domingo, 29 de septiembre de 2013

L'enfer d'Henri-Georges Clouzot (Serge Bromberg & Ruxandra Medrea, 2009)

El infierno de Henri-George Clouzot

Documental sobre la vida y obra del realizador francés Henri-George Clouzot. El título hace referencia a la película inacabada que el director galo hizo en 1964, titulada "L'enfer", protagonizada por Romy Schneider. Clouzot no pudo terminar dicha película: primero el actor principal Serge Reggiani enfermó, y Jean-Louis Trintignant se hizo con su papel, pero entonces Clouzot sufrió un ataque al corazón y el proyecto se paro. En 1992 la viuda de Clouzot vendió el guión a Claude Chabrol, que hizo la película "El infierno" (L'enfer, 1994). (FILMAFFINITY)

La historia del cine está hecha de miles de filmes inconclusos. Podríamos hablar de millones si pensamos en los guiones abandonados, en los que nunca consiguieron financiación, en los que no se terminaron de filmar y así, hasta los filmes que no llegaron a estrenarse. Precisamente una producción concluye cuando se comparte el resultado del proceso creativo con los espectadores. El día de su estreno un filme nace y se somete a la Historia, jueza de todos los actos.

Una película terminada y estrenada, pero que cuenta la historia de uno de esos millones de filmes inconclusos es La nuit americaine de François Truffaut. Ha pasado a ocupar un lugar fundamental en la historia del cine porque en ella demuestra el autor francés su profundo conocimiento del lenguaje cinematográfico, su talento para traducir al cine los mejores recursos de la literatura europea del siglo XIX, su habilidad para dirigir actores y un largo etcétera de méritos estéticos, pero también porque es la referencia inmediata de todo cinéfilo cuando piensa en un rodaje.

Truffaut, que como tantos autores gustaba de mostrarse a sí mismo a través de alguno de sus personajes, interpretó a Ferrand, el director. Otros prefieren hacer de sus actores favoritos un álter ego. Como Fellini, que dirigió en 8 1/2 a Marcello Mastroianni interpretando al director Guido Anselmi.

Guido ha cosechado un gran éxito y se lanza a la pre-producción de su proyecto más ambicioso sin tener un guión definitivo, sólo un borrador que poco convence al crítico Carini Daumier (Jean Rougeul). El ambicioso director se evade de las exigencias de su comprometido equipo y de su complicada vida sentimental rememorando su pasado, reencontrándose con sus pesadillas y sus obsesiones. Guido no llegó más que a filmar algunas pruebas. Al final debe confesar ante todo el equipo que no habrá película, que no tiene historia.

En días recientes se presentó en la multisala de arte y ensayo Cinema du Parc de Montréal el filme L'enfer d'Henri-Georges Clouzot. En este, los realizadores Serge Bromberg y Ruxandra Medrea reconstruyen el filme inconcluso L'enfer del mencionado director a partir del material filmado y del archivo de la producción. Clouzot nos dejó para la posteridad 185 latas de película. La mayoría en blanco y negro y algunas en color. Solamente un rollo de sonido.

Serge Bromberg cuenta con una trayectoria como productor muy cercana a la historia del cine y la restauración de películas. Quien escribe estas líneas desconoce las experiencias audiovisuales de Ruxandra Medrea anteriores a este filme.

Henri-Georges Clouzot (1907-1977) dirigió Le Corbeau, Le salaire de la peur, Le mystère Picasso, La Vérité, entre otras. Para 1964 era un aclamado y respetado cineasta. En su vida privada había pasado por el duro trance de la muerte de su esposa Véra que lo llevó a la depresión. En diciembre de 1963 había contraído matrimonio con Inès de Gonzalez y su vida parecía volver a la normalidad. En algún punto llegó a convertirse en antítesis de Guido Anselmi.

A diferencia del personaje de Mastroianni en 8 1/2, antes de hablar con algún actor u ordenar la construcción de algún decorado, Clouzot partió de un tratamiento de 50 páginas, para llegar a una primera versión que según Costa-Gavras tenía 300 páginas. De ahí a un guión de hierro en el que se detallaban incluso los lentes a usar por cada plano y un story-board en el que la composición se construía a partir de la proporción del personaje en el cuadro de acuerdo al lente seleccionado. Clouzot contaba con tablas que le permitían determinar qué proporción del cuadro ocuparía un personaje filmado desde una distancia determinada con un lente dado.

El título ciertamente era una referencia a “El Infierno” de la Divina Comedia de Dante Alighieri. La historia gira alrededor de los celos de Marcel (Serge Reggiani) hacia Odette (Romy Schneider), a quien cree seducida por Martineau (Jean-Claude Bercq) una clara y directa referencia a En busca del tiempo perdido de Marcel Proust. La primera es la obra que lleva a la literatura al campo de la modernidad, la segunda es tal vez la máxima obra en la historia de la literatura moderna. Clouzot había llegado a ser uno de esos maestros que llega a conocer todos los secretos técnicos y narrativos del cine y cuenta con una vasta erudición. Fácilmente podríamos ponerlo al nivel de Eisenstein, Murnau, Hitchcock o Godard. Con L'enfer buscaba llevar a la pantalla sus obsesiones emocionales, estéticas y narrativas. Más allá de contar una historia, su intención era ponerse en la vanguardia de la experimentación cinematográfica que tanto progresos mostró en los años 50 y 60. Sus teorías sobre el color, el sonido, la puesta en escena y el montaje serían llevadas a la práctica en un proyecto cuyas pretensiones harían parecer a Citizen Kane una película de estudiantes.

Ciertamente la columna vertebral de L'enfer d'Henri-Georges Clouzot es el material original. El objetivo argumental es la reconstrucción del filme inconcluso como se reconstruye un crimen. Con la lógica de aquellos investigadores privados de las películas de los cuarentas y cincuetas, Bromberg y Medrea dejan que el montaje y la estructura permitan a las evidencias expresarse por sí mismas. Un filme ha muerto y el asesino ha sido su propio autor. Los realizadores entrevistan a los testigos directos, visitan las locaciones originales y reconstruyen con los actores Bérénice Bejo y Jacques Gamblin escenas cruciales del filme que no llegaron a ser filmadas. Como en las buenas historias del film-noir conocemos a la víctima y al asesino, lo que nos mantendrá enganchados será la pregunta por el cómo.

Esta “anatomía de un asesinato” empieza con una entrevista de T. V. de aquellos años en la que el maestro Clouzot explica la génesis de su proyecto. Luego, en 2009, el cineasta griego Costa-Gavras habla del primer borrador de L'enfer que tuvo el privilegio de leer. En las pruebas de vestuario vemos a los actores principales. Está Serge Reggiani quien saltó a la fama interpretando a un traidor a la Resistencia francesa en Les portes de la nuit de Marcel Carné. Luego aparece la bellísima Romy Schneider que descollaba en una década de mujeres hermosas. Había empezado en el cine siendo todavía una adolescente. En 1960 había actuado en Purple Noon de René Clément haciendo un personaje menor, pero después trabajaría con Visconti, Alain Cavalier, Orson Welles y Otto Preminger.

El trabajo de pre-producción se llevó a cabo de manera minuciosa calculando hasta el último detalle y haciendo innumerables pruebas fotográficas. Era necesario. Esta película se rodaría con tres equipos de cámara trabajando en simultáneo. Los exteriores se filmarían en un lago artificial que sólo estaría disponible por 20 días, cumplido este tiempo la locación sería inundada con motivo de obras públicas a desarrollarse en el lugar.

Clouzot era un hombre que vivía y amaba con pasión. Eso se nota en su cine, en sus personajes, en su interés por filmar dramas que no se expresan pero que su cámara nos deja saber que existen. Los miembros del equipo de rodaje de L'enfer rememoran al realizador despertando a las 2 a.m. a su asistente de dirección porque a esa hora se le había ocurrido una nueva idea. Cada día Clouzot tachonaba su guión de hierro con más y mejores piezas.

Ciertamente un trabajo de pre-producción minucioso permite realizar cambios en el set con mayor comodidad. Pero no olvidemos que estamos hablando de tres unidades trabajando en simultáneo. Se llegó a un punto en el que cada cada retake sumaba un atraso más al plan de rodaje. Y es que además no era este un filme de puesta en escena austera, de primeros planos y planos medios. Hay un plano, por ejemplo, en el que vemos en primer término a dos personajes en un bote en mitad del lago, tras ellos está un cerro atravesado por la carretera de acceso al hotel donde se desarrolla la historia. Por esa carretera vemos correr a Marcel loco de celos.

La suma de dificultades y las exigencias de Clouzot incrementaron la tensión y caldearon el ambiente de tal forma que en el punto más crítico del rodaje, cuando quedaban pocos días para abandonar la locación y muchos planos por rodar, Reggiani abandonó el set. Se dijo que lo había atacado una brucelosis, lo cual nunca llegó a confirmarse. Lo cierto es que la paciencia del actor se vio colmada por un rodaje que se debatía entre lo monumental y lo caótico. Clouzot insistió en seguir adelante y filmar las escenas que faltaban mientras la producción le procuraba otro actor.

Las historias de Jack London nos dejan ver la facilidad con la que las fuerzas de la naturaleza doblegan al espíritu más valeroso que se atreve a enfrentarlas. Una mañana, en un bote en mitad del lago, Clouzot filmaba a Romy Schneider y a Dany Carrel en una escena casi sáfica. La claqueta entra a cuadro. Sale. Las actrices obedecen a la voz de acción. Arranca la escena y, en medio de una caricia el plano se termina. La cámara se detiene. Clouzot había sufrido un ataque cardíaco. Sobrevivió, pero no su película. Después de ver los costos, la renuncia del protagonista y el estado de salud del director, la producción ordena suspender el proyecto.

En busca del tiempo perdido de Proust es el paradigma de obra de arte monumental que varios grandes autores han aspirado emular. La modernidad atacó con su razón y sus evidencias los paradigmas antiguos plagados de dioses, demonios, brujas y espíritus, más sin embargo parece que estos espectros desplazados se hubiesen marchado al baúl de la historia dejando una maldición sobre las páginas de la obra de Proust. Así como cayó Clouzot, años después En busca del tiempo perdido cobraria otra víctima: Truman Capote y sus Answered Prayers (“Plegarias atendidas”).

Estos son uno de tantos ejemplos. Cada obra de arte que consigue el éxito guarda detrás de sí una historia de frustraciones y fracasos protagonizados por grandes y pequeños. La historia de las artes es mucho más que sus grandes personalidades y sus éxitos. Reconstruir los fracasos es otro recurso para entender el cine, sobre todo ahora que pasa por momentos tan críticos. En este sentido, L'enfer d'Henri-Georges Clouzot constituye un aporte importante.

Por otra parte, vale mencionar que este es, sobre todo un filme para cinéfilos. El nombre de Clouzot muy seguramente pasa desapercibido para las nuevas generaciones de espectadores y rara vez los rushes atraen al gran público a menos que haya asesinatos y una poderosa estrategia de mercadeo. En principio, esto presenta una desventaja en términos de distribución. Empero, este filme ha sido galardonado con el Premio César a mejor documental el 27 de febrero de este año. Una gran ayuda para promover la distribución de un filme importante, aunque sea en el ámbito de las salas de arte y ensayo. Esta coyuntura nos debería a invitar a reflexionar sobre el caracter y el papel de los premios en la industria cinematográfica.

La proyección fue en video de alta definición. El público asiste sin reparos. A pesar de que ahora se recicla el viejo 3-D, el 35 mm se marcha con paso lento “sin desplegar los labios... por la orilla del fragoroso mar,...” de la historia. Tomémonos el tiempo para despedirlo.

(http://lamoviolacineclub.blogspot.com/2010/05/el-infierno-de-henri-georges-clouzot-de.html)


fa 6190

Ovsyanki (Aleksei Fedorchenko, 2010)

Almas silenciosas

Miron (Yuriy Tsurito) acaba de perder a su querida esposa, Tanya (Yuliya Aug). Su amor hacia ella era tan grande que le pide a su mejor amigo, Aist (Igor Sergeyev), que le ayude a despedirla según el ritual de la cultura Merya, una tradición de la región del Lago Negro que se remonta al siglo XVII. Los dos hombres parten hacia el lago con ese objetivo y, durante el largo trayecto por las tierras desérticas de Rusia, Miron se acerca más que nunca a Tanya... aunque no está preparado para la nueva y terrible verdad que se rebela ante sus ojos. (FILMAFFINITY)

2010: Festival de Venecia: FIPRESCI
2010: Festival de Mar del Plata: Mejor director, mejor guión

fa 6208

Nihon eiga no hyaku nen (Nagisa Ôshima, 1995)

100 años de cine japonés

Si la Historia del cine francés de Godard para la serie del BFI "Century of Cinema" fue polémica, la de Oshima sobre el cine japonés fue realmente controvertida al mostrar su desdén por los grandes maestros. Muchos críticos se han preguntado por qué Mizoguchi, Ozu y Kurosawa son menospreciados, dándoles un clip o dos a cada uno, mientras que Oshima habla de cuatro de sus propios films. La serie comienza con el cine mudo, sigue con los dramas de los 30, el auge del militarismo y los efectos de la Segunda Guerra Mundial en la industria cinematográfica, la edad dorada de la posguerra, la llegada de la Nueva Ola y la aparición de directores independientes, desde Terayama o Kitano hasta Yoshimitsu Morita o Yoichi Sai. Oshima termina la serie expresando su deseo de que el cine japonés "se libre de su propio embrujo para que florezca como puro cine". (FILMAFFINITY)

fa 6215

Chekhovskie motivy (Kira Muratova, 2002)

Los miembros de una familia de granjeros repiten las mismas líneas de diálogo mientras un estudiante se prepara para irse de su casa y estudiar; en una interminable fiesta de bodas los invitados no dejan de hablar maniáticamente mientras que el fantasma del novio interfiere en la ceremonia. (FILMAFFINITY)

fa 6398

Yoman (David Perlov, 1983)

DIARIOS 1973-83
Crónica de los diarios de David Perlov, cineasta israelí conocido por sus documentales y ensayos de cine, nacido en Río de Janeiro en 1930 y fallecido en Tel-Aviv, Israel, en el año 2003. El documental fue realizado durante un periodo de 10 años, desde 1973 hasta 1983, y está compuesto por 6 episodios de 55 minutos de duración cada uno. (FILMAFFINITY)

3 discos

fa 6467

Le retour (VV. DD., 1945)

Reunión
En 1940 Henri Cartier fue hecho prisionero por los alemanes y escapó en su tercer intento en febrero de 1943. En 1945 trabajó como parte de un equipo que fotografió la liberación de Paris y dirigió "Le Retour" (El Retorno), un documental sobre la repatriación de los prisioneros de guerra. (zalinho777, Patio de Butacas)

fa 6516

L'Espagne vivra (Henri Cartier-Bresson, 1938)

España vivirá

El Socorro Rojo era una organización que canalizaba las ayudas que sindicatos, organizaciones obreras y partidos de izquierda de todo el mundo enviaban en apoyo a la República Española. Cartier-Bresson documentó la tremenda labor de ayuda a la población civil que desarrollaba la organización, cargado de ilusión y esperanza en la causa republicana (http://peliculasdelaguerracivil.blogspot.com)

fa 6519

The Cremaster Cycle: Cremaster (Matthew Barney, 1995)


Primera entrega de la serie de películas incluidas en el "Ciclo Cremaster". Como marco del primer capítulo de su obra el director elige el Bronco Stadium de la localidad de Boise, en Idaho, donde él mismo jugó durante su adolescencia. Este episodio presenta el momento de máxima ascensión del cremaster, la indiferenciación sexual primaria. Para resaltar la ausencia de una identidad masculina todos los personajes son femeninos y, consecuentemente, este es el único film donde Barney no interpreta a ningún personaje. La alta posición del cremaster viene representada por el vuelo de dos dirigibles de Año Nuevo —que ya dan la bienvenida a algo nuevo que está naciendo, la identidad sexual del feto— en los que, simultáneamente, se encuentra la protagonista del episodio. La dualidad de este personaje indica una situación de potencial, en la que el feto puede terminar siendo de sexo masculino o femenino. La película concluye con la configuración, mediante uvas y su correlación con las bailarinas, de una estructura gonadal andrógina, de sexo indeterminado, y con la protagonista sentada en un trono esperando plácida y delicadamente el inicio del proceso de transformación. (FILMAFFINITY)
fa 6634


Segunda parte de la serie de películas surrealistas incluidas dentro de la saga "The Cremaster Cycle". (FILMAFFINITY)
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Tercera parte de la serie de películas surrealistas incluidas dentro de la saga "The Cremaster Cycle". En esta ocasión es una mezcla de cine de gangsters con una película de zombies, añadiendo el toque surrealista emblema de la saga. (FILMAFFINITY)
fa 6636 (2 discos)

Cuarta parte de la serie de películas surrealistas incluidas dentro de la saga "The Cremaster Cycle". (FILMAFFINITY)
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Quinta y última parte de la serie de películas surrealistas incluidas dentro de la saga "The Cremaster Cycle". (FILMAFFINITY)
fa 6638

Visage (Tsai Ming-liang, 2009)

Face / Rostro

Un director taiwanés (Kang-sheng) prepara en París una delirante adaptación de la espeluznante historia de Salomé (Laetitia Casta), la hijastra de Herodes que exigió la cabeza de Juan el Bautista (Léaud). Ardant interpreta a la productora del proyecto, y Moreau es la musa inspiradora que aparece en sus sueños. (FILMAFFINITY)

2009: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

fa 6750

Exercices spirituels (Olivier Smolders, 2005)

Ejercicios espirituales

"Según la disposición de las personas que quieren tomar exercicios spirituales, es a saber, según que tienen edad, letras o ingenio, se han de aplicar los tales exercicios; porque no se den a quien es rudo, o de poca complisión, cosas que no pueda descansadamente llevar y aprovecharse con ellas. Assimismo, según que se quisieren disponer, se debe de dar a cada uno, porque más se pueda ayudar y aprovechar".
San Ignacio de Loyola, "Ejercicios Espirituales"

Colección de 13 cortos (10 originales, 3 de yapa).

LISTA DE CORTOS:

01.Adoration / Adoración (1987 - 15m50s - B&W)
Basado en la historia real de Sagawa, un estudiante japonés que asesinó, descuartizando y comiéndose a una joven holandesa en París. Poemas de Gérard de Nerval y Sthéphane Mallarmé.
Resolución : 720x464 - Bitrate : 1919 kb/s

02.Mort à Vignole / Muerte en Vignole (1998 - 22m39s - B&W)
While staying on an island off Venice, a film maker questions the way in which personal and biographical issues play a role in stories about love and death.
Resolución : 512x384 - bitrate : 1867 kb/s

03.Point de fuite / Punto de fuga (1988 - 9m56s - Color)
Un film pedagógico surrealista.
Resolución : 720x464 - bitrate : 1909 kb/s

04.L'amateur / El amateur (1997 - 26m01s - B&W)
La historia de un hombre que olfatea la desnudez femenina.
Resolución : 720x448 - bitrate : 1863 kb/s kbps

05.La philosophie dans le boudoir / La filosofía en el tocador (1991 - 12m52s - B&W)
Primera parte de un díptico basado en "La filosofía en el tocador" del Marqués de Sade.
Resolución : 720x480 - bitrate : 1886 kb/s

06.Ravissements / Éxtasis (1991 - 6m24s - B&W)
Segunda parte del díptico de "La filosofía en el tocador", basada en textos de Teresa de Ávila, la carismática y controvertida asceta que tuvo visiones místicas.
Resolución : 720x496 - bitrate : 1938 kb/s

07.Pensées et visions d’une tête coupée / Pensamientos y visiones de una cabeza cortada (1992 - 24m41s - Color)
Retrato de un pintor imaginario basado en la vida y la obra de A. Wiertz.
Resolución : 704x528 - bitrate : 1895 kb/s

08.Neuvaine / Novena (1984 - 28m44s - B&W)
Un escritor se retira a su viejo colegio para encontrar su imaginación perdida.
Resolución : 720x560 - bitrate : 1916 kb/s

09.L'art d'aimer / El arte de amar (1985 - 13m06s - Color)
A través de los retratos de varias mujeres que marcaron su vida, un hombre cuenta cómo terminó matando a su madre.
Resolución : 720x544 - bitrate : 1900 kb/s

10.Seuls / Solos (1989 - 12m33s - B&W)
Retratos de chicos en una institución psiquiátrica.
Resolución : 720x480 - bitrate : 1915 kb/s

11.Nuite Noire (trailer) (3m05s - Color)
Trailer de la película.
Resolución 720x432 - bitrate : 1838 kb/s

12.Exercices spirituels / Ejercicios espirituales (para Court-Circuit) (2005 - 5m52s - B&W)
Smolders reflexiona acerca del arte del cine.
Resolución : 656x512 - bitrate : 1944 kb/s

13.Images amoureuses, images de mort / Imágenes amorosas, imágenes de muerte (para Court-Circuit) ( 2003 - 2m27s – Color)
La difícil fascinación de Smolders por retratos de hombres y mujeres desconocidos.
Resolución : 720x560 – bitrate : 1797 kb/s


3 discos

fa 6719

Sånger från andra våningen (Roy Andersson, 2000)

Canciones de segundo piso
Mientras se producen una serie de hechos que parecen anunciar un próximo caos, un hombre comienza, gradualmente, a ser consciente de lo absurdo del mundo y de lo difícil que resulta comportarse y vivir como un ser humano. (FILMAFFINITY)

fa 6600

Road House (Jean Negulesco, 1948)

El parador del camino

'Jefty' Robbins (Richard Widmark), dueño del club "Road House", se trae de Chicago a Lily Stevens (Ida Lupino), una atractiva y cínica cantante a la que contrata por 250 dólares por noche para que actué en el club, salario que al parecer está muy por encima de lo que acostumbra a pagar a las innumerables cantantes que acostumbra a contratar.

'Jefty' Robbins (Richard Widmark), dueño del club “Road House”, se trae de Chicago a Lily Stevens (Ida Lupino), una atractiva y cínica cantante a la que contrata por 250 dólares por noche para que actué en el club, salario que al parecer está muy por encima de lo que acostumbra a pagar a las innumerables cantantes de medio pelo que acostumbra a contratar y que le duran nada y menos.

Al llegar al club vemos que es recibida con recelo por Pete Morgan (Cornel Wilde), manager del club a las ordenes del inquietante Robbins, el cual oliéndose que la aparición de Lily va a traer problemas, trata de desembarazarse de ella ofreciéndola 200 dólares y poniéndola en la parada del autobús para que salga de la ciudad, cosa que ella no acepta, alejándose de la estación de autobús en dirección al hotel.

A partir de aquí tenemos una magnifica muestra de cine negro como resultado de los amores, despechos y sucias maniobras en torno al trio protagonista, en la que sobresale una magnifica y arrebatadora Ida Lupino, que aparte de su gran actuación y la sensualidad que siempre desprende esta mujer, aquí se luce cantando dos o tres temas con una voz ronca y gutural que te ponen los pelos como escarpias, mientras enlaza un cigarro con otro.

Jean Negulesco se luce con una sobria y efectiva dirección, Richard Widmark recuerda en la composición de su psicótico y malvado personaje al Tommy Udo de “Kiss of Death 1947” (entre medias rodo “La calle sin nombre 1948”), Celeste Holm en el papel de la campechana cajera aporta un toque divertido y emotivo y Cornel Wilde como el antagonista de Richard Widmark, acaban por redondear esta interesante y buena producción.

Por último y como no podía ser menos estando Ida Lupino de por medio, copio y pego la coletilla con la que acostumbro a cerrar casi todas las reseñas que he realizado en las que estaba implicada esta magnífica, estajanovista, ecléctica y longeva cineasta:
La gustaba llamarse a sí misma en clara alusión por su excelente carrera en serie B, “la Bette Davis y Don Siegel de los pobres”, poseedora de dos estrellas en “El paseo de la fama” de Hollywood y para el autor de estas líneas, la magnífica Marie Garson en una de las mejores películas (a mi juicio) de la historia del cine: High Sierra 1941, de Raoul Walsh. (tiznao, FilmAffinity)

fa 6571

Plasticni Isus (Lazar Stojanovic, 1971)

Plastic Jesus
El protagonista es un director de cine croata-americano que tiene una novia que se le da por cantar clásicos occidentales, entre ellos el éxito popular de Janis Joplin, Plastic jesus. ella lo deja, pero el encuentra otra, y al mismo tiempo tiene un malentendido con la policía. Sin embargo, el problema real es con una mujer celosa, que lo mata. En algún lugar de esta historia, el cineasta se las arregla para mostrar un discurso de Hitler que está respaldado por exactamente la misma pieza de música como un discurso que nubla la mente.

fa 6558

Amator (Krzysztof Kieslowski, 1979)

El aficionado

Filip Mosz es un obrero que descubre gracias a una súper 8 los poderes de las grabaciones cinematográficas. Destinada a grabar los primeros pasos de su bebé, la cámara se convierte en herramienta de exploración y análisis del mundo: fábricas, obreros, ciudades, poblaciones, recuerdos, relaciones de poder y trabajo A medida que Filip encuentra nuevos temas, el mundo cambia. Esta actividad lo aleja de su mujer, empeora su relación con su jefe y provoca rupturas y malentendidos. Tanto su vida privada como su vida social se vuelven inestables como si el cine influyera en la realidad. (FILMAFFINITY)

Película sencilla pero no muy cómoda, el espectador (pese a que no es un film especialmente complejo) ha de sobreponerse al ritmo lento y a unas reflexiones que, por esa aparente sencillez, pueden descolocar a más de uno. Ahora bien, el que esté dispuesto a dejarse llevar encontrará sobrados motivos de satisfacción.

Desde el punto de vista de la aparición del ansia por registrar la realidad y de “crear”, la película es interesantísima, sobre todo al principio. Nos hablan de la perspectiva del cine como registro de la memoria, como exploración de la realidad, como “responsabilidad” y compromiso del autor. En este sentido hay momentos como las primeras grabaciones del protagonista, el estallido de emoción tras ver el documental de uno de los trabajadores en TV... que son muy intensos y esbozan las cuestiones que, en mi modesta opinión, debieron ser el eje de la cinta.

Me encantó ver la fascinación del protagonista por su cámara, por las imágenes registradas, por su búsqueda de algo elevado en esa actividad que, por azar, ha descubierto y su ansia por averiguar el sentido y los objetivos que la creación cinematográfica incorpora.

Pero la película va abandonando esas consideraciones (nunca del todo, pero pierden el papel preponderante del principio) y comienza a dejarnos apuntes sobre su crisis matrimonial y, sobre todo, se centra en la consideración del cine como propaganda e instrumento del que hacer uso para fines concretos que nada tienen que ver con lo artístico ni con la búsqueda de la “verdad”.

Esa perspectiva de cine de autor vs. control e injerencia del poder (realidad vs. adulteración y ocultación) acaba siendo el motor principal y a esa cuestión se dedica gran parte el metraje. Quizás mi pega (el 7 y no un 8) sea debido a eso. No trato de ser objetivo pero el inicio de la película me insinuó otro camino, creí que las reflexiones sobre la creación y el hecho cinematográfico desde una perspectiva más reflexiva pero apasionada a la vez (el poder de las imágenes sin más, sin explicaciones) serían lo fundamental. Tanto desde la perspectiva de la creación, fascinación y conflicto a la hora de decidir lo que es y lo que no es arte, lo que merece la pena registrar, el compromiso del director con la realidad, con el público, la libertad del artista... Pero al final (pese a que hay un poco de todo) lo que se impone es el conflicto ético del protagonista con el director de la fábrica (censura). Así que la película toma ese camino mucho más directo. Y es cierto que eso es también parte del conflicto de ese director en ciernes de documentales, pero no es la parte que más me interesaba.

También hay un homenaje al director de cine Zanussi, a los cineclubs y a los debates posteriores al visionado de una película, cierta intención paródica en el festival de cine (con algunos personajes ridiculizados) etc. (Bloomsday, FilmAffinity)


fa 5186

Personel (Krzysztof Kieslowski, 1976)

El personal

Romek, un joven idealista de 19 años, encuentra trabajo como sastre en el departamento de vestuario de una compañía de teatro de Varsovia. (FILMAFFINITY)


fa 6554

Krótki dzien pracy (Krzysztof Kieslowski, 1981)

Una corta jornada laboral
Desde 1968 hasta 1981, corre fulgurante la carrera de un miembro del partido comunista. Pero con el advenimiento del sindicato Solidaridad, le toca enfrentarse a una jornada de protesta por la alza de precios, en que edificio que ocupa se ve literalmente asediado por miles de personas. La jornada transcurre lenta, y él piensa con cautela -un pensamiento expresado con voz en off- cuáles son los pasos más prudentes a dar: seguir las instrucciones de sus superiores al pie de la letra, o hacer gestos que le sirvan para congraciarse con los obreros que están a su puerta.
fa 6493


Francisco Boix, un fotógrafo en el infierno (Llorenç Soler, 2000)

Documental sobre la vida de Francisco Boix, un comunista español que sobrevivió al campo de concentración de Mauthausen. Sus fotografías sirvieron de prueba en los juicios de Nuremberg. (FILMAFFINITY)

fa 6453

Film Noir (D. Jud Jones & Risto Topaloski, 2007)

Film Noir (2007) es una película de animación para adultos que narra la historia de Sam Ruben, un detective privado que después de una súbita amnesia ve truncado un inteligente plan en el que termina siendo otra persona físicamente, de tal suerte que la trama irá sobre la búsqueda de su propia identidad y de comprender todo lo que ha pasado alrededor de tal suceso, para darse cuenta finalmente de qué clase de persona es.

Esta animación es una producción mayoritariamente Serbia aunque es una coproducción con los Estados Unidos que imprime un sello muy americano en el filme que codirigen Jud Jones y Risto Topaloski.

Para las voces del reparto han recurrido a no muy renombrados personajes pero que en definitiva sacan avante el trabajo, voces como las de Mark Keller, Bettina Devin, Roger Jackson, Victoria O’Toole, Jeff Atik, Kristina Negrete, Elaine Clark, Amy Provenzano; dicho sea de paso Mark Keller se ha encargado también de la musicalización del filme que va muy al estilo de comic americano en el que incluso interpreta el tema que cierra la cinta, además de toques de jazz en un mood hasta divertido dentro de la rítmica de la película que dan el perfecto soporte a la plástica del filme.

La estética por la que apuesta Miodrag Certic y la productora Easy E Films es aquella cargada de una excelente creativa de iluminación que da el dramatismo para un thriller, que con la edición realizada por Namur Elephantine dinamiza la cinta, mientras se luce el arte de Raymond Penn y la fotografía de alto contraste de Radan Popovic, con tiros de cámara inteligentemente construidos en planos y secuencias que dan elementos de hiperrealidad.

fa 6445

Experimental Films: Mother ot the Trance Film (Maya Deren, 1943-1959)

Colección de cortometrajes de Maya Deren, directora que trabajo al margen de la industria del cine comercial e hizo de su vida el centro de sus películas.

Contiene:
Meshes of the Afternoon (1943-59) 14 min
At Land (1944) 4 min
A Study In Choreography for Camera (1945) 4 min
Ritual in Transfigured Time (1945-46) 15 min
Meditation on Violence (1948) 12 min
The very Eye of Night (1952-59) 15 min


fa 6438

De eso no se habla (María Luisa Bemberg, 1993)

Leonor, una rica viuda, está muy orgullosa de su única hija, de trece años. Sólo hay un problema: la chica es enana. Leonor, toda una autoridad, ha logrado que la gente no hable del problema de su hija. Y, curiosamente, un soltero rico, por el que suspiraban las damas, se enamora de la muchacha. (FILMAFFINITY)

fa 6415

Correspondencia (s) (VV. DD., 2011)

Fernando Eimbcke, So Yong Kim, Albert Serra, Lisandro Alonso, Jaime Rosales, Wang Bing, José Luis Guerin, Jonas Mekas, Isaki Lacuesta, Naomi Kawase

CORRESPONDENCIA(S) reúne el intercambio de cartas filmadas entre 5 parejas de cineastas. La correspondencia fílmica es un nuevo y original formato de comunicación entre directores que, a pesar de encontrarse separados geográficamente, están unidos por la voluntad de compartir ideas y reflexiones sobre todo aquello que motiva su trabajo

5 discos


fa 6372/73/74/75/76

Kerouac, the Movie (John Antonelli, 1985)

Jack Kerouac ha sido un escritor de la Generación Beat quien ha escrito la novela En el camino (On the road). El legado de Kerouac y su influencia se muestran a través de entrevistas con amigos y contemporáneos como William S. Burroughs, Allen Ginsberg, Huncke Herbert, y Edie Parker. El narrador, Peter Coyote, lee secciones (en su mayoría autobiográficos) de libros de Kerouac. (FILMAFFINITY)

fa 6329

Zycie jako smiertelna choroba przenoszona droga plciowa (Krzysztof Zanussi, 2000)

La vida, una enfermedad mortal de transmisión sexual
Los habitantes de una pequeña ciudad se congregan en la plaza donde se ahorcará a un cuatrero. Esto sólo forma parte de una película que se está rodando. Entre los miembros del equipo se encuentra un médico enfermo de cáncer, quien ha perdido la esperanza de curarse y se prepara para la muerte... (FILMAFFINITY)


fa 5923

Rok spokojnego slonca (Krzysztof Zanussi, 1984)

El año del sol inmóvil

Territorio alemán, que ha pasado a Polonia tras la II Guerra Mundial. Emilia vive con su madre en condiciones penosas, aguardando el improbable regreso de su esposo, en paradero desconocido desde que servía en el ejército. Un destacamento de soldados estadounidenses investiga crímenes de guerra en la zona. Uno de ellos, Norman, ayuda a las dos mujeres, y enseguida se ve atraído por Emilia, que duda acerca de aventurarse en un romance con él. (FILMAFFINITY)

1984: Venecia: León de Oro
1985: Globos de oro: Nominada Mejor película de habla no inglesa

Fa 5922

Le pornographe (Bertrand Bonello, 2001)

Jacques es un director de cine pornográfico que recapacita sobre su vida cuando se da cuenta que el mundo de lo "erótico" ha cambiado completamente y que él no es capaz de capturar la pasión en la pantalla como lo hizo en el pasado. Un polémico film por sus fuertes escenas de sexo explícito. (FILMAFFINITY)

fa 6184

Carl Th. Dreyer: Min metier (Torben Skjødt Jensen, 1995)

Carl Th. Dreyer: My Metier

Documental de Torben Skjødt Jensen que recoge una colección de memorias y reflexiones sobre la vida y la obra de uno de los grandes maestros de la historia del cine, el director danés Carl Theodor Dreyer. Un análisis visual, rico y exhaustivo de un artista poco comprendido en su tiempo. A través de entrevistas, testimonios escritos e imágenes de archivo inéditas, el retrato de Dreyer surge como el de un perfeccionista comprometido con su arte (en una ocasión suspendió un rodaje porque las nubes se estaban desplazando en la dirección equivocada), un hombre austero apasionado por su trabajo y poseedor de un gran sentido del humor. Su excepcional legado cinematográfico ha pasado con honores a la historia del cine. (FILMAFFINITY)

Documental interesante porque, aunque ortodoxo y no muy incisivo, traza una visión global de la vida y obra de uno de los gigantes cinematográficos.

El plan es rigurosamente cronológico. Tras un apunte inicial sobre circunstancias familiares, las películas son repasadas por orden de filmación. Se intercalan entrevistas con actores y actrices asiduos, bastante centradas en lo anecdótico. Les sorprende que un tipo tan humilde crease tan magno arte. A veces, dicen, tenías sensación de estar ayudando a un desamparado.

Dreyer vivió volcado en la meticulosa elaboración de su obra, alguno de cuyos títulos (“La pasión de Juana de Arco”, “Dies Irae” y “Ordet”) figuran en las antologías de todos los tiempos, pero a causa del desencuentro con la taquilla no siempre pudo ganarse el pan con el cine. Entre rodajes volvió más de una vez al periodismo, la crónica judicial. También fue durante una época director del cine Dagman, en Copenhague. Y realizó cortos por encargo para campañas gubernamentales.
Antes había sido contable en una sólida empresa donde tenía el camino trazado. Un día le llenó de horror ver la vida reducida a números y lo dejó para trabajar en la prensa, y también en unos estudios de cine donde hizo de todo (intertítulos, guiones, correcciones), aprendiendo en la práctica los entresijos de la realización.

Al pasar tanto tiempo entre una película y la siguiente (rodó en cinco países, siempre en busca de financiación), podía preparar guiones muy minuciosos. Creaba archivos de fotos y dibujos, para documentar cada detalle. “Como esto”, decía al equipo. Sin embargo, al llegar la hora del rodaje, si en función de circunstancias podía improvisar, lo hacía. Si no estaba ‘en forma’, entonces recurría al guión ultradetallado, la posición y movimientos de cada cámara apuntados. Sus célebres encuadres y composiciones…

Si bien quería ser conquistador de cimas, Dreyer no pretendía vanguardismo. Trataba temas universales y buscaba dirigirse a todo el mundo, a poco que tuviera la mente medianamente abierta. (Archilupo, FilmAffinity)

fa 6113

Block Notes Di Un Regista - Federico Fellini (1969)

FELLINI: BLOCK DE NOTAS DE UN DIRECTOR

Fellini opina sobre como hacer películas y sus procedimientos poco ortodoxos. Él busca la inspiración en varios sitios. Durante este film los espectadores de la película van con él al Colisseum de noche, dan un paseo por las catacumbas romanas a la Vía Apia, pasan por un matadero, y hacen una visita a la casa de Marcello Mastroianni. Fellini también es visto en su propia oficina entrevistando una serie de personajes caracteristicos de sus peliculas. (FILMAFFINITY)

Film ejecutado por el ingenioso Fellini, en cuyo planteamiento tanto formal como informal nos abre la puerta a su mundo más personal y a su obra, de manera un tanto artificiosa.

El mediometraje dividido en 11 secuencias, es una mirada arqueológica y reflexiva sobre las curiosidades “fellinianas”: desde la exhibición de la escenografía (en exteriores) de su ansiado film nunca realizado (“Il viaggio di G. Mastorna”), pasando por una fantasiosa entrevista a Mastroianni en su lujosa mansión, también rescatando secuencias que fueron eliminadas de “Las noches de Cabiria”(1957) hasta llegar a divisar un casting realizado por el propio director compuesto por personajes de connotaciones surrealistas.

Con este documental (creado a partir de la propuesta del productor estadounidense Peter Golfard y la NBC) el cineasta se instala en la senda estética puesta de manifiesto en “8 y 1/2” (1963) y que conduciría a films posteriores, como “Roma” (1972) y “Ensayo de orquesta” (1979).

EL MAESTRO DEL SÉPTIMO ARTE NOS DEJA ESTA PERLA COMPUESTA POR UN CARRUSEL DE IMÁGENES Y SONIDOS, UNA EXPERIENCIA SENSORIAL SOBRE ESE MUNDO ÚNICO Y SURREAL QUE TANTO EXTRAÑAMOS. (vinchenzo, FilmAffinity)

fa 6103

De weg naar Bresson (Leo De Boer & Jurriën Rood, 1984)

El camino a Bresson

Este documental presenta el intento de dos jóvenes admiradores de Robert Bresson que se propusieron, y finalmente consiguieron, entrevistar al director Robert Bresson en Cannes, en el marco de la presentación de su film 'L’argent' (1983). A partir del análisis de algunos de los rasgos más representativos del estilo Bresson y su concepción del “cinematógrafo”, junto a entrevistas con destacadas personalidades como Andrei Tarkovski, Louis Malle, Paul Schrader o Dominique Sanda (actriz del film 'Un femme douce'), el documental traza un retrato memorable de uno de los más grandes maestros que ha dado el cine. Como colofón, el encuentro con Bresson, en su habitación de hotel, que supone una de las pocas intervenciones filmadas del director francés, que siempre fue reacio a aparecer frente a la cámara. (FILMAFFINITY)


fa 6122

Postia pappi Jaakobille (Klaus Härö, 2009)

Cartas al padre Jacob

Filmada al estilo de un kammerspielfilm (cine de cámara), "Letters to Father Jacob" es la conmovedora historia de dos personajes: Leila, una mujer que, después de ser condenada a cadena perpetua, es indultada, y Jacob, un anciano cura rural ciego. La historia empieza cuando a Leila le ofrecen ser ayudante del sacerdote. Su trabajo consiste básicamente en responder las cartas que los fieles le escriben a Jacob pidiéndole ayuda y consejo. Esta labor para el cura es vital, a Leila, en cambio, le parece una tarea estéril; en consecuencia, la relación entre ambos personajes es bastante tensa. Pero llega un momento en que Jacob deja de recibir cartas y, entonces, siente que su vida ha perdido todo sentido. Este hecho será el desencadenante de una dramática revelación. Seleccionada por Finlandia como candidada al Oscar 2010 en la categoría de película de habla no inglesa. (FILMAFFINITY)

La película seleccionada por Finlandia para los Oscar 2010 devuelve a Klaus Härö a la actualidad, tras el éxito -moderado- que alcanzó en su momento con la interesante Mother of Mine. El realizador, que cuenta en su haber con cuatro largometrajes, consigue con esta "Cartas al padre Jacob" un equilibrio entre saber contar una historia y cómo darle forma, mediante una dirección de buen nivel y un fantástico trabajo actoral, sustentándose toda la obra en apenas tres personajes. Sería bastante hipócrita decir que la historia del film es original: una condenada a cadena perpetua es perdonada de su crimen y se le ofrece trabajo como asistenta personal de un cura ciego... aceptando a regañadientes. Tenemos aquí la típica historia del personaje duro que poco a poco se abre y consigue reavivar su llama interior, pero a diferencia de muchos otros films que han tratado el tema, aquí las cosas se cuentan de tal forma que nos es creíble: quizá por centrarse en pocos personajes o por ir directamente al grano, sin maquillar las situaciones.

El caso es que funciona y "Cartas al padre Jacob" resulta sumamente interesante desde el punto de vista argumental, algo que se aplica a los aspectos técnicos (fantástica fotografía, música perfectamente seleccionada). Klaus Kärö se ha quedado muy lejos de realizar una obra maestra, pero ha conseguido pulir su estilo para dar forma a un drama pequeñito, intimista, quizá algo previsible pero no por ello menos efectivo. Se agradece además que no esté inflado artificialmente: dura exactamente lo que debería para no ser reiterativo, poco más de una hora, tiempo perfecto para desarrollar una situación casi anecdótica y dotarla de suficiente fuerza como para que tampoco pueda considerarse insustancial. (Caith_Sith, FilmAffinity)

fa 6033

Hei yan quan (Tsai Ming-liang, 2006)

No quiero dormir solo
Hsiao-kang, un chino que vaga por las calles de la ciudad, es víctima de un ataque y es rescatado por unos trabajadores ilegales de Bangladesh, que lo acogen en su casa. Se convertirá entonces en el centro de las atenciones de uno de estos trabajadores. Mientras, harán su aparición en escena una camarera y su jefa, ambas atraídas sexualmente hacia él. (FILMAFFINITY)


2006: Festival de Gijón: Premio Especial del Jurado


fa 6149

He liu (Tsai Ming-Liang, 1997)

EL RÍO
Retrato de tres personajes víctimas de la soledad y la incomunicación: un joven con dolor en el cuello, un hombre que frecuenta saunas gays, y una mujer ascensorista, cuyo amante trafica con películas pornográficas. (FILMAFFINITY)

1997: Festival de Berlín: Oso de Plata - Premio Especial del Jurado


fa 6460

Sho o suteyo machi e deyou (Shuji Terayama, 1971)

TIRÁ TUS LIBROS, SAL A LA CALLE

Shuji Terayama debutó como director con este film sobre la alienación y el ansia por una revolución sociopolítica por parte de la contracultura juvenil de los 60. A través de imágenes fragmentarias el director nos narra la incertidumbre y el caos en los que se ve sumido un joven y su familia disfuncional. (FILMAFFINITY)

El segundo largometraje de Terayama (si considerampos Tomato Kecchappu Kôtei como el primero) representa de por sí algo bastante especial dentro de toda la filmografía del director. Si bien tiene el surrealismo y la poesía características de sus películas, el director se esforzó para darle un aire de fatalismo y de crítica social considerada incluso nihilista en esta temprana obra.

Las peores bajezas del hombre se ven por doquier aquí, desde el engaño, la traición, la locura y el sometimiento. Cada personaje sufre en la película, el protagonista se pregunta si se puede querer a un país que se arrodilla ante el mundo. Y el final, simplemente sorprendente. La película sale de la pantalla y se abalanza sobre el espectador, haciendole ver que toda película es parte inamovible de la sociedad, que es una fotografía de la misma. (DerekDM)

fa 6917

Les fruits de la passion (Shuji Terayama, 1981)

Secuela espiritual de "La historia de O". “Les Fruits de la Passion” es un melodrama erótico ambientado en el Hong Kong de los años 20. Kinski, un europeo decadente con negocios en la ciudad, envía a su mujer a un burdel para profundizar en su amor física y espiritualmente. El tema de la sumisión, del sufrimiento y la ofensa que aparecían en la cinta de 1975 son retomados aquí, en cuyo burdel de fantasía se muestran viñetas de tortura, fetichismo y perversiones diversas. “O” debe renunciar a cualquier deseo para amar completamente a Sir Stephen, quien se deleita martirizándola mostrándole como ama también a otra mujer, Nathalie, interpretada por Arielle Dombasle. El trío se rompe cuando un cuarto personaje, un joven que envía flores a la bella encarcelada, se introduce entre la pareja protagonista para hacer suya a “O”. (FILMAFFINITY)

Protagonizada por Klaus Kinski y la delicada presencia de Isabelle Illiers como “O”, estos “Frutos de la Pasión” están basados en la continuación que hizo Pauline Réage a “Historia de O”, un clásico del erotismo escrito por esta apocada francesa (cuyo verdadero nombre era Anne Desclos), dedicado a su amante secreto.

“Les Fruits de la Passion” es un melodrama erótico ambientado en el Hong Kong de los años 20. Kinski, un europeo decadente con negocios en la ciudad, envía a su mujer a un burdel para profundizar en su amor física y espiritualmente. El tema de la sumisión, del sufrimiento y la ofensa que aparecían en la cinta de 1975 son retomados aquí, en cuyo burdel de fantasía se muestran viñetas de tortura, fetichismo y perversiones diversas. “O” debe renunciar a cualquier deseo para amar completamente a Sir Stephen, quien se deleita martirizándola mostrándole como ama también a otra mujer, Nathalie, interpretada por Arielle Dombasle. El trío se rompe cuando un cuarto personaje, un joven que envía flores a la bella encarcelada, se introduce entre la pareja protagonista para hacer suya a “O”.

La historia se pierde entre delirios surrealistas y objetos que invocan un simbolismo catártico. Hay más en las estampas vivas que protagonizan cada escena que en el análisis del film. “Les Fruits de la Passion” está pensada para perderse en sus decorados pictóricos y en sus evocativas imágenes, en el contraste colorista del burdel y las localizaciones exteriores de tonos terrosos. Terayama, también guionista del film, le da más importancia al detalle de un loro en una jaula, a una palangana, a un piano que emerge del agua, a animales pintados en las paredes o a la desnudez de “O” que a la trama o a los diálogos.

El protagonismo está en los filtros de color, que enfatizan la mirada extraviada de Kinski, en los matices brillantes, en las ropas y los maquillajes extremos, y le da a cada imagen una cualidad pictórica, tanto que podemos detener el visionado y en una captura encontrar decenas de detalles en los ángulos de la pantalla que están ahí, como caídos del cielo, esperando a ser descubiertos.
AURA (http://aura-archangemaudit.blogspot.com/2008/09/les-fruits-de-la-passion-1981.html)


fa 6909

Les fruits de la passion (Shuji Terayama, 1981)

Secuela espiritual de "La historia de O". “Les Fruits de la Passion” es un melodrama erótico ambientado en el Hong Kong de los años 20. Kinski, un europeo decadente con negocios en la ciudad, envía a su mujer a un burdel para profundizar en su amor física y espiritualmente. El tema de la sumisión, del sufrimiento y la ofensa que aparecían en la cinta de 1975 son retomados aquí, en cuyo burdel de fantasía se muestran viñetas de tortura, fetichismo y perversiones diversas. “O” debe renunciar a cualquier deseo para amar completamente a Sir Stephen, quien se deleita martirizándola mostrándole como ama también a otra mujer, Nathalie, interpretada por Arielle Dombasle. El trío se rompe cuando un cuarto personaje, un joven que envía flores a la bella encarcelada, se introduce entre la pareja protagonista para hacer suya a “O”. (FILMAFFINITY)

Protagonizada por Klaus Kinski y la delicada presencia de Isabelle Illiers como “O”, estos “Frutos de la Pasión” están basados en la continuación que hizo Pauline Réage a “Historia de O”, un clásico del erotismo escrito por esta apocada francesa (cuyo verdadero nombre era Anne Desclos), dedicado a su amante secreto.

“Les Fruits de la Passion” es un melodrama erótico ambientado en el Hong Kong de los años 20. Kinski, un europeo decadente con negocios en la ciudad, envía a su mujer a un burdel para profundizar en su amor física y espiritualmente. El tema de la sumisión, del sufrimiento y la ofensa que aparecían en la cinta de 1975 son retomados aquí, en cuyo burdel de fantasía se muestran viñetas de tortura, fetichismo y perversiones diversas. “O” debe renunciar a cualquier deseo para amar completamente a Sir Stephen, quien se deleita martirizándola mostrándole como ama también a otra mujer, Nathalie, interpretada por Arielle Dombasle. El trío se rompe cuando un cuarto personaje, un joven que envía flores a la bella encarcelada, se introduce entre la pareja protagonista para hacer suya a “O”.

La historia se pierde entre delirios surrealistas y objetos que invocan un simbolismo catártico. Hay más en las estampas vivas que protagonizan cada escena que en el análisis del film. “Les Fruits de la Passion” está pensada para perderse en sus decorados pictóricos y en sus evocativas imágenes, en el contraste colorista del burdel y las localizaciones exteriores de tonos terrosos. Terayama, también guionista del film, le da más importancia al detalle de un loro en una jaula, a una palangana, a un piano que emerge del agua, a animales pintados en las paredes o a la desnudez de “O” que a la trama o a los diálogos.

El protagonismo está en los filtros de color, que enfatizan la mirada extraviada de Kinski, en los matices brillantes, en las ropas y los maquillajes extremos, y le da a cada imagen una cualidad pictórica, tanto que podemos detener el visionado y en una captura encontrar decenas de detalles en los ángulos de la pantalla que están ahí, como caídos del cielo, esperando a ser descubiertos.
AURA (http://aura-archangemaudit.blogspot.com/2008/09/les-fruits-de-la-passion-1981.html)


fa 6909

Den-en ni shisu (Shuji Terayama, 1974)

PASTORAL: MORIR EN EL PAÌS

Un chico decide escapar de su casa con la mujer de su vecino porque está enamorado de ella. (FILMAFFINITY)
fa 6123


Tomato Kecchappu Kôtei (Shuji Terayama, 1970)

Un grupo de niños preadolescentes, en uniformes militares, se hacen con el poder de Japón y empiezan a dar caza a los adultos. Film vanguardista del reconocido poeta revolucionario, escritor de teatro, comentarista radiofónico, guionista y cineasta Shuji Terayama, figura clave del cine experimental japonés de los 70. Terayama se basó en su narración radiofónica, emitida en los 60, que abordaba el tema a la manera de Orson Welles con "La Guerra de los Mundos". Tras no quedar plenamente satisfecho con esta versión larga, en 1971 realizó una versión corta de 27 minutos. (FILMAFFINITY)


fa 6272

The Pervert's Guide to Cinema (Sophie Fiennes, 2006)

LA GUÍA DEL PERVERTIDO DE CINE

Aclamado documental sobre algunas de las mejores películas de la historia del cine, dirigido por la hermana de Ralph Fiennes y escrito y presentado por Slavoj Zizek, un conocido filósofo, psicoanalista y cinéfilo esloveno. (FILMAFFINITY)

fa 6266

The Pumpkin Eater (Jack Clayton, 1964)

Siempre estoy sola

Jo es una mujer que se ha casado varias veces. Parece que con Jake, su último marido, ha encontrado por fin la estabilidad que necesitaba; pero cuando descubre que Jake le es infiel y, además, está embarazada, todo se vendrá abajo. (FILMAFFINITY)

1964: Nominada al Oscar: Mejor actriz (Anne Bancroft)
1964: Globo de Oro: Mejor actriz drama (Anne Bancroft)
1964: Festival de Cannes: Mejor actriz (Anne Bancroft)


fa 6265

The Racket (John Cromwell, 1951)

El soborno / La trampa

El Sindicato del Crimen controla la ciudad. Su jefe es alguien cuya identidad se desconoce y a quien llaman "el Anciano". La corrupción se ha adueñado de las instituciones e incluso de las fuerzas del orden. Thomas McQuigg, un honrado capitán de policía, ha sido trasladado por sus superiores a una comisaría de barrio para mantenerlo al margen. Pero él no se rinde: con la ayuda de Johnson, un policía tan íntegro y valiente como él, emprende una implacable cruzada contra uno de los gánsteres más influyentes de la ciudad. (FILMAFFINITY)

El soborno tuvo su precedente en un polémico film de Lewis Milestone de 1928 nominado para los Oscars del 29 y a su vez prohibido en Chicago.

Este remake de Cromwell con la estimable colaboración de Nicholas Ray (quien no figura acreditado) es una mas que interesante película de gangsters que se recrea en la corrupción de los poderes establecidos (policías, fiscales, etc.) mas que en la violencia propia del género y donde incluso se plantea el soborno y el chantaje como alternativa "civilizada" a la ley de la bala aunque siempre hay algunos a los que no gustan los cambios y siguen pistola en ristre silenciando al personal. Tal es el caso de Nick Scanlon (excepcional Robert Ryan) quien sigue suministrando trabajo a los forenses del distrito séptimo, el del Capitán McQuigg (excepcional, Robert Mitchum) a pesar de las consignas de la nueva sociedad del crimen dirigida desde las sombras por El Anciano.

Cuenta con la interesante presencia de Lizabeth Scott aunque un tanto alejada de su interpretación en El extraño amor de Martha Ivers y con otros buenos secundarios como William Talman como el policía Johnson, uno de los pocos honestos junto a su jefe o Robert Conrad como el corrupto inspector Turck.

Tal vez la ñoñería de algunos personajes (el periodista) y la flojera del guión en ciertos pasajes (el afeitado) resten algo de fuerza a una película digna, interesante y donde destacan dos auténticos Robert - monstruos de este mundo cinematográfico: Ryan y Mitchum. (FATHER CAPRIO, FilmAffinity)

fa 6264

Taking Off (Milos Forman, 1971)

Juventud sin esperanza

Cuando una adolescente se escapa de casa, sus padres se esfuerzan por encontrarla. En estas circunstancias, llegan a conocer a otros matrimonios que se hallan en idéntica situación. (FILMAFFINITY)

 1971: Cannes: Gran Premio del Jurado. Nominada a la Palma de Oro.

1972: BAFTA: 7 nominaciones, incluyendo mejor película, mejor director, mejor guión y mejor actriz.


fa 6261

Tales from the Script (Peter Hanson, 2009)

Cuentos del guión

En “Tales from the Script” guionistas de primera linea indagan en el análisis de sus triunfos y fracasos, tanto como en el talento y en la habilidad necesaria para desarrollar sus carreras en unas de las industrias más competitivas del mundo. Una charla que también deriva en anécdotas personales sobre sus mejores películas, y la relación con gente como Stanley Kubrick, Martin Scorsese (que directores…), Steven Spielberg, y algunos actores de primera linea.

fa 6260

Upír z Feratu (Juraj Herz, 1982)

VAMPIRO DE FERATU
Un doctor (Marek) entra en shock cuando su amada novia (Mima) firma un contrato con un fabricante extranjero de coches, Ferat, con el objetivo de trabajar para él como piloto de rally. Aparentemente, el coche no utiliza carburante, pues se alimenta de la sangre de su conductor. (FILMAFFINITY)
fa 7055

The Psychopath (Freddie Francis, 1966)

En esta producción de Amicus cuatro hombres son encontrados muertos brutalmente. En la escena del crimen, unas muñecas dejadas con las victimas parece ser la firma del asesino. La investigación del Inspector Holloway revela que hay alguna conexión entre las cuatro. Escrito por Robert Bloch creador de la famosa novela 'Psicosis'. (FILMAFFINITY)

fa 7053