sábado, 29 de octubre de 2011

Alain Gagnol y Jean-Loup Felicioli - Les Tragédies Minuscules (1999)


Esta serie de cortos de animación la descubrí por primera vez en el programa Caloi en su tinta, y como muchas de las cosas que aporto dicho programa, me resulto inquietante, a la vez que deslumbrante visualmente. Para mi alegría, volví a encontrarla en 24fps, esta vez subtitulada por piscica y equipo. Todo el agradecimiento a ellos, entonces por permitirnos disfrutar de esta joya.
Consta de nueve cuentos mínimos, cotidianos y terribles, realizados por Jean-Loup Felicioli y Alain Gagnol durante 1999 y consta de una exquisita realización plástica que nos descubre las facetas mas oscuras de la personalidad: la hipocresía, el cinismo, las manías, las frustraciones y las obsesiones.



Las tragedias minúsculas
La historia enfrenta a los personajes de la vida diaria con toda su extrañeza y la crueldad. Momentos en el curso de su vida donde se enfrentan con ellos mismos cara a cara. Todos tienen por eje retratar pequeñas obsesiones y pensamientos maliciosos de los seres humanos.
Consta de una exquisita realización plástica -con aires a Modigliani y Lautrec- que nos descubre las facetas mas oscuras de la personalidad: la hipocresía, el cinismo, las manías, las frustraciones y las obsesiones. El relato siempre es con voz en off y refleja el pensamiento del personaje en cuestión. Música de Serge Besset.
Son 10 cortos de animación (de aproximadamente 3′ de duración cada uno) que se emitieron por televisión en Francia:
1. Ça aurait du être moi (Debería haber sido yo)
2. Le canapé (El sofá)
3. Il est arrivé quand on parlait de lui (Llegó cuando hablábamos de él)
4. Je lui ai demandé ce qu’il avait fait pendant toutes ces années (Le pregunté qué había hecho todos estos años)
5. Un couteau dans les fourchettes (Un cuchillo entre los tenedores)
6. La dispute (La pelea)
7. Si tu savais ce que j’en pense (Si supiera lo que pienso)
8. Un coin d’ombre (Un rincón de sombra)
9. Je l’ai vue devant chez moi (La vi delante de casa)
10. Il faut savoir attendre le bon moment (Hay que saber esperar el momento indicado)

Tragedias porque los cortos muestran situaciones angustiantes a las que se suele enfrentar el ser humano. Y minúsculas porque como situaciones cotidianas, son problemas pequeños, pero como bien sabemos hacer, volvemos los problemas cotidianos en tragedias. Tragedias que muchas veces son tragedias-en-nuestra-mente más que tragedias-en-la-realidad. Pero la clave está en que la voz narradora son los pensamientos del personaje principal de cada historia.
De este modo, cada corto muestra una historia breve. Situaciones cotidianas, desde el punto de vista de la realidad interior de los personajes. Las relaciones humanas desde un monólogo interior, las obsesiones, la paranoia, los pensamientos “más oscuros” que no se suelen decir de la boca para afuera. (Alquimia del Planeta)
FA 4475

Joon-ho Bong - Flandersui gae (2000)


Perro que ladra no muerde

Director: Joon-ho Bong
Escritor: Joon-ho Bong y Ji-ho Song
Lanzamiento: 2000
Género: Comedia
Origen: Corea del Sur
Lenguaje: Coreano (con subtítulos SRT en castellano)
Yun-ju está harto. Harto de la relación de maltrato que mantiene con su esposa embarazada. Harto de tener problemas con un trabajo que no puede ejercer. Harto de ser un mantenido amo de casa. Harto de todos los problemas que aguijonean su miserable existencia, y no puede cambiar.
Y esta harto de los ladridos de los perros en su edificio de departamentos (que prohíbe tener mascotas). Pero rápidamente descubre que de todos sus problemas, este es el único que puede resolver por si mismo. Es sucio, enfermo… pero se puede hacer, no? ¿Cuan difícil puede ser matar a un perrito?
Como en las posteriores (y también excelentes) Memorias de un asesino(Salinui chueok) y The Host (Gwoemul), Bong Joon-ho recorre en su primer largometraje varios géneros en un film que resulta inclasificable. Un retrato agudo de las pequeñas crueldades cívicas y domésticas, pero que esquiva milagrosamente la sordidez gratuita, en gags que mezclan el absurdo con el humor negro.
Mi sincero agradecimiento a Sullen Girl, porque que si no me la pedía, no la hubiera bajado… a menos que hubiera leido el excelente post de Irian-Kino.
FA 4438


Brian De Palma - Blow out (1981)

Director: Brian De Palma
Escritor: Brian De Palma
Lanzamiento: 1981
Género: Thriller
Origen: Estados Unidos
Lenguaje: Ingles (con subtítulos SRT en castellano)
Entonces llega Brian de Palma y riza el rizo: Si cuestionamos la verdad cuando no está a simple vista, que pasa si la verdad nos llega por otros medios, mientras la imagen sigue ocultándonos lo que ocurrió realmente.
Blow Out empieza con todos los clichés visuales y temáticos propios del director –uso subjetivo de la cámara, misoginia desbocada, atmósfera lúbrica, violencia efectista, etc.– como diciéndonos en voz alta “es solo una película!”. Entonces nos presenta a Travolta como un técnico de sonido que graba lo que parece ser un asesinato enmascarado como accidente automovilístico.
FA 4437

Amore e Rabbia (1969)


Director: Bernardo Bertolucci, Carlo Lizzani, Jean Luc Godard, Marco Bellocchio y Pierpaolo Pasolini.
Escritor: Varios
Lanzamiento: 1968
Género: Varios
Origen: Varios
Lenguaje: Italiano, Francés, Inglés (con subtítulos en castellano)
“Porque te quiero te aporreo”. Y es así: nadie está exento de la rabia, a veces incluso hacia los seres amados. En ésta colección de cortos, cinco directores dan su visión sobre el tema, desde ángulos muy distintos, y con algunos resultados más acertados que otros (es cierto, hay un par que no son muy buenos que digamos). La caótica relación entre amor y furia, vista por los ojos de algunos de los mejores directores de cine de la historia. Y si bien el resultado es dispar, algunos de lo cortos son odiosamente buenos (lo dejo a vuestro criterio). Y vamos, pocas veces tenemos nombres como Bertolucci, Pasolini y Godard en la misma tapa. Una gema extraña, opresiva y por momentos, terriblemente bella. Buen provecho.
FA 4435

Fîmeiru (Female) (2005)


Director: Ryuichi Hiroki, Suzuki Matsuo, Miwa Nishikawa, Tetsuo Shinohara, Shinya Tsukamoto
Escritor: Kaoruko Himeno, Mariko Koike, Yuzuki Muroi, Asa Nonami, Kei Yuikawa
Lanzamiento: 2005
Género: Comedia, Drama, erótica
Origen: Japón
Lenguaje: Japonés (con subtítulos SRT en castellano)
A usted le hablo. Si, a usted, señora, que no puede dormir por las noches, entre los calores menopáusicos y los recuerdos de ese amor de la infancia. A usted, adolescente despistada que piensa que va a llevarse el mundo por delante. A usted, madre primeriza, solterona incurable, niña inexperta. A usted, mujer de este despiadado siglo, que no tiene idea de quienes son Tetsuo ShinoharaRyûichi HirokiSuzuki MatsuoMiwa Nishikawa o Shinya Tsukamoto. A usted es que en esta oportunidad le acercamos esta colección de cortos llamada Fîmeiru.
Historias tristísimas, alegres, reales, imaginarias, íntimas o públicas… pero siempre con el hilo conductor de la sexualidad femenina. Hay altibajos, es cierto (no se sabe quién filmó las escenas que sirven de separador, pero sin duda es un imbécil demasiado adicto a MTV), pero es la mejor forma de conocer a cinco directores que nada tienen que ver con ese cine for export de ojitos rasgados, que la maquinaria de sueños suele reversionar.
Estén atentos al último de los mencionados (Shinya Tsukamoto), ya que van a volver a oír muy pronto de él por estos lares.
FA 4434

Tom DiCillo - Living in Oblivion (1995)


Como absoluto profano que soy, las películas acerca del arte cinematográfico me resultan particularmente atrayentes. En cierta forma, ver los obstáculos que debe vencer un realizador, enfatiza el respeto que se le debe a la obra terminada, que posteriormente yo disfruto (y critico) cómodamente sentado en la butaca. Tal vez suene condescendiente, pero este tipo de películas me llevan a pensar en todos los bodrios que he defenestrado alegremente y sin culpa, y en todo lo que aún ignoro de aquellas obras coronadas con el aplauso.
Por esto es que Living in Oblivion (Vivir rodando? Ejecución sumaria alhombre que traduce los nombres de las películas) resulta sorprendente. No solo es lo auto referencial de la película independiente acerca de la realización de una película independiente, si no por el entramado onírico que maneja, jugando al cine dentro del cine, el sueño dentro del sueño, en un guión perfectamente ensamblado, en el que todos los actores tienen su adecuada participación y su obligada escena de lucimiento.
Mi más sincero agradecimiento a don Francisco, responsable de la recomendación que me llevo a descubrir esta joya.
Ariel H.
FA 4433

Errol Morris - Gates of Heaven (1978)


Imaginen que en medio de una conversación con un semidiós del cine como Werner Herzog, él les dice que tienen que filmar una película.  “Epa!” -dirán ustedes- “pero no tengo plata, querido!” sería la respuesta de muchos. “El dinero no hace películas”, nos responde sabiamenteWerner. “Sólo hazla, toma la iniciativa. Me comeré mi zapato si la acabas”.Fue esto lo que impulsó a Errol Morris a filmar este documental acerca de los cementerios de animales en estados unidos, y de toda la gente relacionada con ellos.
¿Un documental acerca de los cementerios de animales? En realidad, Gates of heaven es mucho más. Elegir un tema tan simple es una excusa para poner a la gente a hablar frente a la cámara: de sus miedos, de su soledad, de su locura… este film marca el comienzo de la impecable filmografía del señorErrol, que -en definitiva- siempre nos habla de lo triste y miserable que es el ser humano, al mismo tiempo que no deja de ser sorprendente y maravilloso.
FA 4429

Richard Lowenstein - He Died With A Felafel In His Hand (2001)


Murió con un faláfel en la mano (un falafel es una comida árabe) es un film australiano, basado en la novela homónima de John Birmingham. Es una de esas películas que tienen la rara habilidad de suspender la realidad por unos instantes, permitiendo que otros agentes se inmiscuyan y la distorsionen eternamente. No es que ocurran cosas extremadamente raras, simplemente es que todas las pequeñas rarezas de la vida cotidiana se congregan en el mismo punto, en el mismo momento. Y ese lugar son las casas que Danny (Noah Taylor) comparte con otros desesperados, en una búsqueda inconstante de amor, revelaciones y privacidad en el baño.
El desfile de personajes resulta tan hilarante como fácil de identificar entre los conocidos. Feministas lesbianas que practican magia negra, estrategas de salón que simpatizan con los skingheads, gays reprimidos que salen del closet y no sorprenden a nadie… Y por supuesto, Danny, a quien llamaríamos escritor fracasado si al menos fuese capaz de escribir algo.
Estén atentos a la magnifica banda sonora, que que confiere de nuevos sentidos a lo que estamos viendo, e incluso se mete en el guión: ¿Por qué todo el mundo elije las 3 de la mañana para poner Nick Cave y suicidarse? ¿No pueden hacerlo al mediodía, cuando hay gente alrededor para llamar a una ambulancia?
FA 4430

John Hillcoat - The Proposition (2005)


Propuesta de muerte
Debo reconocer que los westerns son como una asignatura pendiente en mi vida. Nunca les presté demasiado interés. Y no es que no me gusten, ojo. Pero bueno, la vida te lleva por lugares extraños, y donde a otros los llevó a caballo, a mí me llevó en autos voladores. Pero todo llega, mis queridos, y hoy dejamos los thrillers, la ciencia ficción y lo netamente bizarro, y nos clavamos una de cobois. Y una particular, ya que desde el vamos transcurre en Australia (¡el lejano este!), tierra  atípica  para el género. Y no menos atípico filme, si debemos decirlo. Pero The Proposition triunfa demostrando que el western no es un género muerto. Brutal y poético a la vez, da cátedra de buen gusto e inteligencia, unas actuaciones grandiosas y una dirección sorprendente del señor John Hillcoat, quien después de más de 15 años de no dirigir un largometraje nos trae ésta belleza de filme. Claro que, y como para cerrar, es notable señalar el soberbio guión de nuestro amado Nick Cave (no somos dignos), quien demuestra una vez más que en su pluma hay algo más que canciones. Y que de paso, compone e interpreta la magnífica banda sonora, junto a su amigo y compañero de banda Warren Ellis, la cual les dejo también, como para que me quieran más aún. Muy buenas tardes.
FA 4428

Masaaki Yuasa - Mind Game (2004)


Masaaki Yuasa (KaibaKemonozume) no ha sido, hasta hace poco, un creador muy prolífico. De hecho, ha estado trágicamente desaprovechado, trabajando fundamentalmente como director de animación en esa vulgar serie de dibujos animados japoneses conocida como Crayon Shin Chan. Conociendo ahora del talento de este hombre, uno se pregunta qué hacía de hormiga obrera en un estudio de animación cuando su vocación era algo más grande. Tal vez sea verdad que el tiempo pone a cada quien en su lugar, él al fin pudo lucirse en 2004 con su primera película: Mind Game.
¿Cómo explicar Mind Game? Sencillamente no se puede. ¿De qué trata? Bueno, digamos que narra las aventuras de Nishi, un joven dibujante de mangas que se cruza con su novia del instituto un día, y decide seguirla para ver si ella le hace caso. No suena muy interesante, ¿verdad? Pues un simple suceso como ese es la plataforma de despegue para un disparatado caleidoscopio cinematográfico, algo así como la cueva de las maravillas de la animación bizarra. Porque Mind Game llega dispuesta a romper todos los moldes del cine de animación, pretende quebrar cualquier tipo de convención y darle la vuelta salvajemente, para zarandearla después en un universo desquiciado, expresionista y colorido.
Vamos, que nada aquí se parece siquiera remotamente a lo típico y tópico. Describir esta película es casi imposible, y cualquier detalle que de os estropearía las sorpresas. Sólo puedo decir que yo, personalmente, no conozco nada igual: Mind Game es un género en si mismo. Es extraña, increíblemente graciosa, un torrente de creatividad que no da ni un respiro, una especie de tripazo de LSD de lo más entretenido y entrañable. Bien puede encantaros, bien desesperaros, pero esta película explora los conflictos más clásicos del universo- el amor, el sexo, la identidad y la confianza- a través de formas que sólo una mente como la de Masaaki Yuasa es capaz de concebir.
FA 4427

Jean-Pierre Jeunet - Foutaises (1989)


FANTASÍAS
Este es uno de los primeros cortometrajes que dirigió en solitario el francésJean-Pierre Jeunet antes de trabajar junto con Marc Caro en la genialDelicatessen. En el hace uso del recurso tan bien explotado en Le Fabuleux destin d’Amélie Poulain, consistente en definir a los personajes por sus afinidades y antipatías con cosas tan cotidianas como extravagantes, haciendo gala de un poder de observación minucioso, sumado a un nivel de poesía visual sorprendente.
FA 4418

domingo, 23 de octubre de 2011

Rémy - Bonzel y Benoît - C'est Arrivé Près de Chez Vous (1992)



Ocurrió cerca de su casa



Director: Rémy Belvaux, André Bonzel y Benoît Poelvoorde
Escritor: Rémy Belvaux
Lanzamiento: 1992
Género: Comedia negra, Mockumental
Origen: Bélgica
Lenguaje: Francés (con subtítulos SRT en castellano)
Ben tiene a sus espaldas un equipo de filmación decidido a hacer de su vida un documental. Ben es un tipo muy histriónico, carismático hasta en sus miserias infantiles, e incluso un poco demandante. Tiene buena relación con su familia, un grupo de amigos fieles y cariñosos. Ben sabe cuanto peso hay que agregarle al cadáver de un chico para que se hunda en el agua.
Esta radical pieza de supuesto cinema-verité destila humor negro y mala leche, en un laberinto postmoderno arriesgado, irritante, divertido y horroroso. La estrategia es primero provocar la carcajada para luego congelar la sonrisa en el rostro. Lo que vemos es tan cruel y tan absurdo que parece real.
El acertado título en inglés es Man Bites Dog (Hombre muerde perro) haciendo referencia a esa máxima que reza que no hay noticia en que un perro muerda a un hombre, pero sí a la inversa. Si a esto le sumamos el hecho de que se trata de un falso documental (o mockumentary), esa escuela de ficción que aprovecha el lenguaje de los documentales para su relato, nos encontramos con que los asesinos seriales no son mas que un buen bocado para la prensa.
¿Cuándo la cámara toma pasivamente la violencia, cuándo permite que suceda, cuándo de plano la provoca? ¿Alguna vez veremos a un equipo de televisión seguir “de verdad” a un asesino para ver cómo trabaja? ¿Cuánta mierda somos capaces de tragar por amor al morbo?
 FA 4444

Otto Preminger - Bunny Lake is Missing (1965)


Director: Otto Preminger
Escritor: Marryam Modell (novela)
Lanzamiento: 1965
Género: Thriller
Origen: Reino Unido
Lenguaje: Ingles + subtítulos SRT en español
Después de varios días sin internet, les acerco este film, que es considerado uno de los mejores de Otto Preminger, aunque en su momento fue vapuleado por la crítica y más bien ignorado por el público.
Con un ambiente claustrofóbico, paranoico y oscuro, esta obra se eleva como una de las mejores expresiones del cine psicológico. La trama está centrada en una pareja de hermanos (Stephen y Ann Lake) y en una niña desaparecida (Bunny)… Aunque la conducta de Ann hacen suponer que tal vez Bunnyjamas existió.
Cabe destacar la secuencia de títulos, diseñada por Saul Bass, y la participación del grupo de rock The Zombies tocando la canción Just Out Of Reach.

FA 4445

Abel Gance - La Roue (1923)


"Hay un antes y un después de LA ROUE, de igual modo que en pintura hay un antes y un después de Picasso." Jean Cocteau

La película se abre con un espectacular choque de trenes montado a partir de cortes muy rápidos, tan revolucionario en su tiempo como la llegada del tren a la estación filmada por Lumière en 1895. El ferroviario Sisif salva a Norma del choque y la educa como si fuera hija suya. Pero tanto él como su hijo Elie se enamoran de ella. Entonces Sisif decide casarla con un hombre rico, pero ella está enamorada de Elie. Son claras las referencias a la tragedia griega (Sisif es Sísifo y acabará ciego a causa del deseo incestuoso). La metáfora central de la película es la rueda: la rueda del destino, la rueda del deseo y la rueda de la misma película... 

Gance fue el hijo ilegí­timo de Abel Flamant, un acaudalado médico judí­o y la obrera Franí§oise Pí¨rethon. Fue criado por sus abuelos maternos en el pueblo de Commentry hasta que, cuando tení­a ocho años, su madre contrajo matrimonio con el chofer Adolphe Gance, y Abel se trasladó a Parí­s a vivir con ellos. Aunque tomó el apellido de su padrastro, siguió recibiendo ayuda económica de su padre, lo que le permitió recibir una excelente educación.
En 1909 comenzó a trabajar como actor y guionista cinematográfico. Dos años después, en 1911, fundó, con la ayuda de algunos amigos, su propia compañí­a, y dirigió su primera pelí­cula, La digue, un drama costumbrista. Su segunda pelí­cula, Le Ní¨gre blanc (1912), aborda el tema de los prejuicios raciales, desarrollando la historia de un niño negro maltratado por los blancos. Una incipiente carrera como autor teatral fue interrumpida por el estallido de la I Guerra Mundial, durante la cual Gance volvió a dedicarse al cine, con pelí­culas como el cortometraje La folie du docteur Tube, una extrañí­sima comedia sobre un cientí­fico loco que inventa unos polvos que transforman la apariencia de las personas. Para rodarla, Gance recurrió al uso de espejos distorsionantes. En sus pelí­culas de los años siguientes introdujo las técnicas de montaje empleadas ya en Estados Unidos por David Wark Griffith, el uso de primeros planos y otros procedimientos innovadores para la época.
A partir de 1917, el interés de Gance se centra en los dramas sociales, con pelí­culas como Le droit í la vie y Mater Dolorosa, las dos de 1917. Su obra más interesante en esta etapa es La Dixií¨me symphonie (1918), en que un compositor sublima sus padecimientos personales en una trascendental obra de arte. Tras el final de la guerra, Gance estrenó ¡Yo acuso! (1919), un durí­simo alegato contra la carnicerí­a organizada que supuso la I Guerra Mundial. El filme tuvo un gran éxito, tanto en Francia como en el extranjero. Gance viajó a Estados Unidos para exhibir la pelí­cula ante un público entre el que se encontraba el propio Griffith y las hermanas Lillian y Dorothy Gish.
La siguiente obra de Gance, La rueda, fue rodada entre 1919 y 1920, pero no se estrenó hasta 1923. Se trata de una producción monumental, de 32 bobinas, que tuvo que ser estrenada en tres sesiones sucesivas, y que desarrolla la melodramática historia de un maquinista enamorado de su hija adoptiva. El interés del filme radica sobre todo en el tratamiento poético que le imprime su director, desarrollando metáforas como la de la vida como una interminable rueda. La rueda fue una pelí­cula muy admirada por grandes cineastas, como Jean Cocteau y Akira Kurosawa. (Claqueta)
En Caux (Suiza), donde Abel Gance ha acudido con su compañera Ida Danis para que la joven se recupere de la grave gripe que padece, la visión del ferrocarril inspira al realizador el que ha de ser su nuevo film. Pero poco después, Gance cambia de idea y se plantea realizar Ecce Homo, un film humanitario. Finalmente, la presión del propio Charles Pathé hace que vuelva al primerproyecto, Raíl, cuyo coste se estima en 400.000 francos.
Con un nuevo título, La Rose du Rail, se inicia un rodaje que va a estar lleno de dificultades. Sobre la marcha, se considera conveniente construir decorados en la estación de Niza, para filmar lo que, en un principio, se había proyectado realizar en escenarios naturales. Se verán obligados a utilizar grupos electrógenos propios ante la oferta insuficiente de la red eléctrica de la localidad; en medio de todo surge una huelga de ferroviarios y para el rodaje de la segunda parte de la historia, el equipo al completo debe desplazarse al Mont-Blanc. Tantos imprevistos hacen necesarios dos años de intenso trabajo antes de ver terminada la película, y su coste final va a elevarse a la astronómica cifra de 2.600.000 francos.
Con una audaz realización, dotada además de una singular riqueza técnica, Gance imprime a las imágenes una intensidad y un ritmo desconocidos hasta entonces. El director nos refiere un melodrama moderno, con tal fuerza y convicción, que logra impregnar las desatadas pasiones del film con un tono de tragedia clásica y hace que los momentos líricos resulten insuperables.
La Roue, título definitivo de la película, es presentada, dada su larga duración, en tres matinales, los días 14, 21 y 28 de diciembre de 1922 en el Gaumont-Palace. Con una partitura original de Arthur Honegger, el film conseguirá no dejar indiferente a casi nadie y, entre los críticos, las posturas se extreman, tanto a favor como en contra.
Notablemente recortada por la productora, la obra se estrena alpúblico el 17 de febrero de 1923, y su influencia sobre la vanguardia francesa va a ser enorme. Pero para Gance, esta película irá siempre ligada al emocionante recuerdo de su amada Ida, finalmente víctima de su enfermedad. (Luis Enrique Ruiz, tomado de Obras Maestras del Cine Muda)

Edición 2 Discos + extras


FA 4443


sábado, 15 de octubre de 2011

Shane Meadows - Dead Man´s Shoes (2004)


“No luches contra montruos, a menos que te conviertas también en monstruo. Y si te asomas al abismo, el abismo también se asoma a ti”
Friedrich Wilhelm Nietzsche


Y es así, amigos. La venganza no es un sentimiento noble. Pero es un sentimiento puro. No hay nada en el acto de la venganza que no te ponga a la altura moral de aquello por lo que estés tomando venganza. Y es sabido que en este universo toda acción supone una reacción igual y opuesta. Algunos lo llaman karma. Lo cierto es que, como ya dije en el post de The Vengeance Trilogy, la venganza es una magnífica temática cinematográfica. Ojo, que pueden producirse bodrios imbancables o desastres vomitivos en su nombre. No es éste el caso.
Dead Man´s Shoes es una magnífica historia de venganza y una magnífica lección de cine. Shane Meadows (de quien ya posteásemos This is England) nos demuestra una vez más como para hacer grandes filmes no hace falta un montón de guita, sino tan solo un poco de talento. Historia típica de venganza: Richard (interpretación increíble de Paddy Considine, quien participase en el guión también) vuelve a su pequeño pueblo luego de diez años para ajustar cuentas con los atormentadores de su joven y frágil hermano Anthony. Hasta aquí, nada nuevo bajo el sol. Pero pocas veces he visto conjugar tan bien la calma, el caos, el terror puro, la violencia y hasta la comedia. Otra vez, el talento no se compra. Todo ésto regado con una banda de sonido hermosa y delicada, a cargo de bandas como SmogCalexico o Aphex Twin (también encargado del score de la peli). Banda de sonido que, de hecho, les dejo más abajo for your hearing pleasure (paa!).
Así que ya saben, una de venganza. Y de las buenas. Salute e ci vediamo doppo.
FA 4421

Peter Medak - The Ruling Class (1972)


Y se acercan las fiestas y los fervores católicos afloran como los jazmines de la puerta de mi casa. Y nada mejor que para éstas épocas llenas de jolgorio, jarana, consumismo y otros merengues que una película inclasificable. Y a ver a ver. Bueno, la cuestión es que podría dar centenares de buenas razones para ver The Ruling Class, pero sin duda la principal es Peter O´Toole. El gigantesco, inmenso, incomensurable  Peter O´Toole. Si, el guión es impecable, la dirección magnífica (sobre todo la actoral), y realmente se vuelve cuasi imposible calificarla en un solo género, así que pongamos que es una comedia. Con alguito de musical, un análisis sencillo y contundente de la demencia, algo de crítica social bastante bien encauzada, y ya que estamos un poco de verdadero horror (tal vez una de las escenas más terroríficas que me haya echado a la cara en mi vida), cortesía , si, del arriba mencionado. Ah,¿No les conté que don Peter hace de demente que se cree Jesucristo? Bueno, pues la ves y me cuentas. Una limadura de cráneo de esas que me gustan a mí. Sean felices que no cuesta nada, y feliciten a la gente que festeja algo en esta época. Los quiero y todo eso.
FA 4420


Hans Canosa - Conversations With Other Women (2005)


Helena Bonham Carter y Aaron Eckhart, encarnan a dos personajes anónimos, que entablan una conversación durante un casamiento. ¿Se sienten atraídos? ¿Se conocen? ¿Se aman o se odian? Una constante lucha de esconderse detrás de frases ingeniosas, inteligentes, filosas. Entrevemos poco de lo que realmente sucede, mientras en algunos puntos tenemos visiones limitadas de un pasado que se inventa constantemente o un presente que se supone más allá de los paredes del hotel donde tiene lugar la boda.
Al igual que nos ocurre con algunas personas, tras haber presenciado apenas unas horas en la vida de los personajes, ignoramos que es verdad, que es fantasía y que es -lisa y llanamente- una mentira; como si la realidad y la ilusión fueran irrelevantes más allá del hecho de haber estado juntos.
Sin más recursos que dos actorazos, un guión genialmente escrito y algo de experimentación en el lenguaje cinematográfico, Hans Canosa transmite emociones, pensamientos, esperanzas, deseos, fracasos y desencuentros, alejando y uniendo los diferentes puntos de vista, como si de dos películas diferentes se tratara.
FA 4419

Don Hertzfeldt - Everything Will Be Ok (2006)


Y ya sé, venimos re colgados y no posteamos nada, pero sepan que detrás de este bloj hay personitas re sensibles que piensan en ustedes y sufren y a veces no tienen tiempo (y estamos tapados de laburo, nos cortan nuestras novias, nos chocan los autos, nos agarra el spleen, elijan ustedes). Lo cierto es que a veces podemos salir del soponcio social y decir orgullosos: ¡todo va a estar bien!, casualmente como el corto que nos reúne hoy al calor de nuestro monitor.
Don Hertzfeldt es tal vez el más grande de los animadores jóvenes actuales, pero no tanto por cuestiones técnicas, sino de que realmente tiene ideas e historias para contar. En la escuela del gigante Bill Plympton de “lo hago todo yo”, y compartiendo su filosofía anti-comercial (no trabaja para estudios ni publicidades ni nadie),  nos trae una animación sencilla, artesanal, pero experimental y extremadamente expresiva. Everything will be Ok (Todo estará bien) en una muestra de verdadero talento narrativo. Hay más realismo y sinceridad en las simples líneas de Hertzfeldt que en gran parte del cine actual. Y la historia es tan creíble como surrealista, y no son más que 17 minutitos (no se descarta un futuro megapost con tooda la obra de Hertzfeldt, pero vayan picando). Muy buenas tardes.
FA 4418

Anders Rønnow Klarlund - Strings (2004)


Hemos visto malos actores en esta maratón psicótica de descubrimiento cinematográfico… pero ninguno tan de madera como los protagonistas de este film de Anders Rønnow Klarlund. Aquí, los actores son literalmente de madera: rígidas marionetas cuyas vidas penden de un hilo. Y ellos lo saben, es decir, son conscientes de su condición de marionetas. Por eso las construcciones no tienen techo, y las puertas consisten en vigas alzadas a una altura prudencial.
Y a pesar de su rigidez, de la única expresión de su rostro y de las limitaciones de su movimiento, estas marionetas logran transmitir emociones y sentimientos como si cobraran vida, gracias al cariño y dedicación que puede verse y sentirse a cada segundo del film. De hecho, fueron 200 animadores los que trabajaron durante dos años y medio para llevar esta épica maravilla artesanal a la pantalla.
Reyes arrepentidos en busca de redención, príncipes destronados, amores imposibles y traiciones palaciegas, en un mundo maravilloso con reglas completamente inusuales, y con una mitología perfectamente hilvanada.
FA 4417