmados a ver "Cleopatra". Acabó como la campeona de taquilla de 1963, por encima de "Tom Jones" o "Los pájaros". Recibió 9 nominaciones a los Óscar (incluyendo Mejor Película) yganó 4 estatuillas. Pero, con el tiempo, "Cleopatra" ganó popularidad y acabó colocándose como uno de los mejores ejemplos de lo que puede llegar a hacer Hollywood. Fue reconocida como una de las 100 mejores cintas de la Historia, y causó furor durante varios años.

"Cleopatra" es una biografía de la Reina de Egipto, su ambición, su amor y su reinado. Del trío protagonista, destaco por supuesto a una apasionada Elizabeth Taylor en el que ha sido (sin duda alguna) su papel más popular y logrado. Merecen también un reconocimiento Rex Harrison (en un gran papel de J. César) y Richard Burton como un erótico y noble Marco Antonio. La dirección de Mankiewicz es ejemplar, y gracias a él se elaboraron ese espléndido guión que contiene magistrales diálogos en una balanza entre el intimismo y la espectacularidad (la segunda obra maestra en este hecho fue "Espartaco"). El vestuario, la fotografía, la música y la dirección artística son colosales y fueron realmente complicados y costosos. Todo está perfecto; todo hizo que "Cleopatra" fuese una genial película.

El único punto que jugó en su contra fue el polémico y mediocre montaje. Poco a poco, los editores fueron desechando escenas y escenas (supongo que magistrales) del libreto original de Mankiewicz (que quería hacer dos partes de 3 horas cada una). Finalmente, resultó una cinta de 240 minutos rica en detalles y matices pero que deja una frustración por saber "¿y qué más había en las restantes 2 horas?". Lástima de que este material sea irrecuperable.

A pesar de ello, "Cleopatra" es una cinta redonda. Elaborada de forma ejemplar, supone una de las más arriesgadas apuestas de la Fox, que no recuperó los 44 millones de dólares invertidos. (Sergio, FilmAffinity)

FA 5088

Masahiro Shinoda - Kawaita hana (1964)

Muraki es un yakuza -la mafia japonesa- recien salido de la cárcel. Hastiado con el rumbo que ha tomado su organización, conoce a Saeko, una enigmática joven interesada en el juego y las sensaciones fuertes. (FILMAFFINITY)

En ‘Flor pálida’ confluyen, en cóctel exquisito, Antonioni, la nouvelle vague y el género yakuza.

Antonioni, en el tedio existencial de hombres, mujeres y lugares. En calles y recintos, atestados o desnudos. En la incomunicación profunda de los personajes, sus silencios. Su voluntad desesperada de encontrar sentido al borde del abismo.

En el ritmo y el absurdo.

La nouvelle vague, en encuadres, movimientos de cámara y juegos con el eje.

El actor Ryo Ikebe encarna a un yakuza extraordinario. Imponente, sobrio, noble e implacable. Un personaje de acción ‘estático’ y perfecto.

Saeko es el eterno femenino, inalcanzable. Su palidez es metáfora sencilla, hermosa y visual. Su apariencia y gesto fantasmal la sitúan casi al otro lado de la vida. El coche deportivo simboliza el ansia permanente y enfermiza de fuga hacia adelante. Velocidad sin dirección y huida en el vacío.

Hay un tercer personaje imprescindible, Yoh. Una presencia muda, de rostro oscuro, que aguarda siempre en sombra. Personificación espectral del drogadicto –más bien diría que es la imagen misma de la droga.

El triángulo Muraki–Saeko–Yoh es maravilloso. Saeko oscila entre dos polos. Uno de ellos, Muraki, es siempre bien visible. El otro, Yoh, carece de sustancia, es casi inmaterial –parece que sólo cristaliza en forma de destello: un cuchillo clavado en la madera; la mirada, brillante y turbia; las facciones imprecisas y afiladas. Todo lo que se refiere a él es brumoso e inquietante, rumor o sueño, como un soplo de muerte. Yoh tiene algo del secuestrador de ‘El infierno del odio’ (estrenada un año antes), de Akira Kurosawa.

Muraki querría llevar a Saeko hacia la luz, ¿pero existe la luz?

La iluminación, la música de Toru Takemitsu, el sonido –creador de espacios– la sobriedad de los actores (aquí no grita nadie), el tempo narrativo, la calidad en las elipsis, el clímax de la ‘ópera’ final...

–No quiero ver amanecer –dice Saeko–. Que no se acabe nunca la noche llena de peligros.

Que no se acabe nunca. (servadac, FilmAffinity)

FA 5087

Raoul Walsh - Blackbeard the Pirate (1952)

1674. Sir Henry Morgan es un pirata "reformado" y ocupa un puesto como alto oficial en Jamaica. Pero Edward Maynard espera probar que no ha cambiado y, de paso, cobrar una recompensa. Con este fin se disfraza de médico y se enrola en el barco de Morgan, en el que también viajan el temido Blackbeard, enemigo de Morgan, y Edwina Mansfield, una dama en peligro, que, en realidad, no es lo que parece... (FILMAFFINITY)

FA 5086

Henri Verneuil - Melodie en sous-sol (1963)

Gran jugada en la Costa Azul

Charles (Gabin) acaba de salir de la cárcel. Su mujer le propone que inviertan sus ahorros para montar un chiringuito en la Costa Azul y comenzar una nueva vida. Pero Charles ya no es joven y lo que desea es dar un último y gran golpe que le permita retirarse a lo grande. Tiene un plan perfecto para acceder a la cámara acorazada de un casino en Cannes, que contiene cien millones de francos. Para llevar a cabo el trabajo cuenta con la complicidad de Francis (Delon), un joven compañero de prisión. (FILMAFFINITY)

FA 5083

Jane Campion - An angel at my Table (1990)

Un ángel en mi mesa

Adaptación de la autobiografía de la escritora Janet Frame. Ella crece en una familia pobre con muchos hermanos y hermanas. Ya a temprana edad es diferente a otros niños. Recibe una educación como maestra, pero desde que es considerada anormal, es encerrada en una institución mental durante ocho años. El éxito le llega cuando comienza a escribir libros. (FILMAFFINITY)

1990: Venecia: León de Plata, mejor actriz (Kerry Fox)
1990: Festival de Toronto: Premio FIPRESCI

FA 5085

Josh Radnor - Happythankyoumoreplease (2010)

Sam Wexler, un joven aspirante a escritor, tiene un día pésimo: debe acudir a una importante cita con el director de una prestigiosa editorial de Nueva York y se despierta tarde y con resaca; por el camino se encuentra con un niño que ha perdido a su madre en el metro; Sam se debate entre continuar su camino o hacerse cargo de él hasta que encuentre a su madre. Como ésta no aparece, decide entonces llevarlo consigo a la editorial. La cita constituye un estrepitoso fracaso. Su vida sentimental no va mucho mejor que su carrera, pasa de una relación a otra, evitando cualquier tipo de compromiso, hasta que conoce a Mississippi, una hermosa camarera que es también cantante. Queda tan fascinado por ella que le propone un curioso trato que hará tambalearse su vida y la de sus amigos. (FILMAFFINITY)

2010: Sundance Film Festival: Nominada al Gran Premio del Jurado. Premio del público a la Mejor Película

Pues si no le conoces, es el momento para que empieces a hacerlo. Acércate a ver su película (no puede ser más suya, si la escribe, dirige y protagoniza), y después engánchate a la serie que le ha hecho famoso ("How I met your mother").

Porque tras ver su ópera prima, tengo que decir tres cositas importantes:

En primer lugar, me siento feliz. Porque la vida, se construye a partir de las decisiones que tomamos y de las situaciones inesperadas que tenemos que afrontar. La valentía y la cobardía en nuestros actos delimitan nuestro carácter. Cuando ves que no eres el único que aciertas, o fallas en una decisión cotidiana, te das cuenta de lo cerca que estás del resto del mundo. Me siento feliz por haber visto una película humana.

En segundo lugar, me siento agradecido. Porque cuando las expectativas de una persona se ven colmadas, e incluso superadas por momentos, es lo único que puedes hacer. Y Josh Radnor, ha sabido canalizar la esperanza que tenía depositada en él, regalando un mosaico generacional enmarcado en una ciudad a la que claramente ama. Sus personajes destilan naturalidad y realismo. Su película entra en tu vida como un pqueño regalo.

En tercer y último lugar, sólo puedo pedir más, por favor. Más de esos personajes que se definen por sus palabras, y nos por sus grandilocuentes actos. Más de esa banda sonora elegida con mimo, en la que cada canción imprime ritmo a cada imagen. Más de esos planos cuidados que miman la narración. Más de esos diálogos que ocultan en su interior más de lo que dicen. Más de esos actores que dejaron de parecer actores en el momento en que se transformaron en amigos que me contaban sus problemas.

Señoras y señores, den la bienvenida al cine a Josh Radnor. Su película no es una obra maestra, pues se notan las prisas del novato, pero ya tiene trazos de genio, y si no, tiempo al tiempo. (EuTheRocker, FilmAffinity)

FA 5084

Sidney Poitier - Stir Crazy (1980)

Int: Gene Wilder, Richard Pryor, Georg Stanford Brown, JoBeth Williams, Miguel Angel Suarez, Craig T. Nelson

 Skip Donahue y Harry Monroe son dos amigos de Nueva York en paro que aceptan un trabajo eventural en el que deberán disfrazarse de pájaros gigantes con fines publicitarios. Pero la mala suerte hace que una pareja de atracadores de banco utilice el mismo disfraz, motivo por el que la policía confundirá a los inocentes amigos con los delincuentes. Pero las dificultades no han hecho más que empezar... la vida en la prisión será la segunda parte de esta accidentada comedia. (FILMAFFINITY)

FA 5082

Steve McQueen - Hunger (2008)

Hunger describe la vida en la Maze Prison, una cárcel de máxima seguridad de Irlanda del norte, a través de los emotivos acontecimientos que tuvieron lugar en 1981 con motivo de la huelga de hambre del IRA, liderada por Bobby Sands. Desde un punto de vista épico, la película narra lo que ocurre cuando se obliga al cuerpo y a la mente a actuar por encima del límite. Aclamada ópera prima del director y guionista Steve McQueen. Premio Cámara de Oro de Un Certain Regard en Cannes. 

FA 5081

Eric Rohmer - Une étudiante d'aujourd'hui (1966)

El narrador comenta que, durante el advenimiento de la Segunda Guerra Mundial, sólo 21.000 mujeres asistían a la universidad y, de hecho, sólo suponían el 30% del cuerpo estudiantil. En el año escolar 1964-1965 se había llegado a 120.000 universitarias. Esta nueva oleada de mujeres, en lugar de optar por vivir de acuerdo a lo que hasta entonces se esperaba de ellas, se incorporaban ahora a la fuerza de trabajo, cambiaban los delantales por las chaquetas de laboratorio y se convertían en profesionales, incluso después de casarse.

FA 5078

Pen-Ek Ratanaruang - Invisible Waves (2006)

Olas Invisibles

Un hombre envenena a su mujer y empujado por "olas invisibles" va huyendo de un lado a otro. Sus demonios internos y su sentimiento de culpabilidad le llevarán a dudar de cualquier persona. (FILMAFFINITY)

2006: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes

Pen-Ek Ratanaruang es uno de esos directores orientales de prestigio mundial, e "Invisible Waves" pertenece a esa oleada de films asiáticos que asombran en occidente por su belleza estética y su extravagante historia. Ratanaruang me asombró con su debut "Seis nueve", vi algo de Tarantino en él. Con "Vidas truncadas", no sólo me asombré, su segundo film es una hermosa y trágica historia de obligado visionado. Sin duda su mejor film.

"Invisible Waves" nos cuenta la historia de Kyoji Hamamura (Tadanobu Asano), un hombre que envenena a su novia y huye a Tailandia donde tendrá que comenzar de cero. No es hasta los tres cuartos del film, cuando la película comienza a cobrar sentido. Hasta este momento, tanto el protagonista de la cinta como el espectador, están descolocados. Cuando Ratanaruang nos da todos los datos la historia se completa, y esa sensación de que algo falta, que acompañaba hasta ese momento desaparece.

Christopher Doyle, colabora por segunda vez con Ratanaruang como director de fotografía, y como en todos sus trabajos, el resultado es sobresalienta. Tal vez Doyle sea el mejor director de fotografía en la actualidad. Ratanaruang es un gran director y se rodea de grandes profesionales, como su actor principal Asano o el mismo Doyle. Personalmente prefiero "Vidas Truncadas" pero "Invisible Waves" no me ha decepcionado.
(Sersolo, FilmAffinity)

FA 5080

Masahiro Shinoda - Shokei no shima (1966)

La isla del castigo

Un hombre joven regresa a la isla en la que fue castigado cuando era niño. Fue enviado allí para que no revelase la identidad del policía militar que asesinó a su familia. Durante 20 años ha planeado la venganza contra el sádico guardián que torturaba a los castigados en la isla. Una vez allí, conoce a la hija del guardián, que le asegura que su padre ha cambiado por completo. (FILMAFFINITY)

FA 5079

Eric Rohmer - La collectionneuse (1967)

La coleccionista

Adrien y Jenny forman una pareja estable, pero han decidido pasar el verano separados. Adrien, propietario de una galería de arte, quiere estar un mes tranquilo sin hacer absolutamente nada. Sin embargo al llegar a la casa de campo de un amigo se encuentra con Daniel, pintor conceptual, y a la joven Haydée, una guapa chica con mucho éxito entre los hombres. Ante la actitud aparentemente indiferente de Adrien, Haydée parece aceptar los propósitos de serenidad y descanso declarados por los dos hombres. Poco a poco, sin embargo, Adrien acaricia en su imaginación la idea de que Haydée pretende seducirle, añadiéndolo a su "colección". (FILMAFFINITY)

1967: Festival de Berlín: Oso de Plata - Premio Extraordinario del Jurado

Cuarto de los 6 cuentos morales de Eric Rohmer, escrito y dirigido por él. Se rodó el verano de 1966 en Saint Tropez y alrededores (Francia). Ganó el Premio Especial del Jurado de Berlín. Se estrenó el 2-III-1967 (Francia).

La acción principal tiene lugar en julio/agosto de 1966 en la costa francesa de Saint Tropez, a lo largo de unas semanas. Narra la historia de Adrien (Patrick Bauchau), de unos 30 años, vendedor de arte, estresado tras 10 años de trabajo intenso e ininterrumpido para abrise camino, que desea tomarse un descanso. Su pareja sentimental, Jenny, fotógrafa, decide ir a Londres, donde tiene unos amigos, mientras él acepta la invitación de Rudolf de pasar unas semanas en una villa rural cercana al mar, donde se encontrará con Daniel (Daniel Pommereulle), pintor conceptual. Coincide también con Haydée (Haydée Politoff), una muchacha de unos 20 años, muy atractiva, a la que el uso de anovulatorios le permite mantener relaciones sexuales con libertad y ausencia de riesgos desconocidos hasta entonces.

La película centra la atención en la búsqueda ansiosa de descanso, indolencia, soledad, ausencia de pensamientos, deseos de mirar sin curiosidad y ver sin prestar atención a nada, en un estado de pasividad y de no hacer nada. Sale de casa poco después del alba, cuando regresa Haydée. A penas se ven, pero él se siente fuertemente atraído por ella. Su perturbación se ve incrementada cuando Daniel le ruega que la tome como amante en su lugar. Sin darse cuenta, se siente poseído por extrañas obsesiones que levantan en su ánimo sentimientos contradictorios de deseo y angustia, seducción y temor. Ni él ni Daniel entienden a Haydée, a la que importunan con sus viejos prejuicios machistas, que les impiden concebir la posibilidad de que a una mujer les guste el sexo tanto como a un hombre, lo practique con la misma despreocupación que un varón y no lo asocie necesariamente al amor, del mismo modo que los muchachos de su edad. La obra está narrada desde el punto de vista de Adrien, experto en arte, que usa referencias cultas (Rousseau, Don Quijote, romanticismo alemán, etc.). Es memorable la secuencia en la que Adrien siente pánico ante la posibilidad de ser víctima de una mujer posiblemente alterada emocionalmente por la versión femenina del síndorme de don Juan.

La música reproduce composiciones del momento y melodías tibetanas, exóticas y amables, muy adecuadas. La banda sonora es rica en trinos, cacareos y cantos de cigarra. La fotografía, del gran Néstor Almendros, ofrece una magistral descripción de Haydée en la playa, usa dobles y triples reflejos en espejos y presenta primeros y primerísimos planos de soberbia ejecución. El guión destila sutileza, poesía y fascinación. Los actores improvisan los diálogos a partir de unas ideas de base. La dirección habla de algunos de sus temas favoritos, como amor, fidelidad, belleza, pasión, deseo y obsesiones. No hay una moral sexual masculina y otra femenina. (Miquel, FilmAffinity)

FA 5078