Călin Peter Netzer -Poziţia copilului (2013)

La postura del hijo

Una fría noche de marzo, Barbu, que conduce por las calles a 50 kilómetros por hora por encima del límite de velocidad, se lleva a un niño por delante. El niño muere poco después del accidente. Le aguarda una pena de prisión de entre tres y quince años, momento oportuno para que intervenga su madre, Cornelia: una arquitecta cualificada y miembro de la clase alta de Rumanía, que adorna sus estanterías con novelas sin leer de Herta Müller y aficionada a mostrar su cartera llena de tarjetas de crédito. La madre comienza su campaña para salvar a su hijo, letárgico y lánguido. Confía en poder persuadir al testigo con sobornos para que dé una declaración falsa, o incluso a los propios padres del chico fallecido con algo de dinero.

FA 7370

Margarethe von Trotta - Hannah Arendt (2012)

Un colectivo avanza por un camino de tierra en medio de la noche, frena y baja un hombre desgarbado. Mientras el vehículo continúa su camino, el hombre enciende una linterna y comienza a caminar solo. Hasta que a su lado se detiene un camión, cuyos ocupantes lo fuerzan a subir. Con esta escena, Margarethe von Totta da inicio a su retrato fílmico sobre la filósofa judía-alemana Hannah Arendt. Porque fue el secuestro del criminal de guerra nazi Adolf Eichmann, en la provincia de Buenos Aires en 1960, y su posterior juicio en Israel, lo que dio origen a la publicación Eichmann en Jerusalén. Un estudio sobre la banalidad del mal (1963), de Arendt.

En Hannah Arendt (2013), von Trotta elige narrar el proceso del criminal nazi en Israel, que la pensadora cubrió para la revista The New Yorker; y se detiene en la controversia que despertó el concepto “la banalidad del mal”. La directora cuenta que este filme cierra la trilogía sobre pensadoras alemanas que había comenzado con Rosa Luxemburgo (1986), y continuó con Rosenstrasse (La calle de las Rosas) en 2003.

"En 1983, quería hacer una película sobre Rosa Luxemburgo porque estaba convencida de que fue la pensadora más importante del siglo pasado y me interesaba descubrir a la mujer detrás de la luchadora revolucionaria. Pero ahora, al comenzar el siglo XXI, Arendt se presenta como una figura aún más fuerte: su concepto "la banalidad del mal", entonces duramente criticado, hoy es fundamental a la hora de discutir y pensar los crímenes cometidos durante el nazismo", asegura von Trotta.

Integrande del Nuevo Cine Alemán de los 70, von Trotta trabajó primero como actriz en las películas de Rainer Werner Fassbinder y luego como guionista en varias películas de quien fuera su marido, el director alemán Volker Schlondorff. Junto a él, debutó en 1975 en la co-dirección de El honor perdido de Katharina Blum (Die verlorene Ehre der Katharina Blum). Dirigió en solitario, en 1978, El segundo despertar de Christa Klages (Das zweite Erwachen der Christa Klages). Y recibió el León de Oro en el Festival de Venecia 1982 por Marianne & Juliane (Die bleierne Zeit), estrenada en Argentina como Las hermanas alemanas. Además obtuvo numerosos galardones porRosa Luxemburg en 1986 y Rosenstrasse (La calle de las Rosas) en 2003.

A lo largo de toda su obra, von Trotta demostró siempre su preferencia por el cine político y reivindicativo, y por abordar problemáticas que atraviesan a la sociedad alemana. En su último filme, vuelve a trabajar junto a Barbara Sukowa, actriz que protagonizó cuatro de sus películas, y que construye a una vibrante Hannah Arendt que debe mantenerse firme en sus ideas, ante los ataques tanto de sus amigos como de desconocidos enojados por sus publicaciones en The New Yorker.

La película muestra cómo en 1961 Arendt llega entusiasmada a Jerusalén para seguir el proceso contra Adolf Eichmann, jerarca de las SS que llevó adelante la logística de "La solución final", y exterminó a seis millones de personas en los campos de concentración nazis en toda Europa. Desde las primeras declaraciones que realiza Eichmann en el juicio –dentro de una cabina de vidrio– la pensadora se da cuenta de que en vez de estar frente a un ideólogo del nazismo, se encuentra con un mediocre burócrata, orgulloso de haber cumplido su tarea con eficiencia. Es un acierto que von Trotta haya elegido utilizar el registro documental que se realizó del juicio, y se pueda ver y escuchar al verdadero Eichmann contestando las preguntas de jueces y fiscales. Es en estas filmaciones que irrumpe lo real, y se puede observar “la lógica siniestra de la obediencia debida” con la que se excusa Eichmann de sus crímenes.

La teórico política alemana regresa a los Estados Unidos, donde estaba radicada, luego de haber presenciado buena parte del juicio y relee todas las declaraciones, mientras espera el veredicto que sentenció a Eichmann a la horca, en mayo de 1962. Recién en febrero de 1963, Hannah Arendt comienza a publicar su reporte del proceso, en una serie de artículos en la revista neoyorquina, y a partir de la primera entrega debe afrontar todo tipo de críticas e incluso amenazas para que cambie sus ideas.

La película profundiza en esa gran controversia que despiertan los escritos de Arendt, sobre todo en la comunidad judía, que la acusa de justificar al criminal nazi con su concepto sobre “la banalidad del mal”; que no entiende por qué incluye en su informe el accionar de los líderes de los Consejos Judíos, que le entregaron a Eichmann las listas de deportación de las personas encerradas en los guetos hacia los campos de concentración.

Sobre el final del filme, Arendt regresa a la universidad en que enseñaba en la piel de Barbara Sukowa, para dar un brillante discurso en que se defiende de las acusaciones. Allí explica que durante el juicio, Eichmann repetía una y otra vez que él no había hecho nada que hubiera sido su iniciativa. “El no tuvo intenciones, cualquiera fueran, buenas o malas, él únicamente había obedecido órdenes. Esta es una típica defensa que usaron los nazis. Dejar claro que la peor maldad que se cometió en el mundo, fue una maldad de la que nadie es responsable”, asegura de forma enérgica Arendt. Y continúa: “Estos crímenes fueron cometidos por hombres, no por monstruos. Por seres humanos que se negaron a ser personas. Y es éste el fenómeno al que he llamado la banalidad del mal”.

FA 7369

Whores' Glory (Michael Glawogger, 2011)

Whores' Glory: la prostitución a través de los ojos de Michael Glawogger

La prostitución, mostrada en tres barrios rojos de otros tantos países, en las antípodas los unos de los otros en cuanto a religión, cultura o raza, es el punto de partida del documental Whores' Glory [+], del austriaco Michael Glawogger. Tras su triunfal paso por la sección Orizzonti del Festival de Venecia, donde se hizo con el premio especial del jurado, la cinta ha sido presentada ayer fuera de competición en la 49ª edición del Festival Internacional 

Los tres espacios se erigen en auténticos protagonistas de la película, por donde pulula una muchedumbre de prostitutas y clientes en un infinito juego de seducción, dinero y trabajo. El primero, The Fishtank, es una fría sala en Bangkok, dividida en dos por un cristal, que separa a las jóvenes prostitutas de sus potenciales clientes; el segundo, la Ciudad de la Alegría, es un lóbrego laberinto de callejuelas en la ciudad de Faridpur (Bangladesh), mientras que el tercero, La zona, es un conjunto de casuchas en la ciudad fronteriza de Reynosa (México), por cuyas calles enfangadas circulan lentamente en sus coches los hombres del lugar en busca de sexo.

Glawogger, que con Whores' Glory firma otro documental sobre la globalización tras las seminales Megacities (1998) y Workingman's Death (2005), evita desde el primer momento que se convierta en un alegato para defender una determinada posición hacia la prostitución (“El moralismo es el gran enemigo del artista”, subraya). Su objetivo esmostrar qué ocurre en la realidad, sumergiéndose en las vidas de las prostitutas y sus clientes sin afán de psicoanalizarles.

Sorprende, tratándose de un tema tan delicado, la impecable factura técnica del documental. Fueron necesarios muchos meses para ganarse la confianza de los protagonistas y prueba de ello es el increíble grado de invisibilidad de la cámara. La banda sonora, con canciones de artistas como PJ Harvey, CocoRosie o Antony and the Johnsons, a pesar de estar descontextualizada con respecto a la historia, añade un toque de lirismo y dota a la narración de un ritmo inesperado en este género, dando lugar a una especie de videoclip documental.

FA 7360

Nikolaj ArcelEn Kongelig Affære (Die Königin und der Leibarzt) (A Royal Affair) (2012)

Un asunto real / La reina infiel

Para la joven Carolina Matilde (Alicia Vikander), casada siendo una adolescente con el rey de Dinamarca Christian VII, es un horror vivir con un marido ciclotímico y estrafalario que propone medidas como nombrar a su perro miembro honorario del Consejo de Estado, o que circulen en Copenhague por la noche carruajes vacíos para recoger a los borrachos. Así las cosas, Carolina se rinde a los encantos del médico personal del rey, un intelectual progresista (Mads Mikkelsen) que se verá dividido entre su lealtad al rey, su amor a la reina y su oportunidad de convertir una Dinamarca aún medieval en un país ilustrado. (FILMAFFINITY)

FA 7361

La drôlesse (Jacques Doillon, 1979)

La golfilla

François tiene 20 años y ha secuestrado a la pequeña Mado, de once, llevándola al sórdido granero en el que vive. Ni la viola ni pide dinero por su rescate. Lo más extraño es que ella podría intentar fugarse, pero no lo hace. ¿Qué sucede? ¿Por qué el secuestrador parece inofensivo y la secuestrada parece estar segura y tranquila? Cada uno intentará dar al otro un poco del inmenso amor, dulzura y ternura que anida dentro de ellos... (FILMAFFINITY)

1979: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

Escrita y dirigida por Jacques Doillon, se rodó en la campiña francesa y en estudio, con un presupuesto modesto. Ganó el Young Cinema Award y fue nominada a la Palma de oro del Festival de Cannes. Obtuvo 2 nominaciones a los César (director y guión).

La acción tiene lugar en una explotación rural de la campiña normanda, a lo largo de algo más de un mes, en la primavera de 1978/79. Narra la historia de Mado (Madeleine Desdevises), de 11 años, maltratada por la madre, ignorada por las dos hermanas, va a la escuela con escaso interés y lleva una vida solitaria. François (Claude Hérbert), de 20 años, sin trabajo, inhibido, rechazado por todos, vive en un rincón del granero. François se cruza a diario con Mado en la carretera, cuando ésta vuelve a casa al salir de la escuela. Mado siempre le saluda con una sonrisa, la única que él recibe a lo largo del día. Este hecho le hace concebir la idea de llevarla a vivir con él.

La película muestra cómo la soledad y la marginación de los protagonistas da lugar a una amistad en la que hallan la compañía, el afecto y el cariño que les han faltado siempre. La convivencia da paso a un afecto creciente y a un clima de confianza, que se alimenta de juegos infantiles: papá e hija, papá y mamá, imaginar que viven en una casa en la que los disgustos se dejan en el desván y se olvidan. Contribuye a la buena convivencia, el temor a los amos, la madre y el padastro de François, que a sus ojos encarnan el despotismo, la arbitrariedad, el desafecto y el castigo injusto. A medida que crece la confianza entre ellos, Mado se hace con el control de la situación, organiza la vida en el granero e impone su autoridad. La película propone una seria reflexión sobre las consecuencias que en los menores tienen las conductas de desafecto y maltrato de los padres, hermanos, compañeros y allegados. Pese a algunas semejanzas formales con "El coleccionista" (1965), de William Wyler, la obra de Doillon se inserta en un contexto propio, narra hechos diferentes, se sirve de personajes diferentes y el relato utiliza recursos alejados de los de Wyler.

La banda sonora aporta sonidos naturales amplificados, como el de las campanas del reloj de la aldea, el motor de la mobylette y el trino de los jilgueros. La ausencia de música realza la austeridad del relato. La fotografía encuentra en un espacio reducido innumerables puntos de encuadre que dan vida a un exquisito dinamismo y a una sorprendente variedad de imágenes. Los paisajes de la campiña normanda, poblada de verdes tiernos, son magníficos. El guión define bien a los dos personajes, que desarrollan una experiencia de vida en compañía creíble, verosímil y convincente. La interpretación de la niña sobresale por la naturalidad y espontaneidad. François resuelve con aplomo su papel. La dirección, tal vez en su mejor momento, construye una obra emocionante y de gran originalidad.

La película es, sobre todo, una conmovedora historia de amor, que desborda ternura, ingenuidad y afecto. (Miquel, FilmAffinity)

FA 7365

Varieté (Ewald André Dupont, 1925)

Un acróbata deja su familia por una joven, dedicándose a realizar ejercicios de acrobacia con ella en el trapecio. Un día, un famoso trapecista les invita a ambos a unirse a su show de Berlín. (FILMAFFINITY)

Aunque las listas de mejores películas suelen ser tantas como sus autores, resulta digno de considerar que Varieté esté en la lista de los 10 mejores films seleccionados por Billy Wilder. El genio y el talento de Wilder creo que es un axioma universalmente reconocido por lo que sus opiniones nunca caen en saco roto.

Claro que esta clasificación data de 1952 (publicada en la revista Sight and Sound) y desde entonces ha llovido bastante, y en mi opinión Varieté ha perdido posiciones en el ranking, pero aún así es un trabajo interesante de un director bastante olvidado, cuyo paso al cine sonoro resultó, como para otros muchos, un cambio traumático y cuya trayectoria americana se redujo a films de bajo presupuesto y endeble calidad.

Producida por Erich Pommer (UFA), impulsor de cineastas como Lang o Murnau, y de películas como Metrópolis o El ángel azul y fotografiada por Karl Freund de quien lo mínimo que se debe decir es que desarrolló la iluminación expresionista y dirigió en 1932 La momia (excelente) y en 1935 Las manos de Orlac, remake de la obra de Wiene del 24, Varieté tenía casi todos los números para convertirse en un trabajo de calidad. Y si a ello le añadimos un actor suizo inolvidable Emil Jannings, Oscar al mejor actor en la primera edición (1928) por dos películas La última orden y El destino de la carne, pues el éxito estaba casi asegurado.



Respecto al film, quiero distinguir entre fondo y forma. El fondo es una historia convencional de amores, engaños y seducciones varias de esas que acaban inexorablemente mal. La misma y repetitiva historia que existe desde que el mundo es mundo. Nada original. Pero, ¡ah, amigos!, el secreto está en la forma. En esa forma donde reinan las expresiones y no se echan de menos las palabras. Les diré que la vi subtitulada en italiano y que mis conocimientos del idioma de Verdi no van más allá del Sapore di sale, de la Piccolisima serenata y del Volare bajo la ducha. Pero aquí tan solo hace falta fijarse, mirar atentamente, dejarse llevar por las sugerencias, por algún que otro momento onírico superpuesto a la realidad, e incluso por la propia corpulencia de Jannings y su mirada absolutamente demoledora.

He leído algo acerca de que en el expresionismo alemán la prueba de fuego de un actor se supera cuando transmite sensaciones al espectador hasta de espaldas. Este es el caso. Jannings transmite fuerza, solemnidad, brío, determinación, contundencia e incluso miedo. El mismo miedo que destila una mirada fija y perdida a la vez. La misma contundencia que hace grande una película. Inconmensurable Emil Jannings.

Si, Wilder sabía mucho de cine. (FATHER CAPRIO, FilmAffinity)

Es probable que el terceto Pommer-Freund-Jannings reste autoría e imagen al realizador pero aun así no hay que ser demasiado injustos con Ewald André Duppont considerado uno de los mejores "francotiradores" del cine europeo y cuya trayectoria estoy tratando de recuperar con Piccadilly (1929).

FA 7358

Un autre homme (Lionel Baier, 2008)

Otro hombre

François no sabe nada de cine, pero debe hacer un reportaje semanal sobre los habitantes de la región y de las películas que se proyectan en el único cine para un pequeño diario de la Vallée de Joux. Como no es crítico ni periodista, copia palabra por palabra las que publican en el "Travelling", una revista especializada en el séptimo arte que se edita en París. El cine se hace rápidamente su pasión y François acude a Lausana con el fin de asistir a los pases de prensa organizados para los críticos de la zona. Allí conoce a Rosa, una reconocida crítica de cine que trabaja para el periódico más grande del país. Una perversa relación se instaura entre ambos seres, llevando a François a descubrir los entresijos del deseo: los de una mujer, los de la crítica de cine y luego, finalmente, los suyos propios. Hasta que la superchería de Francisco sea descubierta... (FILMAFFINITY)

FA 7357

The Christies (Phil Mulloy, 2006)

Película formada por segmentos en la que nos muestran las relaciones sociales desde un prisma tan impactante como grotesco, pero con una desbordante creatividad. (FILMAFFINITY)

FA 7354

Paraíso de sangre (VV. DD., 2011)

Dirección: Ángel Barrera, José Celestino Campusano, Sebastián Mónaco

Víctor, un comisario prestigioso, vive atormentado por su pasado. Con la idea de lavar su culpa, intenta convertirse en un ser mesiánico. (FILMAFFINITY)

FA 7352

New Rose Hotel (Abel Ferrara, 1998)

Ambientada en un futuro no muy lejano. A Horoshi, un brillante ingeniero genético japonés, se lo disputan dos importantes empresas, la japonesa Hosaka y la alemana Maas. Los revolucionarios descubrimientos del científico tienen el poder de transformar el mundo y generar beneficios billonarios. Hosaka contrata a dos espías, X y Fox, que deben ganarse la confianza de Hiroshi en perjuicio de Maas. La estrategia de los dos mercenarios consiste en atraer a Hiroshi utilizando los encantos de una joven y bella prostituta... (FILMAFFINITY)

FA 7351

Menschen am Sonntag (VV. DD., 1930)

Los hombres del domingo

Una mezcla ficción y documental que retrata a los berlineses de 1930 durante un domingo. Obtuvo muy buenas críticas y dio la oportunidad a sus creadores (Siodmark, Ulmer, Wilder, Zinneman) de dar el salto al cine de ficción. (FILMAFFINITY)

FA 7350

Le saut de l'ange (Yves Boisset, 1971)

Los secuaces

Narra la historia de venganza personal entre el único superviviente de un clan corso, retirado hace años en Tailandia, obligado a volver a Marsella para enfrentarse a un indeseable constructor con aspiraciones políticas. (FILMAFFINITY)

FA 7349

Kuroi taiyo (Koreyoshi Kurahara, 1964)

Black Sun

Akira es un delincuente habitual obsesionado con la música jazz que malvive como puede en una iglesia en ruinas. El destino hará que se cruce con Gill, un afroamericano fugitivo de la ley al que se verá obligado a refugiar. Aunque ninguno habla el idioma del otro y los comienzos serán algo violentos, Akira y Gill poco a poco irán fraguando una relación de amistad.

FA 7348

Impressions de la haute Mongolie (Salvador Dalí & José Montes-Baquer, 1976)

Impresiones de la alta Mongolia

Francés con subs incrustados en catalán y subs en inglés 

"En realidad, Impressions de la Haute Mongolie no tiene guión, es simplemente una composición audiovisual. No tiene nada que ver con un filme convencional, sino más bien con películas como Un perro andaluz. Impressions… es de hecho un homenaje a Raymond Roussel, un personaje a quien Dalí admiraba mucho, un alquimista de las palabras, que hacía juegos de lenguaje y de quien Dalí confesó ser un gran admirador."-. José Montes-Baquer (FILMAFFINITY)

FA 7347

Holy Lola (Bertrand Tavernier, 2004)

La pequeña Lola

Pierre y Géraldine, una pareja que desea adoptar a un bebé, emprende un viaje a Camboya, un país castigado por la historia. Una vez allí, comienza una aventura agotadora: ronda de visitas a orfanatos, enfrentamiento con las autoridades francesas y camboyanas, amenazas de traficantes y, además, el recelo del grupo de aspirantes a padres adoptivos que el azar ha reunido allí. A raíz de esta peregrinación, la pareja se desgarra, se reconstruye y se transforma para siempre. (FILMAFFINITY)

FA 7346

Gogo no Yuigon-jo (Kaneto Shindô, 1995)

The last note

Yoko es una famosa actriz que decide ir a un chalet situado en la montaña para tomarse unos días de descanso. Allí, descubrirá un secreto sobre su compañero Toyoko... (FILMAFFINITY)

FA 7345

Fotográfia (Pál Zolnay, 1973)

Un hombre se gana la vida fotografiando a las personas que llaman su atención entre la multitud, solicitándoles después su dirección, y enviándoles a casa las fotos reveladas. Si les gustan, han de pagar por el trabajo. (FILMAFFINITY)

Húngaro con subtítulos en inglés

FA 7344

Fat City (John Huston, 1972)

Fat City: Ciudad dorada

Tully y Ernie Munger son dos hombres absolutamente desencantados. Uno es un granjero alcohólico que intenta volver al mundo del boxeo después de varios años de retiro. El otro es un luchador que intenta enseñar todos sus conocimientos sobre el boxeo a un discípulo. (FILMAFFINITY)

1972: Nominada al Oscar: Mejor actriz de reparto (Tyrrell)

No hay esperanza, no hay alivio, no hay alegría, sólo la vida, que es una puta mierda. Intentemos que nos cojan para poder segar el campo, para ganar unos billetes que nos ayuden a seguir tirando. Cojamos la botella y perdámonos en su ayuda, ella se ocupará de que todo vaya mejor, relajémonos. Despertémonos y veamos nuestra habitación formada por paredes con grietas que se extienden a un techo que parece que está cayendo ante nosotros, pero no se cae, es un resacón. Todo el mundo sigue tirando, van haciendo sus compras pensando en sus cosas, ¿qué pensarán?, ¿en su soledad, en su trabajo, en su felicidad?. A lo mejor todos somos felices y no nos damos cuenta. A lo mejor. Preparémonos para el combate, probablemente lo ganemos y recuperemos nuestra honra. El tipo parece fuerte, y en el primer asalto le hemos dado fuerte en el estómago. Parece dolido. Mientras le golpeamos el tipo nos da fuerte y nos tumba, qué cabrón, y nosotros preocupándonos por él. Ataquemos fuerte, machaquémosle, un directo, otro, parece que sangra, se rinde y cae sobre nuestros hombros recorridos por sudor. No es un abrazo fraternal, es un abrazo de perdedores, porque aquí no ha ganado nadie, el combate estaba perdido de antemano para todos. Cien pavos de recompensa, esto no da ni para comprar la felicidad. La botella abre sus brazos de par en par y nos ofrece su compañía. Quién puede resistirse. En un momento de retorno de la embriaguez reconocemos la realidad en un espejo, miramos nuestra cara, está recorrida por cicatrices, se nos cae el pelo, nos hacemos viejos. La vida sigue su curso y no nos espera, nos trata con desprecio. Nos despertamos en nuestro fracaso y el sol nos ciega, va a hacer calor en el trabajo.

Este drama no es el nuestro, es el de esta película. Sin embargo, la película no sólo nos transmite la tristeza y la agonía, sino que nos las cede. Estamos todos jodidos viéndola, el drama se convierte en nuestro. No es cine, es la pura esencia del fracaso, es el dolor rodado. Es atroz y terrible. Me resulta imposible criticar esta película porque no es una película. Es la amargura de la vida. (GVD, FilmAffinity)

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Si Eddie Felson encarna en nuestro particular santuario cinéfilo la figura del perdedor, sin duda alguna Billy Tully refleja la viva imagen del desencanto, del desaliento, del nihilismo más brutal y acojonante. La peli de Huston constituye un formidable homenaje a la galería de fracasados de la América profunda. Esa puta América blanca y pija ( con tu permiso, Txarly ) que avanza cansinamente..., melancólicamente..., a ritmo de country. Porque el viejo John ( no, no es Ford. Es Huston. ¿OK? ) nos atrapa con una peli sin historia, sin argumento, sin guión... sólo con retazos de nuestra mísera cotidianeidad. Un puto día a día sin ambición, sin misterio, sin venganza, ni lección moral que valga.

Un otrora afamado boxeador se arrastra por bares de dudosa reputación, por cochambrosos gimnasios, por cuadriláteros de tercera, por hoteles de mala muerte... por quilométricos y ampulosos campos de cebollas. Siempre sudoroso, resacoso..., apestando a alcohol, pero siempre alzando la ceja, el mentón y alentando, con ese fétido hálito, a quien le pida ayuda, a quien le implore protección. Porque aunque Keach no es Gary Cooper ni John Wayne, nuestro antihéroe tiene más cojones que los otros dos juntos. Porque el valor no estriba en desenfundar con mayor rapidez o en soltar frases lapidarias con cara de palo. El valor consiste en encajar los golpes que te da la vida con entereza. El valor consiste en abrazar a una infeliz borrachuza, echarle un polvo y freirle un filete. El valor consiste en levantarte por las mañanas para ir a recolectar cebollas. El valor consiste en ir a recoger esa caja de cartón de manos de un expresidiario negro cuando tu pareja te echa de casa. El valor consiste en echar el resto por un amigo. Porque para mi tiene más coraje cualquier pobre diablo de Stockton que el más duro entre mil más allá de Picketwire. El viejo John ( Huston, of course ) me lo demostró. Congeló planos y corazones al final de su película y el muy cabrón me obligó, por vez primera, a derramar una lagrimilla entre los marcados acordes de esa amarga balada country.

Porque la vida es muy, pero que muy jodida... y muy pocos supieron dibujarla tan bien. (Taylor, FilmAffinity)

FA 7343

Das Bildnis des Dorian Gray (Massimo Dallamano, 1970)

El retrato de Dorian Gray

Un joven de alma pura comenta mientras le hacen un retrato que daría lo que fuera por mantenerse siempre joven y bello. Su deseo es concedido y desde ese momento será el retrato quien envejezca por él, y en donde se muestren los turbios reflejos de su alma. (FILMAFFINITY)

FA 7342

Bulevar revolucije (Vladimir Blazevski, 1992)

Boulevard Revolution

La historia de amor entre una adolescente confusa y un mafioso en el Belgrado justo antes de que explotará la guerra de los Balcanes. (FILMAFFINITY)

FA 7341

Body Snatchers (Abel Ferrara, 1993)

Secuestradores de cuerpos

En una base militar, una familia observa cómo sus vecinos y amigos se comportan de una manera extraña. Poco a poco, se verán inmersos en una terrible pesadilla de la que no podrán escapar. (FILMAFFINITY)

1993: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

FA 7340

Bamako (Abderrahmane Sissako, 2006)

Melé canta en un bar, su marido Chaka está en el paro y la pareja está a punto de romper. El patio de la casa que comparten con otras familias se ha convertido en una sala de juicios: portavoces de la sociedad civil africana acusan al Banco Mundial y al Fondo Monetario Internacional de los males que afligen a África. Y mientras se suceden las declaraciones de acusadores, defensores y testigos, la vida en el patio continúa. Chaka no parece muy preocupado por este deseo insólito de África de luchar por sus derechos. (FILMAFFINITY)

FA 7265

Non credo più all'amore (La paura) (Roberto Rossellini, 1954)

Ya no creo en el amor

Una mujer casada que tiene un amante recibe amenazas de una joven que le pide que confiese su infidelidad a su marido. Lo que ella no sabe es que el chantaje es un ardid de su esposo. (FILMAFFINITY)

FA 7336

Jean-Paul Lilienfeld - La journée de la jupe (2008)

El día de la falda

Justo ese día en que Mme Bergerac está a un paso de tirar la toalla rodeada de estudiantes que la insultan y la desprecian por su aspecto justificándose en el Coran, la profesora de Francés descubre un arma entre las pertenencias de uno de ellos. Y ya llegados a ese punto, por qué no aprovechar la situación y utilizarla para dar un curso de Literatura en condiciones, además  de proponer a esos cretinos de la autoridad gubernamental una desesperada reivindicación, algo que suena tan extraño como “El día de la falda”.La jornada en la que las estudiantes de toda Francia puedan lucircomo prefieran sin ser insultadas, agredidas ni molestadas.Especialmente con ese aspecto que hace tiempo ya no es aconsejable en las áreas urbanas con fuerte presencia de inmigración islámica, si una mujer quiere hacer un poco tranquila su vida cotidiana.

Isabelle Adjani regresaba en 2008 a las pantallas para interpretar una historia que no abandona la actualidad, ahora además, recién puesta en marcha la prohibición del velo integral en las calles francesas. Una historia que nació enfrentada al rechazo de algunos productores demasiado asustados para hablar de tantos fracasos a la vez, y todos, con inmigrantes de por medio. El fracaso de la multiculturalidad descontrolada, el de la crisis social infiltrada desde hace años en los grandes suburbios de Francia y el de la rendición de la educación pública ante el desafío de quienes no comparten los valores de la República, pero tampoco tienen planes de abandonarla. 

Y por encima de todo, la historia personal de una profesora verdaderamente indignada y deprimida que nunca imaginó que al fin de tantos años de “feminismo en pantalones”, ella misma acabaría reivindicando la falda, a punta de pistola. 

FA 7330

Acéphale (Patrick Deval, 1969)

Con su título tomado del diario de Georges Bataille, Acéphale (literalmente, un hombre sin cabeza, en sentido figurado, que expresa la necesidad de ir más allá de formas racionales de pensamiento), representa la faceta más literaria de las obras de Zanzíbar Films. La película se abre con una imagen ilustrativa: una cabeza en el proceso de afeitado, en primer plano. Esta imagen es acompañada no por el sonido de una máquina de afeitar eléctrica, sino por una sierra eléctrica, lo que sugiere la necesidad de lograr una tabula rasa mediante conceptos radicales. La historia sigue las aventuras de un joven y sus amigos, que vagan a través de un casi irreconocible París después de mayo de 1968. Al documentar las expresiones de antaño y los gestos de la generación del 68 en Francia, Acéphale se convierte en algo de una película antropológica que revela los ritos y creencias de los iniciados ideológicos de la época.

FA 7331

Yeo-haeng-ja (Ounie Lecomte, 2009)

UNA VIDA NUEVA

Inspirándose en su infancia, la cineasta franco-coreana Ounie Lecomte narra la historia de una niña abandonada por su padre en un orfanato. (FILMAFFINITY)

Interesante producción de corte intimista cuyo acierto más importante es la gestión de las emociones mediante un discurso coherente y equilibrado.

Donde otros hubieran puesto un ejercicio melifluo de considerables proporciones, Lecomte ha optado por una apuesta que pretende ser fiel a sí misma sin caer en tópicos ni en lugares comunes.

El resultado se traduce en cine fresco aunque no demasiado original. Para que el producto acabe teniendo mayores aciertos, el plantel de actores parece estar orientado a una ejecución sobria y serena donde los hechos hablan más que las palabras, algo muy a tener en cuenta y de agradecer en los tiempos que corren.
En todo caso, los problemas de la cinta se enmarcan en sus aciertos, me explico, las emociones con las que juega son su marco, no hay más y quizás se eche en falta un tanto más que la concatenación de sucesos sin mayor ni menor sobresalto que saber qué pasa por la cabeza de una niña sometida a esa clase de experiencia.

Saber más, indagar más, pudiera ser más interesante pero, también es verdad que se trataría, quizás, de otra película.

El caso es que sólo parece ser válida desde el punto de vista de la autora, como si debiera contar esta historia y, por lo tanto, no alcanza el corazón del espectador porque el ejercicio es tremendamente personal e intransferible.

No obstante, como literatura, merece la pena. (nudodobleblogspotcom)

FA 7329

Ayneh (Jafar Panahi, 1997)

El espejo

Mina, una niña de seis años, sale un día de la escuela vestida con el traje tradicional y el brazo escayolado, pero su madre no está esperándola. Decide entonces volver a casa sola, aunque no sabe su dirección, y el camino apenas lo recuerda. Al final, acaba perdiéndose, pero lo peor es que los que se ofrecen a ayudarla no podrán hacer gran cosa por ella. (FILMAFFINITY)

1997: Festival de Locarno: Leopardo de Oro

FA 7302

Aru machikado no monogatari (Eiichi Yamamoto & Yusaku Sakamoto, 1962)

HISTORIA DE UNA DETERMINADA ESQUINA

Película antibelicista que muestra, sin diálogos, los días tristes y felices de una joven niña y su osito de peluche, un ratoncito llamado Kanku-boya y su familia, un árbol, varios posters que cobran vida o una vieja lámpara y una polilla. Con guión de Osamu Tezuka, creador de Astroboy. (FILMAFFINITY)

FA 7301

Un muro de silencio (Lita Stantic, 1993)

Una directora de cine inglesa viaja a Argentina para rodar una película sobre los desaparecidos durante la época de la dictadura militar, pero tropezará con una especie de muro de silencio, hecho de complicidad o de pasividad, entre las personas que se empeñan en negar u olvidar el pasado. (FILMAFFINITY)

FA 7298

Jacqueline Audry - Huis-clos (1954)

Tras su muerte, Garcin, Estelle e Inés son conducidos por un camarero a un cuarto cuyo ambiente es caluroso y sofocante: no hay espejos, ventanas, camas o libros. Los condenados no tendrán la necesidad de dormir o parpadear. Una vez en el infierno, empiezan a conocer la verdadera esencia de los otros: Garcin es un cobarde que además torturó a su mujer hasta lo indecible; Estelle, infanticida -mató a su propia hija- que necesita desesperadamente una presencia masculina. Inés es la lesbiana que sedujo a la mujer de su primo, propiciando después la muerte de éste y que ahora se encuentra obsesionada por Estelle. (FILMAFFINITY)

A puerta cerrada es una obra de teatro existencialista creada por el filósofo Jean-Paul Sartre en 1944, originalmente publicada en francés bajo el título Huis Clos, que significa "A Puerta Cerrada". Huis Clos fue puesta en escena por primera vez en el Vieux-Colombier en Mayo de 1944, justo antes de la liberación de París durante la Segunda Guerra Mundial. La obra sólo presenta cuatro personajes (uno de los cuales, el Mayordomo, aparece por muy poco tiempo) y un sólo escenario. "A puerta cerrada" es la fuente de la, quizás, más famosa frase de Sartre, "El infierno son los demás" (en francés, "L'enfer, c'est les autres"). Ha sido adaptada al cine en muchas ocasiones, notablemente en 1954 por Jacqueline Audry

FA 7286

The Seven-Per-Cent Solution (Herbert Ross, 1976)

Elemental, doctor Freud

En 1890, el famoso detective Sherlock Holmes malvive en Londres convertido en un cocainómano. Tras una larga ausencia, su inseparable compañero, el Doctor Watson, va a visitarlo. Al encontrarlo en semejante estado, decide llevarlo a Viena, a la consulta del joven psicólogo Sigmund Freud, con la esperanza de que éste le ayude a superar su adicción a las drogas. A través del psicoanálisis y la hipnosis, Freud consigue adentrarse en el subconsciente del detective. Durante su convalecencia, Holmes conoce a una paciente de Freud: Lola Devereaux, una actriz de teatro que sufre un gravísimo trauma que le impide articular palabra. Poco después, Freud y Holmes se ocupan de resolver un caso de secuestro en el que está involucrada la actriz. (FILMAFFINITY)

1976: 2 nominaciones al Oscar: Mejor vestuario, guión adaptado

FA 7284

Shiki-Jitsu (Hideaki Anno, 2000)

Ritual

Un director de anime pasa por una crisis creativa mientras quiere reinventarse como director de cine de imagen real, así que viaja a su pueblo natal. Un día encuentra a una chica en las vías del tren, ella vive desconectada de la realidad y siempre dice: "Mañana es mi cumpleaños"; asi comienza su historia. (FILMAFFINITY)

FA 7282

Quartier lointain (Sam Garbarski, 2010)

Barrio lejano

Thomas, cincuenta años, padre de familia, llega por casualidad a la ciudad de su infancia. Cuando se despierta, se encuentra cuarenta años antes, en su cuerpo de adolescente. Proyectado en el pasado, no sólo volverá a vivir su primer amor, también tratara de comprender las razones de la misteriosa desaparición de su padre. Pero podemos cambiar el pasado reviviéndolo? (FILMAFFINITY)

FA 7281

Ochazuke no aji (Yasujirô Ozu, 1952)

El sabor del té verde con arroz

Takeo, una mujer caprichosa de la alta sociedad de Tokio, se aburre con su marido, un hombre tranquilo, que se ha educado en el campo, aunque ahora es ejecutivo de una empresa. (FILMAFFINITY)

FA 7266

Komposition in Blau (Oskar Fischinger, 1935)

La fascinación por el sistema de coloración Gaspar-color indujo a Fischinger para crear esta obra primeriza en la aventura de conjugar colores, sonidos, imágenes animadas e invención en un mismo celuloide, mediante el proceso "ritmos coloreados", denominado así por el propio director.

FA 7339

Oskar Fischinger Ten Films (Oskar Fischinger, 1926-1947)

Oskar Fischinger fue un pintor, animador y realizador de cine alemán. Sus obras se caracterizan por ser abstractas, donde combina la geometría con la música. En la Alemania de Hitler se lo consideró a su arte degenerado, y así se exilió a Estados Unidos, llegando a Hollywood en febrero de 1936. Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso. Compuso un Poema óptico para "La segunda rapsodia húngara" de Liszt (de MGM) pero no recibió beneficio alguno. Realizó una escena para la película de Disney Fantasía, pero fue eliminada del montaje final. Frustradas sus intenciones como animador (a pesar de que hizo más de 50 cortos) Fischinger se volvió cada vez más un pintor al óleo. (Wikipedia)

FA 7339

Shorts:
Spirals (1926) 706x480 / 120 MB / 02:44
Study no. 6 (1930) 718x468 / 29 MB / 02:04
Study no. 7 (1931) 526x372 / 13 MB / 02:37
Kreise (1933) 720x480 / 26 MB / 01:48
Allegretto (1936-43) 720x480 / 30 MB / 02:33
Radio Dynamics (1942) 720x480 / 67 MB / 04:26
Motion Painting No. 1 (1947) 608x408 / 102 MB / 11:00

3 Early Films:
Wax Experiments (1921-26) 712x478 / 261 MB / 11:12
Spiritual Constructions (1927) 644x428 / 55 MB / 06:55
Walking from Munich to Berlin (1927) 656x440 / 53 MB / 04:02

Extras:
Home movies of Oskar, Elfriede and Hans Fischinger in the Berlin Studio, c. 1931 648x424 / 16 MB / 01:24
Never-released early experiments, animation drawings and tests 634x418 / 41 MB / 04:56

Cidade dos Homens (Paulo Morelli, 2007)

Ciudad de los Hombres

Producida por Fernando Meirelles (Ciudad de Dios, 2002) narra la historia de Acerola (Douglas Silva) y Laranjinha (Darlan Cunha), dos amigos adolescentes que se han convertido prácticamente en hermanos en medio de un mundo marcado por la violencia y las bandas callejeras. Laranjinha irá en busca de su padre, al que no conoce, mientras Acerola trata de educar a su propio hijo. Sin embargo, la guerra de bandas pondrá a prueba su antigua amistad y amenazará con sacar a la luz secretos del pasado. (FILMAFFINITY)

FA 7216

Haskell Wexler - Medium Cool (1969)

Un reportero de televisión se involucra personalmente en los episodios violentos que irrumpen en la Convención Demócrata de 1968. El film presenta una reflexión sobre la política norteamericana de finales de los '60 y el rol de los medios de comunicación. (FILMAFFINITY)

FA 7213

Capriccio all'italiana (VV. DD., 1968)

Dividida en seis historias: "La niñera" de Monicelli, "El monstruo del domingo" de Steno, "¿Por qué?" de Bolognini, "¿Qué son las nubes?" de Pasolini, "Viaje de trabajo" de Rossi y Zac, y "Los celos" de Bolognini. (FILMAFFINITY)

FA 7212

Les rendez-vous d'Anna (Chantal Akerman, 1978)

Anna es una directora de cine cuyo trabajo la lleva por toda europa occidental. En cualquier sitio que vaya, o ya tiene alguna relación íntima o rápidamente encuentra una. La gente parece sentir atracción por ella e inevitablemente insisten en compartir sus secretos con ella a pesar de su nulo interés en estas revelaciones. (FILMAFFINITY)

FA 7327

La chambre (Chantal Akerman, 1972)

Toma panorámica circular de 360º a cámara lenta de un pequeño apartamento. Cuando se pasa primero a la habitación no hay nadie allí, pero cada vez que se muestra de nuevo la habitación Chantal Akerman está sentada en la cama, inmóvil primero, y luego ocupada haciendo algo (jugar con una manzana, comerse la manzan, etc). Cuando ella es vista por última vez bosteza y se acuesta en su cama. La cámara sigue panorámica, pero después de 10 minutos y 21 segundos de la película llega a su fin.

FA 7325

Hôtel Monterey (Chantal Akerman, 1972)

Las películas de Akerman, silenciosas y en perpetuo movimiento, constituyen una de las miradas sobre lo cotidiano más reveladoras y lúcidas que ha dado el cine. Su primer trabajo, Hotel Monterey (1972), lo realizó en Estados Unidos, y ya contiene el elemento de fascinación que ha caracterizado toda su obra, plagada de suaves travellings e incisivos recorridos que, inspirados por los autores que encontró en los Anthology Film Archives de Nueva York (Mekas, Snow, Warhol…), huyen del argumento tradicional. (Autor Anonimo, Patio de Butacas)

FA 7325

News from Home (Chantal Akerman, 1977)

Imágenes de la ciudad de Nueva York y sus habitantes. Sobre esas imágenes oímos leer las cartas que la madre de la directora de la película le envía desde casa, en Europa. (FILMAFFINITY)

FA 7328

London After Midnight (Tod Browning, 1927)

La casa del horror

La casa abandonada de un hombre asesinado es ocupada por un grupo de espectrales figuras. ¿Serán vampiros? El inspector Burke investiga a un sospechoso que, bajo hipnosis, puede estar cometiendo nuevos crímenes disfrazado de vampiro. (FILMAFFINITY)

Aviso: Esto no es la película puesto que está perdida, es una recreación a partir de fotogramas e imágenes de archivo de como hubiera sido.

Ostenta la triste leyenda de ser (rivalizando con la versión de 10 horas de "Avaricia" -Greed-, de Erich von Stroheim) la película de cine más importante que se ha perdido debido al paso del tiempo. En las mismas fechas en las que se declaraba irremediablemente perdida, tras descubrir sus últimos rastros en pases durante los años sesenta, comenzaron a circular rumores de que un coleccionista privado guardaba una copia. Desgraciadamente parece ser que no era cierto, y que esta última colaboración de Lon Chaney (legendaria estrella de "El fantasma de la Ópera" -The Phantom of the Opera-) con Tod Browning (director de "La parada de los monstruos" -Freaks- y "Dracula")... se ha perdido para siempre. En "London After Midnight" Chaney interpretaba un doble papel como inspector de Scotland Yard y como un terrorífico vampiro, ambos protagonistas de los misteriosos sucesos que acontecen en una mansión londinense. (Pablo Kurt, FILMAFFINITY)

FA 7308

Kokyô (Yôji Yamada, 1972)

Casa en el mar

En una apacible isla, Seichi y Minko viven transportando rocas a zonas de construcción. Pronto se verán afectados con la llegada de la revolución industrial... (FILMAFFINITY)

FA 7307